Ekspresjonizm: 10 ikonicznych obrazów i ich artystów

Deser: Harmonia w czerwieni przez Henri Matisse .a (znany również jako Czerwony Pokój lub Harmonia w Czerwieni), 1908, Ermitaż

Ekspresjonizm jako ruch artystyczny może być bardzo szeroki i trudny do scharakteryzowania. Obejmuje różne kraje, media, ruchy i okresy. Sztuka ekspresjonistyczna nie została zatem zdefiniowana przez zestaw zasad estetycznych, ale raczej jako narzędzie ekspresji i komentarza społecznego. Poniżej znajduje się 10 ikonicznych obrazów, które reprezentują sugestywny i dynamiczny charakter okresu ekspresjonistycznego.

Krzyk (1893) autorstwa Edvarda Muncha

Krzyk przez Edvarda Muncha , 1893, Galeria Narodowa w Oslo

Edvard Munch uważany jest za jednego z najważniejszych i najbardziej wpływowych artystów modernizm . Był częścią ruchu symbolistów i pionierem malarstwa ekspresjonistycznego. Był pod wpływem impresjoniści i postimpresjoniści w Paryżu, takich jak Claude Monet , Vincent van Gogh oraz Paul Gauguin . Jego kariera trwała prawie 60 lat i wyprodukowała wiele współczesnych arcydzieł.

Krzyk to jedno z najbardziej kultowych dzieł sztuki współczesnej na świecie. Jest znany z tego, że ucieleśnia głębokie poczucie niepokoju i niepokoju, które przenikały wczesną epokę modernistyczną. Obraz jest w dużej mierze autobiograficzny, ponieważ opiera się na doświadczeniu Muncha, który usłyszał przeszywający „krzyk natury” po pozostawieniu go przez dwóch jego przyjaciół, którzy pojawiają się w tle obrazu. Istnieją dwie wersje obrazu; jeden znajduje się w Muzeum Muncha w Oslo, a drugi w Galerii Narodowej w Oslo.

Niebieski jeździec (1903) Wassily Kandinsky

Niebieski jeździec Wassily Kandinsky , 1903, WikiArt (zbiory prywatne)

Wassily Kandinsky był pionierem abstrakcji w sztuce modernistycznej i stworzył wszechstronny pomost między postimpresjonizmem a ekspresjonizmem. Jego twórczość przeszła kilka zmian stylistycznych, ewoluując od realistycznej i organicznej do geometrycznej i abstrakcyjnej. Założył również Niebieski jeździec (The Blue Rider) w Monachium w 1911 roku, która stała się jedną z najwcześniejszych formalnych grup artystów ekspresjonistycznych.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Niebieski jeździec jest doskonałym przykładem przejścia Kandinsky'ego między impresjonistycznym a ekspresjonistycznym stylem malarstwa. Choć ma wyraźne wpływy impresjonistyczne w technice i stylu, jego ciężkie impasto, odważne kolory i lekko szorstkie pociągnięcia pędzla są elementami wczesnego ekspresjonizmu. Abstrakcyjny charakter utworu zachęcał także widza do interpretacji; niektórzy twierdzą, że widzą dziecko w ramionach jeźdźca.

Taniec wokół złotego cielca (1910) Emila Nolde

Taniec wokół Złotego Cielca przez Emila Noldea , 1910, Państwowa Galeria Sztuki Nowoczesnej, Monachium

Emil Nolde był malarzem ekspresjonistą i częścią Niemców Most (The Bridge) grupa artystów ekspresjonistycznych. Pamiętany jest jako jeden z najwybitniejszych kolorystów XX-wiecznego modernizmu, wykorzystujący duże, szorstkie pociągnięcia i kontrastujące barwy do tworzenia dynamicznych dzieł. Wyostrzony charakter jego pracy wywołuje emocjonalne reakcje u widzów, tworząc relację między artystą a widzem.

