25 słynnych obrazów: wyselekcjonowane arcydzieła w muzeach

Montagne Saint-Victoire Paula Cézanne'a (1887), Łowcy w śniegu Pietera Bruegla (1565), Widok Toledo El Greco (1596), Niebieskie konie Franza Marca (1911).

O słynnych obrazach, arcydziełach dowiadujemy się od najmłodszych lat. Nawet w tym wieku możemy docenić piękno wytwarzane przez formę i kolor. Kiedy zwiedzamy muzea i galerie, odbieramy własny gust do piękna, uznanie dla kultury i własne rozważania na temat tego, czym jest arcydzieło. Często nasze poszukiwania sprowadzają nas z powrotem do kanonicznego arcydzieła, które możemy teraz docenić w nowym świetle, w nowym stanie umysłu; dopiero wtedy, gdy poszerzymy naszą wiedzę o tym, co czyni obraz mistrzowskim.

Oto 25 najsłynniejszych obrazów w muzeach

25. Opłakiwanie Chrystusa By Giotto

Opłakiwanie Chrystusa autorstwa Giotto, 1305, Fresco, w kaplicy Scrovegni, Padwa

Giotta Lament pokazuje nam pięknie zaaranżowaną scenę żałobników wokół ciała Chrystusa, odzwierciedloną w aniołach, którzy rzucają się w agonii po błękitnych niebiosach. Ta scena pochodzi z fresku Giotta wykonanego w kaplicy na arenie w Padwie we Włoszech. Giotto tutaj zerwał z utrwaloną tradycją malarstwa, Bizancjum i zapoczątkowując świt Renesans . Jego wykorzystanie krajobrazu, kamiennego muru, prowadzi wzrok w dół do Chrystusa i pogrążonej w smutku twarzy Matki Marii.

Giotto przedstawia Chrystusa dwiema masywnymi postaciami, które odwróciły się do nas plecami, co stanowi oryginalny wyczyn kompozycyjny jak na tamte czasy, i przedstawia tę boską scenę jako coś bardzo ludzkiego. Możemy połączyć się z żałobnikami dzięki intuicyjnemu realizmowi, który Giotto wniósł na swój fresk. Giotto wprowadza nowy język wizualny do wyrażania scen o znaczeniu religijnym.

24. Ogród rozkoszy ziemskich , Szczegół z Piekło Hieronim Bosch

Ogród rozkoszy ziemskich (Szczegół: Piekło) przez Hieronymusa Boscha , 1503-15, przez Muzeum Prado, Madryt

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Hieronima Boscha Ogród rozkoszy ziemskich to tryptyk ukazujący przejście od raju do piekła. Obrazy w każdej sekcji są duże i wypełnione wspaniałymi, zaskakującymi, pomysłowymi urządzeniami, nad którymi zastanawiali się historycy sztuki. Jak widać z tego szczegółu, płótno jest pełne zagadek i lawiny scen, które przytłaczają widza. Umiejętność Boscha w przedstawianiu jego fantastycznej wizji ekscytuje i szokuje widza. Jego surrealistyczne płótno pokryte jest dziwnymi postaciami, które wciągają widza.

Wesołość i groza piekła są prawie nieprzeniknione dla zmysłów widza, niemniej jednak nasze emocje są wywoływane tak, jakbyśmy rozumieli. Wiemy, że widzimy piekło w całej jego krwi i jest okropne w każdym tego słowa znaczeniu. Boschowi udało się przekazać przerażenie, wstręt i zdumienie poprzez niespójność.

23. Ostatnia Wieczerza By Jacopo Tintoretto

Ostatnia Wieczerza autorstwa Jacopo Tintoretto, 1592, w kościele San Giorgio Maggiore w Wenecji

Tintoretto Ostatnia Wieczerza pokazuje cudowne zaabsorbowanie efektami światła w słabo oświetlonym wnętrzu. Tintoretto zmienia zwykłą perspektywę Ostatnia Wieczerza stworzyć ciekawą kompozycję. moglibyśmy pomyśleć o Leonardo da Vinci słynny rendering z wykorzystaniem perspektywy liniowej. Tutaj kierujemy się iluminacjami światła: cień rzucany z szyi służącej kieruje nasze oko wprost do Jezusa Chrystusa.

