To jest ekspresjonizm abstrakcyjny: ruch zdefiniowany w 5 dziełach sztuki

Kompozycja Willem de Kooning, 1955; z Sic Itur ad Astra (Taka jest droga do gwiazd) Hansa Hofmanna, 1962; oraz Pustynny Księżyc przez Lee Krasnera, 1955

Abstrakcyjny ekspresjonizm jest jednym z najbardziej znanych i znaczących ruchy artystyczne lat 20tenwiek . Wyłaniający się z powojennego Nowego Jorku w latach 40. i 50. spontaniczna wolność i ogromne ambicje abstrakcyjnych ekspresjonistów zmieniły Stany Zjednoczone w supermocarstwo świata sztuki. Artyści ci, choć różni stylistycznie, połączyło swobodne, brawurowe podejście do malarstwa, które odrzucało tradycyjne przedstawienie na rzecz improwizacji i wyrażania wewnętrznych emocji.

Te akty wyrażania siebie były często przepełnione niepokojem i agresją, ukazując powszechnie odczuwane w społeczeństwie lęki i traumy po wojnie oraz pragnienie ucieczki od rzeczywistości w wyższy wymiar. Od malowania akcji gestów Jackson Pollock i Helen Frankenthaler do drżącego emocjonalnego rezonansu Marka Rothko, przyjrzymy się pięciu najgłębszym obrazom, które zdefiniowały abstrakcyjny ekspresjonizm. Ale najpierw przypomnijmy historię, która utorowała drogę.

Historia ekspresjonizmu abstrakcyjnego

Sic Itur ad Astra (Taka jest droga do gwiazd) autorstwa Hansa Hofmanna , 1962, za pośrednictwem The Menil Collection, Houston

Na początku 20tenW stuleciu Europa była tętniącym życiem epicentrum międzynarodowych trendów w sztuce, ale to wszystko miało się zmienić. Rewolucyjne idee z Europy zaczęły rozprzestrzeniać się w Stanach Zjednoczonych w latach trzydziestych XX wieku, najpierw poprzez serię wystaw przeglądowych, które celebrowały awangardy, w tym dadaizm i surrealizm, a następnie solowe prezentacje artystów, w tym Pabla Picassa i Wassily Kandinsky. Ale to właśnie wtedy artyści zaczęli emigrować z Europy do Stanów Zjednoczonych w czasie wojny, w tym Hans Hofmann, Salvador Dali, Arszyle Gorki, Max Ernest i Piet Mondrian, że ich pomysły naprawdę zaczęły się przyjmować.

Szczególnie wpływowy okazałby się niemiecki malarz Hans Hofmann. Pracując obok Pablo Picasso, Georges Braque oraz Henri Matisse, był dobrze przygotowany, aby przynosić nowe pomysły na cały kontynent. Niewątpliwie na pojawienie się ekspresjonizmu abstrakcyjnego wpłynęła również surrealistyczna sztuka Maxa Ernsta i Salvadora Dali, która skupiała się na ekspresji wewnętrznego umysłu.

Jackson Pollock w swoim domowym studiu obok swojej żony Lee Krasner , przez Muzeum Sztuki w Nowym Orleanie

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Wraz z tymi wpływami z Europy, w Stanach Zjednoczonych wielu artystów, którzy stali się ekspresjonistami abstrakcyjnymi, rozpoczęło swoją karierę od malowania wielkoformatowych, figuratywnych, publicznych murali artystycznych pod wpływem Realizm społeczny i Ruch Regionalistyczny. Te doświadczenia nauczyły ich, jak tworzyć sztukę w oparciu o osobiste doświadczenia, i dały im umiejętności pracy na ogromnych skalach, które miały zdefiniować abstrakcyjny ekspresjonizm. Jackson Pollock, Lee Krasner i Willem de Kooning byli jednymi z pierwszych, którzy stworzyli nową markę ambitnego, ekspresyjnego amerykańskiego malarstwa, które okazało się niezwykle wpływowe, najpierw w Nowym Jorku, zanim rozprzestrzeniło się w Stanach Zjednoczonych. Pod koniec lat czterdziestych wszystkie oczy zwrócone były na Stany Zjednoczone, gdzie śmiała i odważna nowa marka sztuki mówiła o niezbadanej kreatywności i wolności, silnie emocjonalnej ekspresji i świcie nowej ery.

