Najbardziej szokująca i kontrowersyjna sztuka, jaką kiedykolwiek stworzono

Stuart Brisley, And For Today… Nothing, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, Londyn

Na przestrzeni dziejów artyści szukali sposobów na wstrząsanie tradycją i kwestionowanie roli sztuki. Ich odwaga otworzyła się ekscytująco nowe ścieżki w sztuce i zmienił nasz sposób patrzenia na świat w zaskakujący i nieoczekiwany sposób. Ale podejmowanie ryzyka ma swoją cenę i nie zawsze się opłaca, przynajmniej nie za życia artysty. Niektórzy z najbardziej rewolucyjnych artystów wszechczasów zostali publicznie zhańbieni, zesłani do więzienia lub omal nie zginęli w imię wielkiej sztuki. Rzućmy okiem na historię sztuki na niektóre z najbardziej szokujących i kontrowersyjnych dzieł sztuki, jakie kiedykolwiek powstały.

1. Michał Anioł, Sąd Ostateczny, Kaplica Sykstyńska, 1541

Michał Anioł, Sąd Ostateczny (Szczegół), 1541, via NY Post

Od momentu jego odsłonięcia w 1541 roku szalenie chaotyczna plątanina nagich ciał ludzkich Michała Anioła Sąd Ostateczny zdumiona i przerażona publiczność w równym stopniu. Nagie ciała pojawiały się już wcześniej w sztuce Michał Anioł, ale to, co najbardziej zszokowało odwiedzających, to ekspansywny pokaz nagości na całej planszy, od zwykłych ludzi po świętych i męczenników. Do tego wszystkiego dołączył nawet w pełni wyeksponowane, graficzne genitalia, co skłoniło kardynała Oliviero Carafę do oskarżenia go o niemoralną nieprzyzwoitość. Liście figowe i przepaski na biodrach zostały zamalowane na odsłoniętych częściach ciała, zmieniając charakter oryginalnego dzieła sztuki. Pozostali na tym kontrowersyjnym dziele sztuki aż do przywrócenia Kaplica Sykstyńska setki lat później, w 1980. Ale do tego czasu rewolucyjny pokaz ludzkiego ciała Michała Anioła miał już głęboki wpływ na historię sztuki, od manierystycznego i Barokowy dekadencja do niefiltrowanej nagości współczesności.

2. Edwarda Maneta, Olimpia, 1863

Olimpia autorstwa Edouarda Maneta, 1863, via Musée d'Orsay

Francuski malarz realista Ikona Edouarda Maneta Olimpia , 1865 wstrząsnął społeczeństwem do głębi. Po raz pierwszy wyświetlany w Salon Paryski w 1865 r. obraz Maneta przedstawia nagą modelkę leżącą na sofie, podczas gdy służący daje jej kwiaty. Manet celowo naśladował kompozycję Tycjana słynny Wenus z Urbino, 1534, ale dał swojej wersji serię kontrowersyjnych aktualizacji. Bezpośrednie, konfrontacyjne spojrzenie jego modelki zszokowało widzów, którzy byli przyzwyczajeni do oglądania biernych, skromnych kobiet. To, że Manet używał prawdziwej modelki Victorine Meurent, a nie mitologicznej muzy, również było wystarczająco szokujące, ale zasugerował, że jest prostytutką – nazwisko Olympia było powszechnie kojarzone z prostytutkami w Paryżu lat 60., podczas gdy jej otoczenie przypominało styl paryskiego buduaru. Łukowaty czarny kot u podstawy łóżka Olimpii był również dobrze znanym symbolem rozwiązłości seksualnej. Edouard Manet był odrzucany przez Salon Paryski, ale jego przełomowe odkrycia doprowadziły do ​​naśladowania pokolenia impresjonistów i modernistów.

3. Pabla Picassa, Panie z Awinionu, 1907

Pablo Picasso, Młode damy z Awinionu, 1907, via MoMA

Picasso trzymane Panie z Awinionu , 1907, przez długi czas ukryty w swojej pracowni. Nawet jego przyjaciele byli przerażeni, kiedy w końcu to zobaczyli. Agresywne odłamki w kanciastym, sztucznym kolorze i połamanej, zniekształconej perspektywie były wystarczająco szokujące, ale gdy ujawniono prawdziwy zakres jego tematów, publiczność była przerażona. Naga grupa pięciu kobiet pozuje jak klasyczne akty, ale nie są to wyidealizowane piękności. Zamiast tego maluje je przerysowanymi twarzami inspirowanymi afrykańskimi maskami, które widział w Paryżu”. Muzeum Etnograficzne. Redukcja ich ciał do serii ostrych, groźnych form nadaje im groźny charakter, podobnie jak ich zimne, niewzruszone spojrzenia. Awinion był znaną ulicą w paryskiej dzielnicy czerwonych latarni, nie pozostawiając wątpliwości, że te kobiety były prostytutkami. Zderzanie się kątowe Kubistyczny formy i konfrontacyjnej tematyki, Picasso własnoręcznie rozbił konwencję i zapoczątkował nową falę Sztuka współczesna . Krytyk sztuki Jonathan Jones pisze, że Les Demoiselles d’Avignon to rozłam, przerwa, która dzieli przeszłość i przyszłość.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