Cudowne, przewiewne anioły wyłaniają się jak unoszący się dym, który wypełnia pomieszczenie. To płótno wypełnione ruchem. Tintoretto tchnął w płótno ponętne piękno, aranżowane przez grę światła. Tintoretto wita widza w scenie, w której światło Chrystusa pochłania i przekazuje nam wizję.

22. Łowcy w śniegu Autor: Pieter Bruegel

Łowcy w śniegu autorstwa Pietera Bruegla , 1565, via Kunsthistorisches Museum Vienna

Bruegel 's Łowcy w śniegu cofa się daleko do wioski pod wysokimi turniami pokrytymi śniegiem. Bruegel stworzył niejednoznaczność wokół ciepłego uczucia powrotu do domu i braku jedzenia, z którym myśliwi wrócili. Łyżwiarze z oddali cieszą się tym, co dała im zima, podczas gdy myśliwi na pierwszym planie, wraz ze swoimi wychudzonymi psami myśliwskimi, walczyli z niszczycielską zimą.

Obraz ewokuje w widzu tę narracyjną zdolność; prosi ich o zrozumienie dynamiki życia na wsi. Bruegel nie pozwolił jednak, aby ten element zdominował estetykę wioski na zimnych pustkowiach. Biel śniegu pokrywa scenę samotnymi krukami przysiadającymi na bezlistnych drzewach. Wiejska ludność pielęgnująca ogień stawia czoła szerokiej przestrzeni zimy.

dwadzieścia jeden. Widok na Toledo By El Greco

Widok na Toledo przez El Greco , 1596, przez The Met Museum, Nowy Jork

El Greco oszałamiające malowanie na Toledo uderzająco wyprzedza swoje czasy. Ogromne chmury wspinają się nad miastem, rozpraszając ciemność w otoczeniu. Tworzy też tło dla budynków, które stoją sztywno w stosunku do szczotkowanych krzaków pierwszego planu. Rzeka zaczyna się tuż pod naszym okiem w prawym rogu i podążamy nią w górę mostu. W zasięgu wzroku nie ma nikogo, tylko surowe marmurowe budynki przycupnięte na wzgórzu.

To bardziej emblematyczny niż realistyczny widok miasta. El Greco wydaje się oferować nam symboliczną reprezentację naszej relacji z boskością, widzianą przez naturę; przytłaczające chmury i płynący krajobraz. Czujemy, że chmury są bliskie rozpętania burzy, przeczucia, po którym miasto już pełza po zboczu wzgórza. Ten obraz pięknie wyraża symboliczne znaczenie między miastem stworzonym przez człowieka a mocą Boskości.

20. Triumf Bachusa Autor: Diego Velazquez

Triumf Bachusa, Diego Velazquez, 1628, via Museo del Prado, Madryt

Na tym obrazie Velazquez połączył klasyczną postać Bachusa ze współczesnym hiszpańskim biesiadnikiem. To, co czyni ten obraz interesującym, to sposób, w jaki artysta bawi się uwagą widza. Jako bóg Bachus odwraca wzrok, dwaj mężczyźni uśmiechają się porozumiewawczo do widza, szczęśliwi, że biorą udział w tym baktycznym rytuale. W rzeczywistości ci dwaj mężczyźni przypominają nam ludzi, których mogliśmy zobaczyć w każdym lokalnym pubie.

Kontrast Velazqueza między postacią klasyczną a pospólstwem jest ostry i zabawny. Bachus odwraca wzrok, wieńcząc plebsu listkiem laurowym; dar wina i odprężenie jest dla każdego. Spojrzenia dwóch mężczyzn wydają się zapraszać, uśmiechają się i mówią, że jesteś taki sam jak ja.

19. Koszmar Henry Fuseli

Koszmar przez Henry'ego Fuseli , 1781, za pośrednictwem Detroit Institute of Arts

Strachu koszmaru towarzyszy często ciężar na ciele; stres, jaki jakiś sen wywołał w umyśle i ciele. Wizerunek Fuseli udaje się nadać wizualny język udręce i niezrozumiałej naturze koszmaru . Na brzuchu kobiety siedzi gremlin, paraliżując ją. To godzina czarownic. Czarna klacz wystawia głowę przez zasłony z nieprzezroczystymi oczami. Fuseli daje widzowi cudowne wizualne doświadczenie irracjonalnej ramy koszmaru.

