Dan Flavin: płonący prekursor sztuki minimalizmu

Widok instalacji Jest tym, czym jest i nie jest niczym innym , Stuart Whipps, 2016, via Apollo

Subtelna plamka fluorescencji oświetla lśniącą spuściznę Dana Flavina. Niewielu artystów może pochwalić się niezłomnym oddaniem jednemu medium, jak ten nowojorski minimalista, który przez całą swoją karierę elektryczną eksperymentował z instalacjami ambientowymi. Jego biografia rzuca więcej światła na jego malarską praktykę.

Wczesne życie Dana Flavina

bez tytułu (do innowatora Kołysanie się brzoskwini ), I Flavin, 1966, LACMA

Dan Flavin jest rodowitym nowojorczykiem. Urodzić się w skromny dom na Jamajce w stanie Queens, w czasie Wielkiego Kryzysu, dorastał jako katolik, przestrzegając podmiejskiego status quo. Flavin wcześnie wykazywał zainteresowanie rysowaniem. Jednak zdradził swoją pasję w 1947 roku, zapisując się do seminarium na Brooklynie na polecenie ojca. Flavin pozostał tam przez sześć lat ze swoim bratem bliźniakiem Davidem. Choć nigdy nie został oficjalnie wyświęcony, zachował fascynację katolicyzmem. Zwłaszcza kostiumy teatralne, oświetlenie i zwyczaje często związane z mszami pogrzebowymi. W 1953 Flavin opuścił seminarium, aby dołączyć do Sił Powietrznych USA. Został wysłany do Korei, aby studiować technologię meteorologiczną. Po powrocie do Nowego Jorku postanowił zająć się historią sztuki w pełnym wymiarze godzin.

Pierwsze instalacje Dana Flavina

ikona III ( krew męczennika ), Dan Flavin, 1962, Fundacja Judda

Flavin wdarł się na nowojorską scenę artystyczną, wykonując dorywcze prace w największych instytucjach kulturalnych w mieście. Pracował w Guggenheima kancelaria pocztowa i jako strażnik w Muzeum Sztuki Nowoczesnej, nawiązywanie korzystnych kontaktów, aby zapewnić sobie przyszły sukces. W MoMa Flavin również spotkał swoją żonę Sonja Severdija w 1961 roku, z którą zbudował swój wczesny Ikony seria. Przypominające grubo nawarstwione malowidło, drewniane i masonitowe konstrukcje pełniły funkcję płaskorzeźb ściennych, zaopatrzonych w żarówki żarowe i fluorescencyjne. Flavin stworzył ośmioczęściową serię, podczas gdy Severdija okablował ją elektrycznie. Ikony były częściowo inspirowane jego zamiłowaniem do rosyjskiego i grecki Obrazy ikon w kościołach prawosławnych, wykorzystujące podobne odcienie czerwieni, żółci i czerni, aby kontrastować ze złotym metalicznym tłem. W ten sposób Flavin dążył do utrzymania duchowej mocy, rekonceptualizując swoje ikony, aby dostosować się do współczesny kultura.

Przekątna 25 maja 1963 r. (Do Roberta Rosenbluma), Dan Flavin, 1963, Muzeum Met

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Chociaż Ikony była jego pierwszą eksploracją otoczenia, Flavin osiągnął swój cel w 1963 roku, kiedy całkowicie wyeliminował płótno. 25 maja oznaczał jego fatalny punkt zwrotny. Tego dnia chwycił białą świetlówkę, przymocował ją pod kątem 45 stopni i stworzył delikatną poświatę, która teraz jest rozpoznawana na całym świecie jako jego znak rozpoznawczy rzeźby w formie paska świetlnego. Przekątna 25 maja 1963 (do Roberta Rosenbluma) , została uznana za kamień milowy sztuki minimalistycznej, od wieków przełom użytkowy. Jedna z serii prac poświęconych wybitnym postaciom twórczym, zwykła oprawa ukazywała swoje skromne brooklyńskie pochodzenie podczas pierwszych solowych pokazów artysty w Nowym Jorku, gdzie prace Flavina pochłonęły galerie falą fosforescencji. Jakkolwiek nietrwałe były jego instalacje, publiczność przyciągała do Flavina jak ćmy do płomienia. Jego artystyczna przyszłość błyszczała podobnie.