4. Marcela Duchampa, Fontanna, 1917

Marcela Duchampa, Fontanna, 1917 (replika 1964), przez Tate, Londyn

dany eksperymentator Marcela Duchampa Fontanna , Rok 1917 przeszedł do historii, zapoczątkował narodziny sztuki konceptualnej. Aby stworzyć pracę Duchampa po prostu kupił pisuar z fabryki, podpisał go pseudonimem R. Mutt i zgłosił Stowarzyszeniu Artystów Niezależnych. Społeczeństwo zostało głęboko urażone dziełem, nazywając je nieprzyzwoitym i niemoralnym, stwierdzając, że Fontanna może być bardzo użytecznym przedmiotem na swoim miejscu, ale jej miejsce nie jest na wystawie sztuki i nie jest z definicji dziełem sztuki . Na przekór Duchamp miał… Fontanna profesjonalnie sfotografowany przez znanego fotografa Alfreda Stieglitza w oprawie galerii, a anonimowy wstępniak napisany prawdopodobnie przez Duchampa ukazał się w lewicowym czasopiśmie Ślepiec Kłótnia, czy pan Mutt… wykonał fontannę, nie ma znaczenia. WYBRAŁ to. Wziął zwykły artykuł z życia… i… stworzył nową myśl dla tego przedmiotu. Ten argument, że każdy przedmiot może stać się dziełem sztuki, zrewolucjonizował praktyki artystyczne i nadal ma reperkusje.

5. Carolee Schneemann, Mięsna Radość, 1964

Carolee Schneemann, Meat Joy, 1964, dokumentacja performance

Amerykański artysta performance Carolee Schneemann Mięso Radość , 1964, zakwestionował mizoginistyczne stereotypy pełną nagością i wijącymi się pokazami erotycznego ciała. Łącząc coś, co nazwała listą zakupów, w tym surową rybę, kurczaka i kiełbaski, wraz z farbą, błyszczącym plastikiem i liną, zebrała grupę nagich kobiet, które tarzały się w tych substancjach, jakby zatracone w orgazmicznej ekstazie. Reakcje były ekstremalne; jeden z widzów był tak wściekły, że próbował nawet udusić Schneemanna, a inny oświadczył, że nie wiem, co to jest, ale to nie jest sztuka. Jednak wyzwolona seksualnie sztuka Schneemann ujawniła widzom nowy rodzaj nieskrępowanej kobiecości, wyznaczając drogę fali feministycznych artystek w latach siedemdziesiątych.

6. Stuart Brisley, A na dziś… Nic, 1972

Stuarta Brisleya, A na dziś… Nic, 1972, performance, Gallery House, Goethe Institute, Londyn

Brytyjski performer Stuarta Brisleya A na dziś… Nic , 1972 został wystawiony w głębi podupadłego, odrapanego budynku w Londynie. Brudna wanna została wypełniona po brzegi czarną wodą i gnijącym mięsem, gdzie gniły muchy i czerwie. Brisley codziennie przez dwa tygodnie leżał nagi w tym brudnym bałaganie, z głową umieszczoną na tyle wysoko nad wodą, że wciąż mógł oddychać. Następnie zaproszono małe grupy odwiedzających do wejścia do budynku i obserwowania go w tym bezbronnym, na wpół martwym stanie. Poddając swoje ciało niemal nie do zniesienia sytuacji, Stuart Brisely zwrócił uwagę widzów na kruchą granicę między życiem a śmiercią, postawę, która miałaby głęboki wpływ na Sztuka współczesna to nastąpiło. Ten performance był częścią wystawy zbiorowej w Gallery House, Goethe Institution w Londynie, ale zapach zimnej wody wypełnionej rozkładającymi się podrobami stał się tak obrzydliwy, że wszyscy inni artyści zmusili go do odejścia.

7. Judy Chicago, Impreza obiadowa, 1974-9

Judy Chicago, The Dinner Party, 1974-79, Brooklyn Museum, Dar Fundacji Elizabeth A. Sacklera. Zdjęcie: Donald Woodman

Monumentalna instalacja Judy Chicago Impreza obiadowa , 1974-9, to kultowy symbol feminizmu lat 70. Ustawiono ogromny, trójkątny bankiet z 39 nakryciami, z których każda jest hołdem dla wpływowych kobiet z całej historii. Pomyślany jako kobieca alternatywa dla ostatniej wieczerzy, ma 48 stóp długości z każdej strony, a jego ukończenie zajęło ponad pięć lat. Zdecydowanie najbardziej szokującym aspektem pracy była jawna reprezentacja kobiecych genitaliów; każda płyta jest ozdobiona lub ukształtowana w odmianę formy sromu. Dzieło zostało odsłonięte o godz Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco i przyciągnęła ogromną liczbę, ale reakcje były jadowite, określając pracę pornograficzną i obraźliwą. Przeznaczone na wycieczkę po Stanach Zjednoczonych, inne muzea szybko zostały odwołane. Dziesiątki lat zajęło światu sztuki ogrzanie się do tej pracy i rozpoznanie jej radykalizmu, ale dziś ma ona stałą siedzibę w Sackler Center w Brooklyn Museum .