Miękka suknia kobiety jest napięta przez gremlina, który siedzi, cierpliwy i niepoznawalny w swojej misji. Okazuje się, że patrzy na widza niesamowitym spojrzeniem, jakby wyrzucał mu, że niepokoi swoją misję. Fuseli Koszmar pokazuje niezwykły wyczyn wyobraźni w podejściu do tego tematu i ożywieniu czegoś, co wolelibyśmy trzymać za kurtyną.

18. Niuton Autor: William Blake

Niuton autorstwa Williama Blakea , 1805, przez Tate, Londyn

Blake miał zindywidualizowany styl, który odbiegał od Neoklasycyzm / Romantyzm jego dnia. Obrazy Blake'a są wykonane z symboliką i kuszącą prostotą. To właśnie sprawia, że ​​jego obrazy są tak urzekające. W Niuton Blake'owi udaje się pokazać, dlaczego czuł pogardę dla wielkiego naukowca. Newton mierzy obiekt podobny do zwoju, zamiast zdawać sobie sprawę z koloru za nim; jest zgarbiony, mierzy, zamiast żyć i dostrzegać piękno natury, którego nie może zmierzyć.

Użycie przez Blake'a klasycznego aktu w niezgłębionym środowisku (niektórzy komentatorzy uważają, że znajduje się na dnie morza) jest sposobem przedstawienia tej symbolicznej idei. Blake ma delikatnie paralelne formy, aby ostrzec nas przed odwróceniem się plecami od szansy i tajemnicy życia. Palce Newtona rozłożyły się jak kompas; jego biodra i plecy przewracają się jak zwój; zwój, który mierzy, wydaje się wypływać z jego własnego ciała, pozbawiony koloru lub intrygi.

17. Śmierć Sardanapala Autor: Eugene Delacroix

Śmierć Sardanapala przez Eugene'a Delacroix , 1827, przez Luwr, Paryż

Delacroix 's Śmierć Sardanapala tworzy spektakularny rytm w tym obrazie, używając koloru. Bogata czerwień zaczyna się w lewym górnym rogu i rozlewa się po przekątnej. Delacroix użył tego bogatego koloru, aby porównać przemoc, która zaludnia scenę. Ciała są rozrzucone, mężczyzna szarpie bogato odzianego konia, na pierwszym planie znajduje się bogata biżuteria, a wszystko to unosi się na tej czerwonej rzece.

Delacroix nie pozostawił zbyt wiele miejsca bez opieki; napełnił ją ruchem i draperią, aby naśladować nastrój obrazu. Widz jest pochłonięty tematem, dopóki nie dotrze do tytułowego Sardanapalusa, wylegującego się i przyglądającego się spokojnie na łóżku. Leży w jaskrawym kontraście do wydarzeń z pierwszego planu. To człowiek, który popełni samobójstwo, gdy wszystkie jego przyjemności zostaną zniszczone. Ten moment uchwycony przez Delacroix jest zarówno wstrząsający, jak i pociągający.

16. Burza śnieżna – parowiec z ust portu By J.M.W. Tokarz

Burza śnieżna – parowiec z ust portu przez J.M.W. Tokarz , 1842, przez Tate, Londyn

Tokarz okazał się wyprzedzać swój czas dzięki temu impresjonistycznemu przedstawieniu burzy śnieżnej. W przeciwieństwie do swoich współczesnych starał się odmalować emocjonalne i wizualne wrażenie, jak to jest być w śnieżycy. To doprowadziło go do pionierstwa wczesnej formy abstrakcja . Wir monochromatycznego koloru otula widza, podczas gdy przelotny widok jasności niebezpiecznie tkwi tylko na środku płótna.

Istnieje opowieść, obecnie uważana za apokryficzną, że Turner został przywiązany do masztu statku podczas sztormu, aby doświadczyć przemocy natury. Widać, dlaczego można było w to wierzyć. Renderowanie Turnera jest intuicyjne i dramatyczne, pulsujące energią i subsumujące. To genialna kompozycja, która pokazuje ludzką niezdolność do wytrzymania ekstremalnych warunków natury.

piętnaście. Sroka Claude Monet

Sroka przez Claude'a Moneta , 1868, via Musee D’Orsay, Paryż

Wiele na tym słynnym obrazie udało się uchwycić zaśnieżoną scenę ciszy. Wśród zaśnieżonych gałęzi widać tylko kilka domów; kilka kroków pojawia się przed bramą. Horyzont jest zasłonięty śniegiem pokrywającym ląd, przez co ledwo widać, gdzie zaczyna się niebo. Scena Moneta to piękne wrażenie, które kojarzy się z uczuciem samotnego spaceru w jasny zimowy dzień.