Minimalistyczne wpływy w twórczości Flavina

Czarny kwadrat Kazimierza Malewicza , 1913, Tate Modern

Minimalizm pozostał dość wschodzącym gatunkiem w czasach, gdy Dan Flavin zdobył szacunek. Zainspirowany przez artystów takich jak Frank Stella w latach 60. ruch ten jest często interpretowany jako kontrrewolucja przeciwko Abstrakcyjny ekspresjonizm i modernizm. Minimalizm zamiast faworyzować uproszczone formy i formalne, bardziej dosłowne podejście do tworzenia sztuki. Styl uosabia tendencje redukcjonistyczne sztuki współczesnej. Sięga on czasów, gdy rosyjski przywódca awangardy Kazimierz Malewicz rozbryzgnął zwykły czarny kwadrat na białym tle i ogłosił go arcydziełem nowej ery. W przeciwieństwie do trwałych minimalistycznych mediów, takich jak stal, aluminium i szkło, ulotne świetlówki Flavina sygnalizowały odejście od współczesnego etosu. Nie tylko jego tuby w końcu się wypaliły, ale sam wybór ulotnego światła jako przedmiotu pokazuje jego odstępstwo od artystycznych norm. Najwyraźniej Dan Flavin maszerował w rytm własnych malarskich pulsacji.

nominalna trzy (Do Wilhelma Ockhama), Dan Flavin, 1963, Muzeum Królowej Zofii

pomnik I dla V. Tatlin , Dan Flavin, 1964, HE

Flavin świętował dwa udane wystawy w 1964. W marcu wystawił Ikona cykl w Kaymar Gallery w SoHo podczas indywidualnej wystawy pt Trochę światła. Otrzymał pozytywną recenzję od swojego współczesnego Donalda Judda. Obaj minimaliści później zaprezentowali jednoosobowy pokaz w krótkotrwałej Zielonej Galerii. Ta galeria była również pierwszą, która pokazała innowacyjne mechanizmy paska świetlnego Flavina w swoim pokazie Światło fluorescencyjne , radykalny kanon dostępnych na rynku aparatów. Inne prace obejmowały jego pierwszy kawałek podłogi obok siebie zatytułowany złoty, różowy i czerwony, czerwony (1964), i słynny Flavin nominalna trzy (Do Williama Ockhama) (1963) . Oba były następstwem świecących lamp fluorescencyjnych. Obramowując swoją przestrzeń architektoniczną błyskotliwymi dyfuzjami kolorów, Flavin eksperymentował z lokalizacją jako środkiem formalnym. Jego sztuka w tym czasie kładła nacisk na wytwarzanie materiałów i zredukowanych form. Często montował te instalacje w rogu pokoju, aby złagodzić jego prostokątne krawędzie.

Rosyjski konstruktywizm stworzył inspirujący fundament dla Flavina do naśladowania. Duży wpływ mieli pionierzy z czasów sowieckich, tacy jak Władimira Tatlina, podziwiał konstruktywistyczną koncepcję sztuki jako wehikułu utylitarnego, nastawionego na potoczną kreatywność i namacalną prawdę. Materiały dyktowały formę dzieła sztuki, a nie odwrotnie, jak to często bywa w bardziej tradycyjnych mediach. Czy to środek do celu, czy cel sam w sobie, konstruktywiści wykorzystywali masową podaż, aby uchwycić dynamizm nowoczesności, zmieniający się produkt ich rewolucyjnego społeczeństwa. Flavin tak bardzo czcił konstruktywizm, że poświęcił prawie czterdzieści pomnik kawałki do Tatlina przez całą jego minimalistyczną karierę. Wszystkie były odmianami Tatlina Pomnik Trzeciej Międzynarodówki (1920). Jego efemeryczne żarówki przywodziły na myśl spiralny kompleks Tatlina przeznaczony dla rosyjskiej propagandy, który został zaprojektowany tak, aby stać wyższy niż wielka Wieża Eiffla. Chociaż utopijny kompleks Tatlina nigdy nie doszedł do skutku, Flavin szczególnie zainteresował się swoim celem, jakim jest połączenie sztuki i krótkotrwałej technologii.