1. Jacksonie Pollocku, Żółte Wyspy, 1952

Żółte Wyspy przez Jacksona Pollocka , 1952, przez Tate, Londyn

Znany nowojorski malarz Jackson Pollock’s Żółte Wyspy, 1952, charakteryzuje pionierski styl artysty „Malarstwo akcji” nurt ekspresjonizmu abstrakcyjnego, który angażował w jego tworzenie całe ciało artysty, wiążąc je ściśle z: sztuka performance . Ta praca należy do serii „czarnych wylewów” Pollocka, w których Pollock nakładał krople rozwodnionej farby na płótno ułożone płasko na podłodze, jednocześnie poruszając rękami i ramionami w serii płynnych, płynnych rytmicznych wzorów. Paint składa się z szeregu skomplikowanych i złożonych sieci przypominających sieć, które nakładają się na siebie, tworząc głębię, ruch i przestrzeń.

Praca bezpośrednio na podłodze pozwoliła Pollockowi chodzić po obrazie, tworząc obszar, który nazwał „areną”. środek pracy, dodając do pracy większą fakturę, ruch i siły grawitacji.

2. Lee Krasner, Pustynny Księżyc, 1955

Pustynny Księżyc autorstwa Lee Krasnera , 1955, przez LACMA, Los Angeles

Amerykański malarz Lee Krasner 's Pustynny Księżyc, 1955 powstał jako jedna z serii prac mieszanych, łączących kolaż i malarstwo w pojedyncze obrazy, pod wpływem idei europejskich w Kubistyczny oraz Dadaista sztuka. Jak wielu abstrakcyjnych ekspresjonistów, Krasner miała skłonność do autodestrukcji i często rozdzierała lub rozcinała stare obrazy i wykorzystywała połamane fragmenty do konstruowania nowych, świeżych obrazów. Ten proces pozwolił jej połączyć czyste linie i białe smugi przyciętych lub podartych krawędzi z płynnymi i lepkimi śladami malarskimi. Krasner pokochał również uderzający efekt wizualny, który można było stworzyć, łącząc ze sobą jaskrawe kontrasty kolorystyczne – w tej pracy widzimy gniewne, ostre odłamki czerni, gorącego różu i liliowego smugi na opalizującym pomarańczowym tle, ułożone w zabawny i improwizowany sposób, aby stworzyć żywą dynamikę i ruch.

3. Willema DeKooninga, Kompozycja, 1955

Kompozycja autor: Willem de Kooning , 1955, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

W Willem de Kooning 's Kompozycja, Wyraziste wymachy i plamy farby z 1955 roku splatają się ze sobą w dziką lawinę intensywnej aktywności. Podobnie jak Pollock, de Kooning został nazwany „Malarzem akcji” ze względu na jego szalone, gestykulacyjne pociągnięcia pędzlem, które odwołują się do energicznego ruchu związanego z ich tworzeniem. Ta praca była typową dojrzałą fazą jego kariery, kiedy w dużej mierze porzucił swoją wcześniejszą Kubistyczny struktur i postaci kobiecych na rzecz bardziej płynnej i eksperymentalnej abstrakcji. Rzeczywistość zostaje całkowicie porzucona na rzecz improwizowanej gry koloru, faktury i formy, odwołującej się do wewnętrznych, niepokojowych emocji artysty. W tej pracy de Kooning zintegrował również piasek i inne ziarniste substancje z farbą, aby nadać jej bardziej trzewne, muskularne ciało. Nadaje również pracy fakturę, która wystaje z płótna w przestrzeń poza nią, dodatkowo podkreślając agresywny i konfrontacyjny charakter pracy.

4. Helen Frankenthaler, Natura nie znosi próżni, 1973

Nature Abhors a Vacuum Helen Frankenthaler, 1973, za pośrednictwem National Gallery of Art w Waszyngtonie.