Sroka przysiada na płocie, jedyna wyraźna forma życia na obrazie. Nie ma powodu, dla którego Monet to namalował, poza tym, że go to poruszyło. Ta scena natury może nas poruszyć z powodu wrodzonego zmysłu estetycznego, który porusza się w nas. Monet nie musi sięgać po jakieś wyższe znaczenie symboliczne, bo wszystko jest tuż przed nim.

14. Aleja Topoli Autor: Alfred Sisley

Aleja topoli autorstwa Alfreda Sisleya , 1890, via, Musee D’Orsay, Paryż

Delikatne oddanie alei topoli na tym słynnym obrazie kusi widza prostopadłymi liniami. Sisley wydaje się zapraszać nas do alei wśród jasno-pstrokatych drzew. Dwie postacie ruszają w drogę, nieświadome tej cudownej alei, którą udostępnił nam Sisley. Bogaty kolor wydzielany przez światło stopniowo ciemnieje w kierunku punktu znikania.

W lewo płynie rzeka, a dalej w oddali widać kilka domów. Sisley namalował tę cudownie nastrojową, przesiąkniętą światłem scenę medytacyjną. Nie ma pośpiechu, nie ma gorączkowych tłumów energii, ale relaksujący spacer aleją drzew. Cienie wydłużają się, sugerując, że dzień dobiega końca, być może na chwilę spokojnej refleksji. Sisley zamówił dla swojego płótna drobne, delikatne pędzle, a kolory zdają się łączyć ze sobą, tworząc bogaty świat spokojnego piękna.

13. Montagne Saint-Victoire z dużą sosną Autor: Paul Cézanne

Montagne Saint-Victoire z dużą sosną autor: Paul Cézanne , 1887, za pośrednictwem The Courtauld Institute of Art, Londyn

Cezanne wspaniale przedstawił tę scenę, budując pola koloru, aby stworzyć obraz o niesamowitej głębi. Cézanne spędzał dużo czasu próbując zrozumieć środowisko, w którym malował i próbując zrozumieć, jak malować to, co postrzegał. Możemy rozróżnić formy pod górą jako pola i domy, ale przy bliższym przyjrzeniu się, elementy każdego z nich wydają się zlewać i zderzać.

Jest to część pięknej estetyki Cézanne'a, która sprawia wrażenie pojawiających się form, jak wtedy, gdy przetwarzamy nasze otoczenie, gdy patrzymy. Skupiamy się na całości, ale możemy szczegółowo opisać szczegóły, zamiast tego widzimy niejasne wrażenia i mieszanie się kolorów wokół nas.

12. Pole pszenicy z wronami Vincent Van Gogh

Pole pszenicy z wronami autorstwa Vincenta van Gogh , 1890, przez Muzeum Van Gogha w Amsterdamie

van Gogh namalował wstrząsającą scenę. Wrony na tym słynnym obrazie, zaledwie dwoma lub trzema pociągnięciami pędzla, albo odchodzą, albo wracają na pole pszenicy. Czerń nocy zdaje się powoli pochłaniać błękit dnia; ścieżka znika z pola widzenia. Styl malarski Van Gogha tak dobrze wpływa na formę, że wiemy, na co patrzymy, a jednocześnie kolory wydają się wyrażać więcej, niż wynikają.

Potężne wykorzystanie koloru przez Van Gogha i jego metoda malowania współpracują ze sobą, aby stworzyć obraz naładowany emocjonalnie. Czerń, która sączy się przez błękitne niebo, mówi nam o nieuchronnej katastrofie; wrony są jak rosnący niepokój. Silny emocjonalny rezonans Van Gogha z tematem tworzy to ponętne ekspresjonizm która przekształca naturalny krajobraz w emocjonalny.

jedenaście. Tahitański krajobraz Autor: Paul Gauguin

Tahitański krajobraz przez Paula Gauguina , 1891, za pośrednictwem Minneapolis Institute of Art

Gauguin Słynny obraz wnosi świeżą energię do sztuki końca XIX wieku. Jest cudowna melodia stworzona dzięki bogatej kolorystyce. Gauguin poradził sobie z ciepłem z antyrealistycznej kolorystyki iw tym sensie obraz jest bardziej realistyczny w przypadku tego eksperymentalnego dotyku. Samotna postać niesie zapasy, podczas gdy pies czeka na poboczu. Żółte pole przeplata się z bogatą gradacją zieleni i pomarańczy. Kolory wydobywają słońce dla widza.