Sukces Flavina z lat 60.

Bez tytułu (do S.M. z całym podziwem i miłością, którą potrafię wyczuć i przywołać ), Dan Flavin, 1969, Biblioteki MIT

Flavin wzniósł toast za swój ogromny sukces krytyczny pod koniec lat sześćdziesiątych. Dojrzał do perfekcji swoje instalacje oświetlone lampami, które nazywał po prostu sytuacjami. W 1966 roku jego pierwsza międzynarodowa wystawa w Kolonii okazała się przełomowym zwycięstwem Galeria Rudolfa Zwirnera , prekursora obecnego imperium blue chipów Davida Zwirnera. W 1969 Flavin upamiętnił kompleksowa retrospektywa w Narodowej Galerii Kanady w Ottawie. Każda z jego ośmiu sytuacji zalała całą przestrzeń galerii, starając się stworzyć wszechogarniające wrażenia widza.

bez tytułu ( do Ciebie, Heiner, z podziwem i uczuciem ) , Dan Flavin, 1973, DIA Beacon

Aby uczcić swoją pierwszą retrospektywę, Flavin przetestował nawet innowacyjne, nowe teorie, aby stworzyć złożoną syntezę nastrojowego oświetlenia i efektów optycznych. Bez tytułu (do S.M. z całym podziwem i miłością, którą potrafię wyczuć i przywołać) (1969) zaśmiecony długim korytarzem o długości 64 stóp z wystającymi żarówkami w kolorze baby blue, różowym, czerwonym i żółtym, wyglądającym jak świecący miraż. Wkroczenie w jego mistyczną aurę potwierdziło transcendentalne wydarzenie.

Nowe techniki stosowane przez Flavina w latach 70.

bez tytułu (do Jan i Ron Greenberg ), Dan Flavin, 1972-73, Guggenheim

Trudniejsze techniki zmaterializowały się w pracach Flavina w latach 70. XX wieku. Ukuł termin zakratowane korytarze, aby opisać swoje nowo odkryte eksperymenty z rekontekstualizacją rzeźb na dużą skalę, pomyślanych w odniesieniu do ich odpowiednich siedlisk. W 1973 roku Flavin zmontował swoją pierwszą sytuację z zakratowanym korytarzem zwaną bez tytułu (do Jana i Rona Greenbergów) , zbudowany na indywidualną wystawę w St. Louis Museum of Art. Ta fluorescencyjna, żółto-zielona bariera zaangażowała się w orientację przestrzenną, by zasłaniać linię wzroku widza, kąpiąc galerię w nieziemskim mieszaniu pigmentów. Później w tym samym roku przeszedł na świecącą zieloną 48 x 48-calową sytuację specyficzną dla miejsca o nazwie bez tytułu (do Ciebie, Heiner, z podziwem i uczuciem) , na wystawie dzisiaj w DIA Beacon. Dedykacyjne tytuły Flavina dodatkowo ujawniają warstwę jego dość niejasnego życia osobistego, jak widać w jego 1981 bez tytułu (do mojej drogiej suki, Airily). Oszałamiająca konstrukcja przypominająca tunel oddała hołd jego ukochanemu golden retrieverowi.

Instytut Dana Flavina

bez tytułu (do moja droga suko, Airily ), Dan Flavin, 1981, WikiArt

Chociaż jego kariera wzniosła się na nowe wyżyny w latach 80., Flavin zaczął cierpieć na komplikacje zdrowotne z powodu pogarszającej się cukrzycy. Przewidując własną degradację, artysta podjął wstępne kroki w celu utrzymania swojego dziedzictwa, które obejmowało zakup przebudowanej remizy strażackiej w Bridgehampton w stanie Nowy Jork, aby przekształcić się w powierzchni wystawienniczej. Być może nie tak przypadkowo, jego nowy budynek miał również korzenie jako dawny kościół, dostarczając Flavinowi jeszcze większej inspiracji do zachowania swoich oryginalnych idiosynkrazji. Pomalował na czerwono wóz strażacki w holu wejściowym i przeniósł zestaw odrestaurowanych drzwi kościelnych do wejścia do sali wystawowej, ozdobionej innymi akcesoriami religijnymi, takimi jak neonowy krzyż. Budowa trwała około pięciu lat, do 1988 roku, podczas której Flavin zainaugurował swoje nowe stałe mieszkanie dziewięcioma dziełami, które stworzył w latach 1963-1981, w tym jego bez tytułu (Robert, Joe i Michael). Instytut Dana Flavina do dziś funkcjonuje jako filia The DIA Art Foundation.

