Krótki, ale niezwykły ruch artystyczny grupy Der Blaue Reiter

Niebieski koń I (Niebieski koń I) przez Franza Marc , 1911, za pośrednictwem Lenbachhaus Museum w Monachium; Zdjęcie Franza Marca , 1910; Projekt okładki Der Blaue Reiter Almanac Wassily Kandinsky , 1911, za pośrednictwem Lenbachhaus Museum w Monachium; Zdjęcie Wassily'ego Kandinsky'ego , przez Muzeum Leicester

Początek 20tenWiek przyniósł ze sobą rewolucje i postęp w postrzeganiu i tworzeniu sztuki. Der Blaue Reiter czyli The Blue Rider Group powstała w Monachium w Niemczech w odpowiedzi na tradycyjne metody sztuki. Ich sztuka badała związki między sztuką, muzyką, kolorem i spirytualizmem. Mimo że grupa była krótkotrwała, ich sztuka i idee przyczyniły się do rozwoju niemieckiego ekspresjonizmu.

Początek niebieskiego jeźdźca

Błękitna Góra Wassily Kandinsky , 1908/09, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Grupa została założona przez mieszankę rosyjskich emigrantów i rodzimych artystów niemieckich w 1911 roku. Niektóre z najbardziej rozpoznawalnych nazw grupy to: Wassily Kandinsky oraz Franz Marc którzy byli głównymi członkami, którzy ukształtowali ogólną wizję grupy. Inni artyści to Aleksiej Von Jawlensky , Gabriele Munter , Marianne von Werefkin , Sierpień Mack , oraz Paul Klee . Utworzyli grupę w odrzuceniu innego niemieckiego ruchu artystycznego, Neue Künstlervereinigung München (Związek Artystów Nowe Monachium). Starali się stworzyć nową falę sztuki nowoczesnej, która oddzieliła się od konwencjonalnej i konformistycznej sztuki ich poprzedników. Zainteresowali się tworzeniem sztuki, która wyrażała emocje, a nie przedstawiała dosłowne sceny. Podczas gdy każdy indywidualny artysta podchodził do tematu i techniki inaczej, wszyscy podzielali te same idee tworzenia sztuki jako połączenia z duchowością poprzez użycie koloru.

Znaczenie nazwy Der Blaue Reiter

Niebieski jeździec Wassily Kandinsky, 1903

Nazewnictwo grupy można uprościć, ponieważ Marc lubił konie, a Kandinsky jeźdźców, więc wspólnie stworzyli nazwę Der Blaue Reiter. Jest jednak więcej powodów, dla których konie, jeźdźcy i kolor tak wiele znaczyły dla tej grupy i przyczyniły się do ich nazwy i trwałej tożsamości.

Malowanie Niebieski jeździec jest postrzegany jako obraz, który stał się podstawą nazwy grupy Der Blaue Reiter. Kandinsky namalował obraz w 1903 roku i jest to jeden z pierwszych obrazów, w których przeszedł do bardziej abstrakcyjnego stylu. Jeździec w imieniu zaczął symbolizować przejście ze świata fizycznego do duchowego. Ten pomysł pochodzi od średniowiecznych chrześcijańskich wojowników i rycerzy, takich jak św. Jerzy, który zainspirował grupę. Historia świętego Jerzego zabijającego smoka odgrywa ważną rolę we wczesnych pracach Kandinsky'ego. Dla nich oznaczało to śmierć starego i narodziny początku. Jeździec jest nosicielem boskiego przebudzenia i odrodzenia sztuki. Członkowie Der Blaue Reiter postrzegali materializm swoich czasów jako blokadę przeciwko duchowemu zrozumieniu umysłu i duszy.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Duże niebieskie konie przez Franza Marc , 1911, via Walker Art Center, Minneapolis

Kolor niebieski stał się dosłowną manifestacją transcendencji i boskości, którą artyści wykorzystywali w swojej sztuce. Niebieski był postrzegany jako najbardziej uduchowiony i uspokajający kolor, który jest konsekwentnie widoczny w różnych pracach artystycznych grupy. Niebieski był często używany w połączeniu z końmi Franza Marca, ponieważ razem reprezentują podróż materialnego świata do bardziej niebiańskiego. Niebieski jest również związany z męskością, podczas gdy żółty był bardziej kobiecy. Czerwony reprezentował fizyczny i naturalny świat w porównaniu z nieziemskim kolorem niebieskim. Połączenie niebieskiego i jeźdźca reprezentuje walkę między dobrem a złem. Dla nich zło początku 20tenwieku były nowoczesne technologie, nauki i urbanistyka.