Gauguin miał dość Francji i pojechał na Tahiti, aby ożywić swoją przyjemność z malowania i ożywić swoją zdolność ekspresji. Widzimy tutaj w tej żywej scenie krajobrazowej, że Gauguin oferował alternatywę dla naturalnego malowania, malując w ten ekspresyjny sposób. Dzięki tej nowej metodzie krajobraz jest nie tylko estetyczny, ale obraz zaczyna działać jako symbol swobodnej ekspresji, nieskrępowanej przez kontrolowaną naturalizm .

10. Różowa chmura, Antibes Autor: Paul Signac

Różowa chmura, Antibes autor: Paul Signac , 1916, za pośrednictwem Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

Signac Stylistyka przypomina mozaikę w subtelnie przemieszanych kolorach. Jest to niemal doskonała abstrakcja od natury, a jednocześnie przynależność do tego impresjonistycznego nastroju, który wie, że ten przyjemny obraz już nigdy nie będzie istniał. Chmura Signac jest posłańcem słońca; utrzymuje światło i rozprowadza je na płótnie w pięknym wyświetlaczu. Pojedynczy żagiel jest przyćmiony rozmiarami i łatwo dryfuje w swoim odbiciu.

Signaca pointylista technika umieszcza obok siebie maleńkie obszary koloru, aby zrównoleglać gradacje kolorów, które widzimy w naturze; jak nasz mózg przetwarza efekt światła i koloru. Signac zatrzymuje ten moment w czasie, aby przywrócić go jako naturalne wspomnienie samotnego żagla.

9. Separacja Edvard Munch

Separacja przez Edvarda Muncha , 1896, przez Muzeum Muncha w Oslo

Chrupać miał przeszywającą zdolność wyrażania wewnętrznego dramatu nie tylko indywidualnego niepokoju, ale także namiętności, które istnieją między dwiema jednostkami. W Separacja , mężczyzna osuwa się, trzymając się za serce, które wydaje się wylać na jego rękę – musi trzymać je na miejscu, aby pozostać przy życiu. Symbol kobiety zmienia się teraz w otoczenie, stając się częścią plaży i nieba. Ten słynny obraz jest wspaniałą metaforą tego, jak pamięć o miłości utrzymuje się w świecie fizycznym.

Styl malarski Muncha podkreśla wewnętrzne emocje i to, jak te wewnętrzne emocje reagują na otaczający nas świat. Munch nie musi studiować precyzji koloru lub formy, aby mógł pokazać to, czego chce. Malował kolorami blokowymi, dając widzowi te oczywiste figury. Wiele z tego człowieka rozumiemy tylko po kilku szczegółach jego twarzy; to bardziej kolor. Nieco „nieostrożne” nakładanie farby potęguje to bezpośrednie i silne poczucie separacji.

8. Improwizacja 28 (wersja druga) Wassily Kandinsky

Improwizacja 28 (wersja druga) Wassily Kandinsky , 1912, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Kandinski abstrakcje były bardzo wpływowe w XX wieku. Pokazał estetykę, że malarstwo nie musi mieć obiektu wywołującego emocje i medytację. Tytuł Kandinsky'ego dla tego słynnego obrazu, Improwizacja, przypomina widzom pewną muzykalność, którą stara się naśladować kolorem i linią. Kandinsky musiał być świadomy nieodłącznego tworzenia sensu, na którym składa się percepcja. W Improwizacja 28, rozróżniamy twarze, oczy, krajobraz, domy bez spójnej przestrzeni. W rzeczywistości formy, które widzimy, są jedynie liniami i kolorami, które, jak przypuszczamy, są tymi znanymi nam rzeczami.

Kandinsky prosi widza o docenienie kompozycji tak, jak docenia się utwór muzyczny. Tak czuje się harmonijny ruch w utworze, kontrasty sekcji, dynamikę dźwięku. Możemy odnaleźć piękno także w linii i kolorze bez żadnego spójnego „znaczenia” czy przedmiotu.

