Sztuka konceptualna: wyjaśnienie ruchu rewolucyjnego

Jedno i Trzy Krzesła autorstwa Josepha Kosutha , 1965, MoMA

Pierwotnie pochodzące z minimalizm sztuka konceptualna stała się zbiorowym określeniem całego dalszego rozwoju tendencji w sztuce abstrakcyjnej, które podkreślały ideę dzieła. Obejmujące w poprzek media, style i okresy sztuka konceptualna była rewolucją, która rzuciła wyzwanie modernistycznym pojęciom „sztuki”. Czytaj dalej, aby zapoznać się z podsumowaniem ruchu i jego wpływem na kulturę.

Sztuka konceptualna: kwestionowanie samej sztuki

Robocze rysunki i inne widoczne rzeczy na papierze niekoniecznie muszą być postrzegane jako sztuka Wystawa Mela Bochnera, 1966, Szkoła Sztuk Wizualnych, Nowy Jork

Pierwsza wystawa Mela Bochnera Robocze rysunki i inne widoczne rzeczy na papierze niekoniecznie muszą być postrzegane jako sztuka pokazywanie różnych książek o sztuce w nowojorskiej galerii to ważne wydarzenie w historii sztuki konceptualnej. Ostatecznie był to amerykański artysta konceptualny Sol Lewitt ze swoim esejem Paragrafy dotyczące sztuki konceptualnej które utorowały drogę sztuce konceptualnej jako przyjętej nowej formy sztuki. W swoim słynnym eseju opublikowanym w Artforum w czerwcu 1967 Sol Lewitt napisał:

Kiedy artysta posługuje się konceptualną formą sztuki, oznacza to, że wszystkie plany i decyzje są podejmowane z wyprzedzeniem, a wykonanie jest sprawą pobieżną. Pomysł staje się maszyną, która tworzy sztukę.

Co więcej, Lewitt definiuje sztukę konceptualną jako nieteoretyczną i nieilustrującą teorii, ale jako intuicyjną, zaangażowaną we wszelkiego rodzaju procesy umysłowe i jako bezcelową. Sztuka konceptualna często kwestionuje naturę samej sztuki. W swojej definicji sztuki konceptualnej artysta Joseph Kosuth w 1969 definiuje sztukę jako tautologię i wyjaśnia: Jedynym roszczeniem sztuki jest sztuka. Sztuka jest definicją sztuki. (Cytat z Sztuka po filozofii, 1969) Sam Joseph Kosuth rozważał sztukę jako tautologię w wielu swoich pracach.

Zegar (jeden i pięć), Wersja angielska/łacińska autorstwa Josepha Kosuth , 1965, Tate

Z jego serią Sztuka jako idea jako idea i dzieła sztuki, takie jak Jedno i trzy krzesła (1965) lub Zegar (jeden i pięć) Wersja wystawowa 1965, Kosuth zastanawia się nad różnymi kodami dla jednego krzesła: kodem wizualnym, kodem werbalnym i kodem w języku przedmiotów, czyli drewnianym krzesłem, jak wyjaśniono w opisie Kolekcja MoMA. Dla Kosutha wartość artysty można zważyć na podstawie tego, jak bardzo kwestionował on naturę sztuki (cytat z Sztuka po filozofii, 1969). Cytat autora mówi: Sztuka konceptualna była nie tylko nową radykalną formą sztuki, ale także przeciwieństwem rozumienia sztuki nowoczesnej przez Clementa Greenberga, który był wówczas bardzo widoczny w USA.

Marcel Duchamp, Sztuka gotowa i konceptualna

Nawet jeśli sztuka konceptualna związana jest głównie z okresem lat 60. i 70. XX wieku, to idea, która się za nią kryje, sięga do sztuki Marcela Duchampa, a zatem do sztuki początek 20tenwiek . W jego tekście Sztuka po filozofii, Joseph Kosuth opisuje Marcela Duchampa jako artystę, który jako pierwszy zadał pytanie o funkcję sztuki. Pisze: Wydarzeniem, które umożliwiło uświadomienie sobie, że można „mówić innym językiem” i nadal mieć sens w sztuce, było pierwszym samodzielnym wydarzeniem Marcela Duchampa. Gotowe .

Fontanna przez Marcela Duchampa, 1917 (replika 1964), Tate

Obecnie Marcel Duchamp jest często nazywany poprzednikiem sztuki konceptualnej i jego readymade Fontanna z 1917 jest często określany jako pierwsze dzieło sztuki konceptualnej. Podczas gdy Ameryka była centrum konceptualizmu, ruch artystyczny był międzynarodowy. Chociaż forma, kolor, wymiary i materiał różniły się w zależności od kontynentu, a także od artysty do artysty, różne dzieła sztuki były podobne w podejściu do przedstawiania pomysłu na rzemiosło i ostateczne dzieło sztuki.

Nietradycyjne metody i materiały

Wielu artystów można pogodzić również w kategoriach krytyki kapitalizmu i coraz bardziej skomercjalizowanego świata sztuki. Podobnie jak Marcel Duchamp, wielu artystów wykorzystywało zatem materiały codziennego użytku lub celowo tworzyło dzieła sztuki, które trudno było sprzedać – lub nawet tworzyło dzieło sztuki, tak jak artysta Bruce McLean w swojej pracy performerskiej Pozowanie na cokoły w 1971 roku.

Pozowanie na cokoły autor: Bruce McLean , 1971, Galeria Tanya Leighton

w archiwum Tate Modern , Londyn, performance Bruce'a McLeana w Situation Gallery w 1971 roku jest opisywany jako ironiczny i humorystyczny komentarz do tego, co uważał za pompatyczną monumentalność wielkich, leżących na cokołach rzeźb Henry'ego Moore'a. Zarówno rzeźby McLeana, jak i Moore’a urzekają szczególnie organiczną formą, która w jednym przypadku wynika z samego rzeczywistego ciała, w drugim zaś odtwarza tę bardzo realną fizyczną formę w brązie.