Taniec wokół Złotego Cielca przedstawia fragment z Księgi Wyjścia. Według opowieści w Starym Testamencie Izraelici stworzyli Złotego Cielca, aby udobruchać ludzi, gdy Mojżesz podróżował na górę Synaj, ponieważ obawiali się, że nie może wrócić. Obraz przedstawia niewybrednych ludzi wykonujących taniec wotywny wokół bożka, nieświadomych jego fałszu. Surowe pociągnięcia pędzla i jasne kolory podkreślają podwyższoną emocjonalność utworu.

Duże niebieskie konie (1911) autorstwa Franza Marc

Duże niebieskie konie przez Franza Marc , 1911, Centrum Sztuki Walkera

Franz Marc był niemieckim artystą, który był także członkiem-założycielem grupy Der Blaue Reiter (The Blue Rider). Jego prace wykorzystywały jasne kolory i wyraźnie bardziej kubistyczny styl niż niektórzy z jego współczesnych. Marc często przedstawiał zwierzęta w swojej sztuce z głębokim, ale zaniżonym poczuciem emocji, zyskując rozgłos wśród innych wpływowych artystów w tym czasie.

Duże niebieskie konie został przedstawiony na pierwszej wystawie Der Blaue Reiter w 1911 roku. Utwór ma męskie, jasne, kontrastujące kolory podstawowe. Niebieski kolor i miękka krzywizna centralnych koni tworzą poczucie harmonii, spokoju i równowagi na tle surowej czerwieni wzgórz. Marc stwierdził, że kontrast ten ukazuje zestawienie spokojnej duchowości i przemocy, wywołując poczucie transcendencji.

Autoportret z chińską rośliną latarniową (1912) autorstwa Egona Schiele

Autoportret z chińską rośliną latarni autorstwa Egona Schielego , 1912, Muzeum Leopolda

Egon Schiele był austriackim malarzem ekspresjonistą i podopiecznym kolegi artysty Gustav Klimt . Mimo krótkiej kariery i życia Schiele jest pamiętany jako płodny wpływ wczesnego modernizmu. Jego twórczość słynie z dynamicznej ekspresji, niewyrafinowanej seksualności i niezwykłych kształtów ciała, które wskazują na wczesny ekspresjonistyczny styl.

Autoportret z chińską rośliną latarni zawiera głębię emocji pomimo prostoty utworu. Artysta siedzi pod kątem, spoglądając na widza ze sceptycyzmem. Jego głowa i rysy twarzy są powiększone, a ciało skręcone nienaturalnie, insynuując subtelne napięcie, które przenika utwór. Roślina w tle również przesuwa się w bok, naśladując krzywiznę ciała artysty. Twarz jest renderowana z intensywną głębią kolorów i muskularnymi detalami, w przeciwieństwie do otaczającego ubrania i tła, co sugeruje bardzo psychologiczny aspekt dzieła.

Ulica, Berlin (1913), Ernst Ludwig Kirchner

Ulica, Berlin autorstwa Ernsta Ludwiga Kirchnera , 1913, MoMA

Ernst Ludwig Kirchner wraz z Emilem Nolde był członkiem grupy niemieckich ekspresjonistów Die Brücke. Jego prace charakteryzowały żywe kolory bloków, szerokie, kontrastowe pociągnięcia pędzla oraz ostre, kanciaste formy. Jego ekspresyjne użycie koloru inspirowane było twórczością malarzy postimpresjonistów i wczesnych ekspresjonistów Vincent van Gogh , Albrecht Durer oraz Edvard Munch .

Ulica, Berlin przedstawia pogardliwy pogląd Kirchnera na życie w Berlinie. Świadczą o tym intensywne, ostre pociągnięcia pędzla i niepokojące kontrasty kolorystyczne. Twarze bohaterów są niemal nie do odróżnienia od siebie, co podkreśla bezsensowną powierzchowność berlińskiego życia. Postacie stoją na pochyłym gruncie, niemal wylewając się z samego obrazu, wywołując uczucie klaustrofobii i dezorientacji.

Noc (1918-19) autorstwa Maxa Beckmanna

Noc autorstwa Maxa Beckmanna , 1918-19, kolekcja sztuki Nadrenii Północnej-Westfalii

Max Beckmann był niemieckim malarzem, pisarzem i rzeźbiarzem, znanym z udramatyzowanego życia nocnego, scen mitycznych lub biblijnych w swojej twórczości. Choć jest powszechnie określany jako malarz ekspresjonistyczny, odrzucił ten ruch i zaprzeczał, że jest jego częścią. Beckmann często przedstawiał w swoich pracach własną twarz, którą można rozpoznać po zmarszczonej twarzy z dużą głową.