7. Duże niebieskie konie Autor: Franz Marc

Duże niebieskie konie przez Franza Marc , 1911, przez Walker Art Center, Minneapolis

Franz Marc Kompozycja to kaskada form. Miękkość, z jaką skomponował konie i odbija się w otoczeniu, tworzy harmonię godną muzyki. Marc zyskuje wiele, ale jego antyrealistyczna kolorystyka. Niebieskie konie są pogodne, majestatyczne, prawie niebiańskie. Ich wypasane głowy wywołują uczucie spokoju i komfortu, uczty i wspólnoty. Zestawienie barw podstawowych spotyka widza z pocieszającą wyrazistością.

Franzowi Marcowi udało się wyrazić spokój natury bez naturalizmu. Drzewa z kości słoniowej przepływają przez płótno. Nic na tym obrazie nie wydaje się wstrząsające ani tnące. To wszystko płynie w tym zmysłowym kolorze tworząc jedność formy. Ta prosta scena pasących się koni została przekształcona w harmonijne docenienie natury dzięki użyciu koloru przez Marca na tym słynnym obrazie.

6. Niespokojna podróż By Giorgio De Chirico

Niespokojna podróż przez Giorgio de Chirico , 1913, via MoMA, Nowy Jork

Chirico Klaustrofobiczna kompozycja intryguje naszą perspektywę, jak niespokojny umysł poświęcający zbyt wiele uwagi sobie. Jednak pustka w tym słynnym obrazie, mimo że płótno wypełnione jest formami, jest niezwykłe w swoim działaniu. De Chirico jest dobrze znany ze swojego enigmatycznego stylu i tutaj możemy zobaczyć dlaczego. Pociąg wypuszcza dym za krótką ceglaną ścianą, jakby się niecierpliwił. Moc i widok pociągu są złowieszcze, przypominając widzowi bestię w klatce.

De Chirico był źródłem wpływów dla Surrealiści który czuł, że jest ich poprzednikiem w swojej zdolności do przedstawiania wewnętrznych stanów umysłu. Jego zacienione kolumnady są przesiąknięte tajemnicą, złymi przeczuciami i samotnością. Porządek płótna jest ścisły i ograniczony. Dzięki formom architektonicznym de Chirico udało się przywołać coś z wewnętrznego ja.

5. Dynamizm rowerzysty By Umberto Boccioni

Dynamizm rowerzysty Umberto Boccioniego, 1913, w kolekcji Peggy Guggenheim, Wenecja

Boccioniego Futurysta malarstwo jest pochwałą ruchu i szybkości. W kolarzu jest coś wspaniałego, wyabstrahowanego w szereg form. Podobnie jak Kubistyczny Boccioni bawi się tym, jak postrzegamy formę, gdy jest ona w ruchu. Chodzi o przełamanie sztywnych form racjonalnej przestrzeni, by wejść w nową przestrzeń, w której formy zostały zdestabilizowane i cudowne.

Boccioni kolor dodaje temu odczuciu szybkości; tworzy estetykę z ruchu. Niebieski w prawym górnym rogu szybko płynie do środka, gdzie jest równoważony przez złote żółcie. Niebieski jest dodatkowo wychwytywany przez twarz mężczyzny, rozpoznawaną tylko po ogólnych liniach. Biel emanuje z pulsującej żółci, fioletu i błękitu, jak pociąg wyrzucający dym, choć to tylko koła. Rowerzysta Boccioniego jest zdeterminowany i piękny, co daje nam nowe wizualne uznanie dla prędkości.

Cztery. Zakochani Autor: René Magritte

Kochankowie autor: René Magritte , 1928, via MoMA, Nowy Jork

Magritte był mistrzem żartobliwości i podąża śladami de Chirico ze względu na jego niejednoznaczność i enigmatyczne rezonanse. W tym słynnym obrazie Magritte wabi nas niesamowitym obrazem dwóch postaci, całujących się kochanków. Nigdy się nie dotykają, ponieważ ich głowy są owinięte w białe prześcieradła. Co możemy z tym zrobić? Nie musimy nic z tego robić, chociaż umysł jest do tego przyzwyczajony – czy chodzi o niezdolność dwóch osób do tego, aby nigdy tak naprawdę się nie widzą, nie rozumieją?