Jak Flavin stworzył swoje ostatnie instalacje

bez tytułu (Tracy, dla uczczenia miłości życia), Dan Flavin, 1992, Guggenheim

Dan Flavin rozpoczął swoje ostatnie projekty w latach 90., gdy jego cukrzyca się zaostrzyła. W 1992 roku zgodził się stworzyć obszerną sytuację oświetleniową na nową wystawę w Muzeum Guggenheima: dwupoziomowa rampa zaczerwieniona w migoczących zielonych, niebieskich, fioletowych i pomarańczowych kolorach. Tą spiralą Flavin upamiętnił również swoje małżeństwo ze swoją drugą żoną Tracy Harris, które odbyło się na miejscu w rotundzie muzeum. bez tytułu (Tracy, aby uczcić miłość życia) uhonorowała ostatnie, głośne publiczne wystąpienie artysty, jeśli nie słodko-gorzki jubileusz.

nieuprawny, Dana Flavina, 1997, Fundacja Prady

Po przejściu wyczerpującej operacji amputacji części jego stóp, do 1996 roku Flavin mógł jedynie zebrać siły fizyczne, aby wyreżyserować swoją ostatnią na dużą skalę instalację dla Fundacji Prada w Mediolanie we Włoszech. Flavina nieuprawny starannie połączył swoje życiowe powołanie w maleńką chromatyczną kaplicę, przesiąkniętą charakterystycznymi odcieniami zielonego, różowego i niebieskiego światła ultrafioletowego. Jego ostatnia sytuacja w kościele Santa Maria Annunziata została otwarta rok po jego przedwczesnej śmierci w 1996 roku.

Pośmiertne uznanie Dana Flavina

Poza uznaniem, jakie Dan Flavin cieszył się w ciągu swojego życia, media społecznościowe podniosły go teraz na wyższy poziom sławy. Po jego śmierci pod koniec lat 90. Flavin odzyskał popularność dzięki swojej wystawie objazdowej w 2004 r. Dan Flavin: Retrospektywa. Od Narodowej Galerii Sztuki w Waszyngtonie do LACMA w Los Angeles, a ostatecznie do Monachium, Paryża i Londynu, na wystawie znalazło się prawie pięćdziesiąt instalacji świetlnych i kilka nigdy wcześniej nie widzianych szkiców. Pod koniec 2007 r. popularne platformy internetowe, takie jak Twitter, zasiały nasiona dla Instagrama, który obecnie obsługuje jedno z największych prowizorycznych archiwów Flavina. Może jego powrót odnosi się do klasycznego odrodzenia minimalistycznego w epoce tysiąclecia, jego instalacje są teraz poświęcone postaciom zarówno żywym, jak i martwym. A może wskazuje na większą paradoksalną trwałość obecną w całym jego tymczasowym dorobku.

Ponadczasowe sytuacje Dana Flavina odwołują się do tradycji historycznych sztuki, współczesnej polityki i starożytnych religii, aby ujawnić wytrwałość poza fizycznymi ograniczeniami. Czas może zmienić sposób, w jaki badamy jego instalacje fluorescencyjne, ale jego namacalny ślad pozostaje prawie nietknięty, odciśnięty w naszych zbiorowych wspomnieniach od pierwszego spojrzenia na zwykłą oprawę oświetleniową. Kilkadziesiąt lat po jego śmierci widzowie zrozumieli jego twórczość wykraczającą poza ruch minimalistyczny, do którego wcześniej przypisywano, jakby istniał w swoim własnym, eterycznym królestwie. Dziś dziedzictwo kulturowe Dana Flavina nadal świeci jasno, aby cała ludzkość mogła się w nim zanurzyć.