Leżąca postać autorstwa Henry'ego Moore'a , 1938, Kolekcja prywatna

Pozycje radykalne

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Podczas gdy wielu odbiorców sztuki mogło mieć trudności z klasyfikacją performansu Bruce’a McLeana Pozowanie na cokoły jako sztuka, włoski artysta konceptualny Piero Manzoni w 1961 roku zaprezentował dzieło, które wprawiło w zakłopotanie nawet doświadczonych odbiorców sztuki. Tytuł Gówniany artysta (Gówno artysty) już odnosi się do prowokacji, którą Manzoni chciał osiągnąć dzięki swojej twórczości. Gówniany artysta (Gówno artysty) składa się z 90 blaszanych puszek, z których każda – jak mówi tytuł – wypełniona jest 30 gramami kału. Etykieta na puszkach podaje w języku włoskim, angielskim, francuskim i niemieckim:Gówno artysty/Zawartość 30 gr netto/Świeżo zakonserwowane/Produkowane i konserwowane w maju 1961.

Merda d'artista (Gówno artysty) przez Piero Manzoni , 1961, Kolekcja prywatna

Tylko nieliczne w historii sztuki konceptualne dzieła sztuki łączą prowokację i koncept w tak radykalny sposób. Wystawiając ekskrementy artysty, Manzoni połączył przeciwieństwa sztuki wysokiej i biologicznego marnotrawstwa idei i przedmiotu w puszce o wymiarach 4,8 x 6,5 centymetra. Co więcej, to dzieło jest ironicznym komentarzem do mechanizmów przemysłu reklamowego w latach 60. XX wieku. Kolejna grafika koncepcyjna, która spowodowała skandal kiedy został wystawiony po raz pierwszy w 1976 roku, został stworzony przez amerykańską artystkę Mary Kelly. W swoich pracach Mary Kelly zajmuje się przede wszystkim tematyką feministyczną. W serii kilku części w latach 70. dokumentowała na przykład relację między sobą jako matką i jej małym synkiem. Każda z sześciu części skupia się na różnych formalnych momentach między matką a synem, które z kolei znajdują odzwierciedlenie w dziełach sztuki jako środki formalne.

Szczegóły od Dokument poporodowy przez Mary Kelly , 1974, Instytut Sztuki Współczesnej, Londyn

Mary Kelly często łączyła zwykłe materiały ze swojego codziennego życia ze swoim synem ze słowami – tak jak zrobiła to w części I jej Dokumentacja poporodowa . W tej pracy artystka wykorzystała pieluszki swojego syna jako rodzaj płótna i połączyła je ze słowami pisanymi. Skandaliczny szczegół dotyczący pracy polega na tym, że użyto wkładek do pieluch, a widzowie dzieła sztuki nie tylko zostali skonfrontowani z plamami wymiocin, ale także zostali poinformowani o kombinacji żywności, która je wyprodukowała.

Ed Ruscha: Bieżące projekty sztuki konceptualnej

Wszystkie te różne przykłady sztuki konceptualnej pokazały: Ponieważ ta szczególna forma sztuki koncentruje się na idei, która za nią stoi, prawie nie ma granic jej realizacji. Amerykański artysta Ed Ruscha jest dziś jednym z najbardziej znani artyści pop-artu ale jest również bardzo znany ze swojej pracy koncepcyjnej. Od lat 60. Ed Ruscha pracował w różnych mediach, takich jak malarstwo, grafika, rysunek, fotografia i film. Jedną z najciekawszych prac artysty z zakresu sztuki konceptualnej jest książka Każdy budynek na Sunset Strip . Jak sama nazwa wskazuje, jest to książka, która pokazuje każdy dom na słynnym Sunset Strip w Los Angeles. Szczególnie interesująca jest nie tylko forma książki – 7,6-metrowa książka w złożeniu akordeonowym – ale także wykonanie fotografii w książce. Do Każdy budynek na Sunset Strip, Ed Ruscha sfotografował całą długość Sunset Boulevard w Los Angeles tak zwanym aparatem zmotoryzowanym. Dzięki specjalnej konstrukcji aparatu fotograficznego na statywie stojącym na przestrzeni ładunkowej pick-upa, Ed Ruscha dokumentował język Los Angeles jednym zdjęciem na sekundę na dużych rolkach filmowych.

Każdy budynek na Sunset Strip przez Eda Ruscha , 1966, Kolekcja prywatna

Ed Ruscha rozpoczął ten projekt w latach 60. i do dziś pracuje nad swoją dokumentacją Los Angeles. W ciągu ostatnich dziesięcioleci artysta wykonał podobno prawie milion fotografii. Fakt, że sam Ed Ruscha nigdy nie wywołał wszystkich fotografii i wykorzystał tylko niewielki ich procent do książek takich jak Każdy budynek na Sunset Strip pokazuje, jak bardzo pojęcie tej pracy i sama działalność dokumentacji pod względem ważności stoją ponad dorobkiem. Sztuka konceptualna, jak widać na wszystkich przykładach przytoczonych w tym artykule, nie zna granic przestrzennych, czasowych i często społecznie ważnych granic moralnych. Sztuka konceptualna może być ironiczna, poważna, a nawet szokująca. Sztuka konceptualna może być ostatecznie wszystkim lub niczym. Liczy się tylko idea, która się za tym kryje – to maszyna tworzy sztukę, jak wyjaśnił już Sol Lewitt w 1967 roku.