Niezwykle realistyczny styl malarski Magritte'a stwarza doskonałą okazję do zakłócenia tego realizmu przez użycie przez niego zagadki. Obraz Magritte'a jest humorystyczny. Pocałunek, który wydaje się być tak namiętny, opada na afekt. Oboje kochankowie mają zaufanie, które sprawia, że ​​białe prześcieradła są jeszcze bardziej absurdalne. Magritte lubił zagadki psychologii i filozofii i posiadał zdumiewającą umiejętność odtwarzania takich zagadek na płótnie.

3. Guernica Pablo Picasso

Guernica autorstwa Pabla Picassa , 1937, via Muzeum Narodowe Centrum Sztuki im. Reina Sofía, Madryt

Picasso interpretacja bombardowania z 1936 r Guernica jest potężnym symbolem zniszczenia. Picasso zdawał sobie sprawę, że naturalizm nie przedstawiałby doświadczenia terroru tak skutecznie, jak jego metoda kubizmu. Płótno wydaje nam się chaotyczne i trudne do interpretacji; użycie monochromatyzmu, luźnych, cząstkowych form, zniekształcenie sylwetki. Wewnątrz tego jednego budynku formy są spłaszczone i rozdrobnione.

Rzeczywistość zniszczenia zniszczyła sposób reprezentacji. Picasso uważa, że ​​każdy rodzaj naturalizmu nałożyłby na płótno rozum i sztuczność, co osłabiłoby znaczenie i moc Picassa. Bombardowanie i destrukcja to fragmentacja form, wywołująca chaos.

dwa. Metamorfoza Narcyza Salvador Dali

Metamorfoza Narcyza Salvador Dali , 1937, via Tate, Londyn

Medytacja Dalego na Mit narcyza to cudownie precyzyjny, ale nieuchwytny obraz. Dalí jest zainteresowany tym, jak postrzegamy i co robimy z naszych percepcji. Możemy zobaczyć użycie przez Dalego podwójnego ujęcia, w którym postrzegamy obiekt jako coś innego, zanim zdamy sobie sprawę, czym on jest. Chociaż dla Dalego i Surrealiści , zastanawialiby się, która percepcja jest „prawdziwa” i co mówi nam nasza podświadomość; jak się łudzimy.

Styl malarski Dalego, który nazwałby „ręcznie malowaną kolorową fotografią”, obejmuje zarówno rzeczywistość, jak i złudzenia. Kamienna postać Narcyza zamienia się w dłoń trzymającą jajko, które kwitnie narcyza. Dalí przeciwstawia upływ czasu percepcji, prawdziwej lub złudnej, aby dać nową wizualną eksplorację mitu Narcyza – mitu mającego tak wiele wspólnego z percepcją. Chodzi o to, jak postrzegamy siebie i jak postrzegają nas inni.

1. Nocne jastrzębie autorstwa Edwarda Hoppera

Nocne jastrzębie autorstwa Edwarda Hoppera , 1942, za pośrednictwem The Art Institute of Chicago

Zbiornik Słynny obraz tutaj przypomina de Chirico w poczuciu samotności wywołanej przez architekturę. Hopper jednak zdecydował się na realizm aby osiągnąć ten efekt. Duże okno wyświetla kilka osób w nocy przy sztucznym świetle, a ulica na zewnątrz jest zimna, pusta i bez dźwięku. Dwóch mężczyzn przy barze wydaje się odzwierciedlać siebie nawzajem, kobieta w czerwieni wygląda na pustą, a stary mężczyzna zajmuje się barem.

Istnieje niezaprzeczalne poczucie stagnacji. Tak bardzo, że niepokoi widza. Hopper podniósł poprzeczkę, by reprezentować coś przekonującego w ludzkim życiu; o samotności i samotności; o czekaniu; o tym, jak spędzamy czas w samotnej nocy. Realizm Hoppera wprowadza ten dom z mocą. Ograniczony widok, jakby uchwycony, gdy przechodzi się obok, zdaje się podkreślać tę oddalenie indywidualności.

Ciekawość słynnych obrazów

Kiedy badamy słynne obrazy, szukamy własnego zmysłu estetycznego i tego, jak odzwierciedla on nasze rozumienie siebie i świata. Często pokazuje się nam słynne obrazy, które widziano w szerszym kontekście kulturowym, aby wywołać uczucie piękna i doświadczenia, do którego wszyscy możemy się odnieść. Jednak te obrazy czasami nie zbliżają się do naszych własnych odczuć świata. Musimy podjąć własną nieoficjalną edukację malarską, aby odnaleźć i docenić własny język wizualny.