Almanach Niebieskiego Jeźdźca

Okładka Blue Rider Almanac Wassily Kandinsky, Franz Marc i Jean Arp , 1914, via Art Gallery of Ontario, Toronto

Niebiescy Jeźdźcy Almanach to zbiór esejów, ilustracji i partytur, który stał się podstawą celów grupy. Na okładce książki znajduje się emblemat grupy Św. Pierwsza edycja zawierała 1200 egzemplarzy z 50 edycjami deluxe, które zawierały drzeworyty Wassily'ego Kandinsky'ego i Franza Marca. Drzeworyty z limitowanej edycji pt (Łucznik) Łucznik , przez Kandinsky'ego; oraz Fabletier (fantastyczne stworzenie) , autorstwa Marca pojawiają się tylko w pierwszym wydaniu. Grupa opublikowała tę pierwszą książkę dopiero, gdy pierwsza wojna światowa przerwała plany na drugą. Książka zawiera również nuty Arnolda Schönberga i Alexandra Scriabina, do których Schönberg napisał esej, a także nuty do trzech kompozycji. W zestawie znajduje się również Yellow Sound Kandinsky'ego (Der gelbe Klang). Książka zawierała nie tylko obrazy prac grupy, ale także innych artystów, w tym Pablo Picasso , Vincent van Gogh , oraz Henri Matisse .

Niebieski jeździec autorstwa Franza Marca i Wassily'ego Kandinsky'ego , 1912, przez Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

Są też wizerunki dzieł sztuki średniowiecznej, renesansowej, ludowej i pozaeuropejskiej. Obejmowały one afrykańskie posągi, azjatyckie rysunki tuszem, sztukę ludową i odwrócone obrazy na szkle z Bawarii. Swoją sztukę inspirowali artyści niewykształceni i twórcy ludowi, których sztukę nazwano by wówczas prymitywną. Prosta abstrakcja form i tematyki prowadzi członków grupy do tworzenia obrazów, które coraz bardziej odbiegają od świata przyrody. To, co sprawia, że ​​ta książka jest ważna, to wspólny wysiłek włożony w jej powstanie. Umieszczając obrazy sztuki z różnych kultur, artystów, muzyków i krytyków, pokazał, że każda sztuka może żyć jednocześnie w jednej przestrzeni. Pokazuje, że jest miejsce na wszystkie rodzaje sztuki i jak bardzo każdy z nich wpływa na drugi.

Wpływ koloru

Młoda dziewczyna w kwiecistym kapeluszu autor: Aleksiej Von Jawlensky , 1910, via Albertina Museum w Wiedniu (po lewej); z Cztery dziewczyny (Cztery dziewczyny) autor: August Macke , 1912/13, via Museum Kunstpalast, Düsseldorf (po prawej)

Kolor odgrywał ważną rolę w pracach Der Blaue Reiter. Jak widać na powyższym obrazie, istnieje wyraźne rozróżnienie między zastosowaniami koloru między różnymi członkami tej samej grupy. Fowizm ma powiązania z grupą Der Blaue Reiter, szczególnie z Gabriele Münter i Alexejem Von Jawlenskym. Podobnie jak w kolorowance, umieszczają kolor w grubych, ciemnych liniach, aby stworzyć kontrast i wymiar. Portrety Jawlensky'ego pokazują ten związek między kolorem a emocjami. Skupił się przede wszystkim na głowach postaci, a nie na portretach całego ciała. Użył surowych, żywych kolorów, aby pokazać, jak kolor może stać się esencją naszego bytu.

Pani w parku autor: August Macke 1914, MoMA, Nowy Jork (po lewej); z Niebieska Mantyla autor: Aleksiej Von Jawlensky , 1913, przez Muzeum Izraela, Jerozolima (po prawej)

Kolejna inspiracja pochodziła z prac Robert Delaunay oraz Orfizm , który zainspirowałby Augusta Macke i Franza Marca. Uderzyło ich użycie koloru przez Delaunay, w którym jest on rozbity na fragmenty koloru. Rytm odgrywa w tym ogromną rolę, ponieważ Delaunay wierzył, że kolory poruszają się przed wzrokiem tak samo jak świat przyrody. To skłoniło Macke do malowania form, które są cięte na sekcje o bardzo wyraźnych kanciastych kształtach. Jego tematy obejmują kobiety w domach towarowych, spacery po parkach lub grupy kobiet w działalności, do której stosuje tę technikę. W porównaniu do Alexeja Von Jawlensky'ego Macke używa bardzo wyraźnych kształtów, które są prawie kubistyczne, podczas gdy Jawlensky swobodnie używa bardziej ekspresyjnych pociągnięć pędzla.

Kolor przekroczył granice ekspresjonizm ponieważ artyści używali go, aby pokazać najskrytsze duchowe uczucia, które odczuwali podczas malowania. Używanie kolorów stało się swobodniejsze i mniej podatne na szarość rzeczywistości. Przesuwał zewnętrzne granice tego, co uważano za właściwe dla tradycyjnego malarstwa. Kolor odgrywał również duże znaczenie dla Kandinsky'ego, który używał go w połączeniu z wyrażaniem emocji dźwiękiem.