8. Marca Quinna, Samego siebie, 1991

Marc Quinn, Self, 1991, zdjęcie za pośrednictwem Marca Quinn

brytyjski artysta Marca Quinna Samego siebie , 1991 to cała, naturalnej wielkości replika jego głowy we własnej zamrożonej krwi. Do wykonania rzeźby potrzeba było dziesięciu litrów jego krwi, która może istnieć tylko w stanie trwale zamrożonym. Quinn stworzył swoją pierwszą wersję tej pracy w czasie osobistej walki, kiedy cierpiał na alkoholizm; Porównując swoje uzależnienie od alkoholu z potrzebą zamrożenia głowy, rzeźba stała się mocną refleksją nad ludzką zależnością. Nadal robił więcej w serii, zastanawiając się nad swoją zmieniającą się twarzą, gdy proces starzenia zmienił zarówno jego wygląd zewnętrzny, jak i narządy wewnętrzne. Unosząca się w stanie bez życia, zawieszona, zakrzepła krew zbiera się na powierzchni tej bezcielesnej głowy, sprawiając, że widok jest ponury. Krytycy zarzucali mu niewiele więcej niż wampiryczną sensację, podczas gdy inni widzieli miejsce tej pracy w długiej tradycji autoportretów, m.in. Rembrandta do Cindy Sherman. Tak czy inaczej, eksploracja tak niewygodnie intymnego materiału otworzyła bogactwo nowych możliwości we współczesnej sztuce.

9. Zamieszki na cipki, Modlitwa punkowa: Matko Boża, odpędź Putina, 2012

Pussy Riot, Punk Modlitwa: Matko Boża, Odpędź Putina, 2012

Rosyjska grupa punkowo-protestacyjna Pussy Riot’s Modlitwa punkowa: Matko Boża, odpędź Putina , 2012 był występem partyzanckim w moskiewskiej katedrze Chrystusa Zbawiciela. Szturmując na kościelną ambonę w jasnych ubraniach i kominiarkach, skakali, tańczyli, klękali i przeżegnali się, dopóki ochroniarze nie złapali ich i usunęli z budynku. Później tego samego dnia do tego materiału dodano palącą ścieżkę dźwiękową, z tekstami atakującymi opresyjny reżim Putina i jego powiązania z rosyjską cerkwią, zanim wezwali Maryję, matkę Bożą (aby) wypędzić Putina! Opublikowany w mediach społecznościowych film rozprzestrzenił się lotem błyskawicy, docierając do międzynarodowej publiczności w ciągu kilku dni. Rosyjscy urzędnicy byli tak rozwścieczeni, że skazali dwie prominentne członkinie grupy Nadieżdę Tołokonnikową i Marię Alochinę na dwa lata więzienia, oskarżając je o chuligaństwo motywowane nienawiścią religijną. Na całym świecie wybuchły kłótnie dotyczące surowej kary Pussy Riot, podczas gdy słynne głosy bezskutecznie wzywały do ​​ich uwolnienia. Pomimo straszliwego traktowania w więzieniu, doświadczenie zmieniło parę w światowych celebrytów, którzy nadal odnoszą sukcesy w sztuce.

10. Maurizio Cattelan, Komik, 2019

Maurizio Cattelan, Komik, 2019, Banan przyklejony do ściany , sprzedany za 120 000 $. Zdjęcie: RHONA WISE, EPA-EFE

Określony jako zły chłopiec sztuki włoskiej, Maurizio Cattelan 's Komik , 2019 wyśmiewał pretensje otaczające dzisiejszy świat sztuki i jest teraz uznawany za kultowe dzieło sztuki roku. W Art Basel Miami Beach, Cattelan Gaffer przykleił banana do ściany, wyceniając go na oszałamiającą kwotę 120 000 dolarów. Po sprzedaży, artysta David Datuna odwinął szarą taśmę, wyjął banana i zjadł go, niszcząc oryginał. Łatwo przerobiona praca została później usunięta z galerii, aby powstrzymać dalsze wybryki. Ale jeden artysta dostrzegł kolejną okazję, grafitti na pustej przestrzeni, gdzie były słowa, których Epstein się nie zabił. Cattelan byłby pierwszym, który argumentowałby, że każdy nowy zwrot w jego opowieści dodaje wartości jego koncepcji, udowadniając, że w dzisiejszych czasach prawie wszystko może być dziełem sztuki.