Noc był produktem Neue Sachlichkeit, czyli ruchu Nowej Obiektywności, który powstał jako bunt antyekspresyjny. Praca przedstawia ostre kąty i chaotyczne, nakładające się postacie, co jest wyrazem rozczarowania Beckmanna życiem w powojennych Niemczech. Utwór ukazuje makabryczne elementy seksu, śmierci i przemocy, zwracając uwagę na nadmierną stymulację i nieprzyzwoitość współczesnego społeczeństwa.

Leżący akt (1919) autorstwa Amedeo Modigliani

Leżąc nago przez Amedeo Modigliani , 1919, MoMA

Amedeo Modigliani był włoskim malarzem i artystą, który mieszkał i tworzył we Francji. Znany jest z nagich portretów kobiet, które charakteryzują się wydłużonymi szyjami i ciałami, pustą mimiką i kontaktem wzrokowym z widzem. Jego prace nie zostały dobrze przyjęte aż do jego śmierci, ale dziś pozostaje jednym z najbardziej płodnych malarzy swoich czasów.

Leżąc nago jest częścią serii nagich portretów autorstwa Modiglianiego, która rozpoczęła się w 1916 roku. Portrety były inspirowane przedstawieniami Wenus w starożytnej grecko-rzymskiej i Włoska sztuka renesansu , a kobiety są często idealizowane jako takie. Zastosowanie miękkiej kolorystyki skóry wyróżnia się na ciemnym tle wnętrza, dając poczucie intymności między fotografowanym a artystą. Temat w Leżąc nago odpoczywa ze swobodą, jakby zrelaksowany w obecności malarza.

Portret mężczyzny (1919) autorstwa Ericha Heckela

Portret mężczyzny autorstwa Ericha Heckela , 1919, MoMA

Erich Heckel był niemieckim malarzem i kolejnym członkiem-założycielem grupy ekspresjonistycznej Die Brücke. Był również znany ze swojego drzeworytu, które cechowało kanciaste kształty, mocne linie i uproszczona kolorystyka. Jego malarstwo zawierało bardziej miękkie, mniej sztywne linie i różnorodne miksy kolorystyczne, ukazując wpływy m.in Vincent van Gogh .

Portret mężczyzny to malowana kompozycja drzeworytowa. Podobnie jak inne jego portrety drzeworytowe, utwór ma ostre, określone rysy. Postać uosabia traumę i niepewność, które nękały powojenne Niemcy w tym czasie. Siedzi z oczami z boku i rękami splecionymi na brodzie, emanując podwójnym poczuciem porażki i oczekiwania. Chłodna, z grubsza pomalowana kolorystyka również przyczynia się do tego poczucia niepokoju.

Zamek i słońce (1928) autorstwa Paula Klee

Zamek i Słońce autor: Paul Klee , 1928, WikiArt (zbiory prywatne)

Paul Klee był szwajcarskim artystą, którego eklektyczny styl malarski zawierał elementy ekspresjonizmu, surrealizm oraz kubizm . Jego prace zawierały odważne bloki kolorów i geometryczne kształty. Przez całą swoją karierę eksperymentował z teorią koloru, formy i projektowania, a jego prace na ten temat są uważane za integralną część zrozumienia modernizmu.

Zamek i Słońce przedstawia średniowieczny zamek lub nowoczesny pejzaż miejski, z mniejszymi trójkątami w cieniu panoramy wież. Jak wiele obrazów Klee, Zamek i Słońce jest renderowany w geometrycznym stylu bloków kolorów, z jasnymi, kontrastującymi detalami na głębokim czerwonym tle. Słońce w tle również wydaje się być księżycem. Użycie niejasnych obrazów stwarza wszechobecną w obrazie przeciwstawną dwoistość, zachęcającą widza do wyciągnięcia własnych wniosków co do tego, co obraz przedstawia.