Kolor muzyki

Impresja III (koncert) Wassily Kandinsky , 1911, via Lenbachhaus Museum, Monachium

Muzyka i jej związek z kolorem odgrywają kluczową rolę w abstrakcyjnych obrazach Wassily'ego Kandinsky'ego. Synestezja, zdolność słyszenia, smakowania lub wąchania koloru, to koncepcja, która wprowadziła Kandinsky'ego do używania koloru jako reprezentacji fizycznych zmysłów. Każdy kolor reprezentował również różne sekcje orkiestry i razem te kombinacje kolorów tworzą symfonię kolorów. Miało to również wpływ na artystę Paula Klee i jego rozwój w sztuce abstrakcyjnej. Muzyka była również dla niego dużą inspiracją, ponieważ zarówno on, jak i Kandinsky studiowali muzykę w młodości.

Kolory oparte na Kandinsky z określonymi emocjami, a nawet instrumentami. Jego obrazy to symfonie kolorów, w których każdy kolor wywołuje inną reakcję emocjonalną. Żółty jest kolorem ziemskim, a im jaśniejszy żółty, tym bardziej chaotyczne i przenikliwe uczucia wywołuje. Niebieski jest uspokajający i niebiański, co pomaga złagodzić żółcie. Czerwone są mocne i dynamiczne, co symbolizuje głębokie bębny lub crescendo trąbek. Zielony to najspokojniejszy kolor, odzwierciedlający miękkie tony skrzypiec. Fiołki są melancholijne i przypominają smutną muzykę rogów czy dud. Wreszcie czerń reprezentuje finał utworu muzycznego, podczas gdy biel jest wtedy, gdy wyciszają się wszystkie inne dźwięki.

Chociaż jego obrazy mogą wydawać się spontaniczne i sprawiać wrażenie, jakby Kandinsky ukończył je na miejscu, w rzeczywistości jest to fałszywe. Podobnie jak kompozytor aranżujący nuty na partyturze, Kandinsky malował tak, jakby nuty były farbą, a płótno nutami. Każde umieszczenie koloru było zamierzone i czasami potrzebował lat, aby ukończyć tego typu muzyczne obrazy.

Kobiety Niebieskiego Jeźdźca

Autoportret (Autoportret) autorstwa Marianne Von Werefkin , 1910, przez Lenbachhaus Museum, Monachium (po lewej); z Autoportret autorstwa Gabriele Münter , 1908, Muzeum Narodowe Thyssen-Bornemisza, Madryt (po prawej)

W Der Blaue Reiter znalazły się artystki, w tym Marianne Von Werefkin, Gabriele Münter, Natalia Goncharova i Clotilde von Derp. Zarówno Werefkin, jak i Münter odegrali kluczową rolę w odniesieniu do stylu i postępów, jakie poczynili dla artystek ekspresjonistycznych. Obaj artyści byli w tym czasie partnerami z innymi członkami grupy: Werefkin z Jawlensky i Münter z Kandinskym. Werefkin cofnęłaby nawet własną karierę i poprowadziła Jawlensky'ego jako artystę, a nawet stworzyła dla niego wystawę. Były kobietami w grupie mężczyzn i cierpiały z powodu ograniczeń bycia kobietami. Jednak nadal były w stanie tworzyć prace, które utorowały drogę przyszłym ekspresjonistycznym artystkom.

Jawlensky i Werefkin autorstwa Gabriele Münter , 1908/09, via Lenbachhaus Museum, Monachium

Prace Gabriele Münter charakteryzują odważne kolory i obrysowywanie bohaterów czarnymi, grubymi liniami. Jej obrazy mają skondensowaną perspektywę, która jest dla widza płaska. Skupia się na kompozycji kolorystycznej swoich bohaterów, wypełniając je żywymi kolorami podobnymi do francuskich fowistów. Niezależnie od tego, czy są to portrety, czy pejzaże, prace Münter mają uproszczone kształty, które odzwierciedlają jej inspirację tradycyjną sztuką ludową z Bawarii, a nawet obrazami dla dzieci. Nigdy nie była całkowicie abstrakcyjna jak Wassily Kandinsky, ale tworzyła sztukę figuratywną, która wciąż przypominała rzeczywistość. Ten ruch w kierunku prostego i dziecięcego wyglądu jest odzwierciedleniem pragnienia grupy, aby wrócić do tworzenia sztuki, która była prymitywna. Tworzyła również martwe natury z obrazami tradycyjnych bawarskich artefaktów lub ikonografii religijnej.