Amerykański malarz Helen Frankenthaler 's Natura nie znosi próżni, 1973, ukazuje zmysłowo płynące strumyki czystego koloru, które zdefiniowały jej praktykę. Znany jako abstrakcyjny ekspresjonista „drugiej generacji”, metoda pracy Frankenthalera była pod silnym wpływem Jacksona Pollocka; ona również pracowała z płótnem rozłożonym płasko na podłodze, wylewając wodniste fragmenty farby akrylowej bezpośrednio na surowe, niezagruntowane płótno. Pozwoliło to wniknąć głęboko w splot tkaniny i utworzyć intensywne kałuże żywych kolorów, obciążone emocjonalnym rezonansem. Pozostawienie płótna w stanie surowym wniosło do jej obrazów lekką i zwiewną świeżość, ale też podkreśliło płaskość malowanego obiektu, nawiązując do idei amerykańskiego krytyka sztuki Klemensa Greenberga, który twierdził, że prawdziwi modernistyczni malarze powinni skupiać się na 'czystość' i fizyczność malowanego obiektu.

5. Marka Rothko, Czerwony na bordowym, 1959

Czerwony na bordowym przez Marka Rothko , 1959, via Tate, Londyn

Jeden z najbardziej znanych obrazów epoki ekspresjonizmu abstrakcyjnego, Marek Rothko 's Czerwony na bordowym, 1959 jest przesiąknięty intensywnym kolorem i ponurym dramatem. W przeciwieństwie do macho „Action Painting” Pollocka i de Kooninga, Rothko należał do gałęzi ekspresjonistów abstrakcyjnych, którzy byli bardziej zainteresowani przekazywaniem głęboko odczuwanych emocji w subtelnych schematach kolorystycznych i ekspresyjnych fragmentach farby. Rothko miał nadzieję, że jego drżące pociągnięcia pędzla i cienkie kolorowe zasłony namalowane na płótnach wielkości ścian mogą przekroczyć zwykłe życie i wznieść nas do wyższej, duchowej sfery wzniosłości, pod wpływem efektów atmosferycznych w sztuce Romantyk oraz renesans okresy.

Ten konkretny obraz powstał w ramach serii znanej jako The Seagram Murals, która pierwotnie została zaprojektowana dla restauracji Four Seasons w Budynek Seagram Miesa van Der Rohe w Nowym Jorku. Rothko oparł kolorystykę serii Seagram na przedsionku Michała Anioła w XIX wieku Biblioteka Laurentian we Florencji , którą odwiedził w latach 1950 i 1959. Tam ogarnęło go mroczne i wszechogarniające poczucie klaustrofobii, cecha, która ożywia się w nastrojowej, ponurej atmosferze tego obrazu.

Dziedzictwo abstrakcyjnego ekspresjonizmu

Onement VI autor: Barnett Newman , 1953, via Sotheby’s

Dziedzictwo ekspresjonizmu abstrakcyjnego sięga daleko i szeroko, nadal kształtując wiele z dzisiejszej współczesnej praktyki malarskiej. W latach 50. i 60. XX wieku Ruch pola koloru wyrosła z abstrakcyjnego ekspresjonizmu, rozszerzając idee Marka Rothko wokół emocjonalnych rezonansów kolorów na czystszy, czystszy język, co pokazują gładkie, minimalistyczne obrazy „zip” Barnetta Newmana i rzeźbiarskie kolumny Anne Truitt o opalizującym kolorze.

Nieuprawny przez Cecily Brown , 2009, przez Sotheby’s

Ekspresjonizm abstrakcyjny został w dużej mierze zastąpiony przez Minimalizm oraz Sztuka konceptualna W latach siedemdziesiątych. Jednak w latach 80. XX wieku Neoekspresjonista Ruch w Europie i Stanach Zjednoczonych pod przewodnictwem niemieckiego malarza George'a Baselitza i amerykańskiego artysty Juliana Schnabela łączył abstrakcyjne malarstwo z narracyjną figuracją. Brudne, ekspresyjne malarstwo ponownie wyszło z mody w latach 90., ale w dzisiejszej złożonej sferze… Sztuka współczesna , różne podejścia do malarstwa abstrakcja a ekspresja jest bardziej rozpowszechniona i popularna niż kiedykolwiek. Zamiast skupiać się wyłącznie na wewnętrznych działaniach umysłu artysty, wielu dzisiejszych najwybitniejszych malarzy ekspresyjnych łączy płynną i wodną farbę z odniesieniami do współczesnego życia, wypełniając lukę między abstrakcją a reprezentacją. Przykłady obejmują erotyczne, półfiguratywne abstrakcje Cecily Brown i dziwne, nawiedzające światy Marlene Dumas wypełnione dziwacznymi i niepokojącymi scenariuszami.