praczki autorstwa Marianne Von Werefkin , 1909, via Lenbachhaus Museum, Monachium

Twórczość Marianne Von Werefkin koncentrowałaby się w jej pracach na wizerunkach kobiet i ubogich. Jej praca pokazuje różnicę w sposobie przedstawiania kobiet na początku lat 19-tychtenwiek. W porównaniu ze swoimi rówieśnikami przedstawiała kobiety pracujące i garbiące się na tle kolorowych strumieni. Jej użycie koloru i ekspresyjne pociągnięcia pędzlem były inspiracją Edvarda Muncha i Vincenta Van Gogha, którzy również używali koloru do wyrażania duszy. Używała ciemniejszej palety kolorów z głębszymi tonami czerwieni i czerni, szczególnie do odzieży damskiej. Werefkin pokazuje kobiety, które były robotnikami i siłą roboczą podczas wzrostu industrializmu. Jej obrazy łączyły surowe realia kobiecej epoki z nadprzyrodzonym przepychem w jej pejzażach.

Jedyny amerykański członek Der Blaue Reiter

Martwa natura III autorstwa Alberta Blocha , 1914, via Des Moines Art Center

Albert Bloch to amerykański malarz, który w 1909 r. przeniósł się do Niemiec. Do grupy Der Blaue Reiter dołączył w 1911 r. po tym, jak Wassily Kandinsky i Franz Marc odwiedzili pracownię Blocha. Był jedynym amerykańskim artystą, który dołączył do grupy. Podczas pobytu w Niemczech wypracował swój własny styl, podobnie jak reszta członków. Często wykorzystywał wizerunki tańczących arlekinów, klaunów grających na instrumentach, a także wykonujących Pierroty. To była interpretacja Blocha tego, jak można zobaczyć muzykę w formie sztuki wizualnej. W porównaniu z innymi członkami grupy, Bloch nie jest tak powszechnie znany i ceniony za swoją pracę w sztuce współczesnej. W końcu przeniósł się do Kansas, gdzie wykładał na Uniwersytecie Kansas aż do przejścia na emeryturę.

Powyższy obraz jest przykładem pracy Blocha i jego związku z Der Blaue Reiter. Jego Martwa natura III nie ma widocznego pierwszego planu ani tła, a zamiast tego Bloch przedstawia obiekty pozornie unoszące się w powietrzu. Reprezentują mieszanie się granic między światem duchowym a fizycznym. Banany i inne owoce wydają się być otoczone własnymi aurami, ożywiając pozornie nieożywione przedmioty. Jego linie są bardzo płynne i faliste, co również skłania się do bardziej duchowego przedstawienia martwej natury. Zawsze zachowywał styl i filozofię Der Blaue Reiter, nawet po jego ostatecznym zakończeniu.

Koniec niebieskiego jeźdźca

Kornfeld bei Carantec (Kornfield w Carantec) autor: Aleksiej Von Jawlensky , 1905, via Albertina Museum, Wiedeń

Początek I wojny światowej był praktycznie końcem grupy. Wojna ogarnęła Europę i członków Der Blaue Reiter. Rosyjscy członkowie grupy, w tym Wassily Kandinsky, Alexej Von Jawlensky i Marianne Von Werefkin, zostali odesłani do Rosji z powodu swojej narodowości. Zarówno Franz Marc, jak i August Macke zostali wcieleni do armii niemieckiej, gdzie niestety obaj zginęli.

Następnie Jawlensky przeniósł się do Szwajcarii, aw 1924 stworzył grupę Die Blaue Vier (Niebieska Czwórka), w skład której wchodzili Paul Klee, Lyonel Feininger i Kandinsky. Bloch wrócił do Stanów Zjednoczonych pod koniec I wojny światowej, gdzie rozpoczął karierę nauczyciela. Większość dzieł, które stworzył w Europie, została zniszczona podczas bombardowań II wojny światowej. Przywiózł tylko kilka swoich obrazów z Europy. Są one teraz pokazane tylko w jego osobistych aktach, które zawierają fotografie zaginionych obrazów.

Podczas II wojny światowej sztuka współczesna stała się celem reżimu nazistowskiego w latach 1930-40, gdzie uznano ją za zdegenerowaną i uznano za obrazę reżimu. W tym czasie Münter nadal tworzyła sztukę nowoczesną, mimo że spotykała się z reakcją i ograniczeniami. Podczas gdy naziści próbowali skonfiskować dzieła sztuki, ukryła swoje obrazy, a także obrazy Kandinsky'ego i innych członków Der Blaue Rider we własnym domu w Murnau. Podczas reżimu nazistowskiego Jawlensky, Klee i inni członkowie grupy zostali zabrani i umieszczeni na wystawie sztuki zdegenerowanej w 1937 roku.