Artyści POP Art i ich słynne dzieła sztuki
Jak otworzyłem ogień przez Roya Lichtensteina, 1964, Muzeum Miejskie
Pop Art był ruchem, który rozwinął się w połowie XX wieku. Wykorzystano elementy kultury popularnej, w tym reklamy, czasopisma, logo produktów i środki masowego przekazu, aby zakwestionować tradycyjne pojęcia sztuki. Wykorzystał także satyrę, aby zakwestionować konsumpcjonizm i industrializm kultury amerykańskiej. Poniżej znajdują się jedni z najbardziej znanych współtwórców Pop Art ruch i ich najsłynniejsze dzieła, które obejmowały szereg mediów i wpływów.
Zupa Campbell’s, Marilyn Monroe i kultura popularna
Andy Warhol był amerykańskim artystą i filmowcem, który był czołowym członkiem ruchu POP Art. Jego prace słyną z zawłaszczania popularnych mediów, kultury celebrytów i reklam. Tworzył sztukę w różnych mediach, w tym w malarstwie, sitodruku, filmie, rzeźbie i fotografii. Jest pamiętany jako jeden z najbardziej płodnych artystów XX wieku, a jego sztuka jest rozpoznawalna na całym świecie dzięki jasnym kolorom i uproszczonej naturze.
Puszki zupy Campbella (1962)
Puszki zupy Campbella przez Andy'ego Warhola , 1962, MoMA
Puszki zupy Campbella składa się z wielu płócien, które są wyrównane liniowo, jak na półce w sklepie spożywczym. W każdym z nich znajduje się puszka zupy Campbell w innym smaku. Chociaż każde płótno jest ręcznie malowane, wszystkie są jednolicie replikowane, nie do odróżnienia od siebie, z wyjątkiem różnych smaków. Praca jest więc przykładem wykorzystania przez POP Art stylu reklamy masowej produkcji.
Dyptyk Marilyn (1962)
Dyptyk Marilyn przez Andy'ego Warhola , 1962, Tate
Dyptyk Marilyn to wielopłócienna kompozycja portretów przedstawiających Marilyn Monroe. Każde płótno jest renderowane w neonowych, blokowych kolorach z nakładającym się efektem sitodruku. Jedna połowa kompozycji jest wykonana w kolorze, a druga połowa jest monochromatyczna, czarno-biała z efektem wyblakłego nadruku. Jest przykładem podwyższonej materialności połowy XX wieku, twierdząc, że nawet ludzie mogą być zobiektywizowani i utowarowiani.
Czy podoba Ci się ten artykuł?
Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję
Dziękuję Ci!Połyskujące doły (1964)
Pudełko na mydło Brillo przez Andy'ego Warhola , 1964, MoMA
Pudełko na mydło Brillo reprezentuje eksperymenty Warhola z rzeźbą w stylu produktu. Zlecił kilku stolarzom wykonanie replik pudełek supermarketowych ze sklejki, a następnie pomalował je informacjami o produktach i logo. Pudełka te były niemal identyczne z ich funkcjonalnymi odpowiednikami. Logo „Brillo Soap Pads” stało się najbardziej płodnym z nich, ze względu na jego przyziemność, która rzuciła wyzwanie temu, co uważa się za sztukę i jak społeczeństwo z nią współdziała.
Roy Lichtenstein: Komiksy i sztuka POP
Roy Lichtenstein był amerykańskim artystą, który był znaczącym członkiem ruchu POP Art. Jego twórczość jest powszechnie uznawana za użycie parodii poprzez naśladowanie przekazów środków masowego przekazu. W szczególności jest kojarzony z komercyjną sztuką w stylu komiksowym i jego charakterystycznym użyciem Kropki Ben-Day . W swojej karierze spotkał się z licznymi krytykami za swoje satyryczne komiksy, ale pośmiertnie został zapamiętany jako rewolucjonista sztuki XX wieku.
Łom! (1963)
Łom! Autor: Roy Lichtenstein , 1963, Tate
Łom! to kompozycja dwóch płócien, na których jeden myśliwiec zestrzelił drugi pociskiem. Całość jest renderowana w stylu komiksowym, z ograniczoną, podstawową paletą kolorów i blokową kolorystyką. Zawiera również charakterystyczne komiksowe dymki i efekty dźwiękowe z blokowymi literami. Praca została zainspirowana komiksem z DC Comics All-American Men of War , narysowany przez Irva Novicka i opublikowany w 1962 roku.
Tonąca dziewczyna (1963)
Tonąca Dziewczyna autor: Roy Lichtenstein , 1963, MoMA
Tonąca Dziewczyna przedstawia młodą kobietę tonącą w charakterystycznym dla Lichtensteina stylu komiksu. Jej twarz jest centralnym elementem dzieła, otoczona wodą. Zawiera również bańkę myśli z frazą, NIE OBCHODZI! Wolałbym tonąć — niż zadzwonić do Brada po pomoc! Dialog w panelu, wyraźnie oderwany od pozostałej części fabuły, dodaje do utworu element satyry. Jest skopiowany z „Run For Love!” DC Comics z Sekretna miłość seria komiksów.
Sztuka Keitha Haringa: murale uliczne i aktywizm
Keith Haring był amerykańskim artystą związanym z ruchem POP Art i znanym ze sztuki ulicznej. Był pod silnym wpływem klimatu politycznego Nowego Jorku w latach 80-tych. Jego prace odzwierciedlają to poprzez użycie seksualnych i często szokujących obrazów w celu pobudzenia społecznego aktywizmu. Poruszył wówczas kilka tematów społecznych i politycznych, w tym epidemię AIDS i apartheid. Uważany jest za rewolucjonistę, który wykorzystał dostępność sztuki ulicznej do szerzenia świadomości problemów społecznych.
Crack to Wack (1986)
Crack to Wack autor: Keith Haring , 1986, Nowy Jork, AD
Crack to Wack to mural uliczny znajdujący się naWschód 128tenUlica i 2znaleźćAleja w Nowym Jorku. Praca jest reakcją na epidemię cracku w Nowym Jorku i służy jako ostrzeżenie przed używaniem narkotyków. Zawiera duże, komiksowe litery blokowe w pozornej chmurze dymu. Pod literami pojawia się chaotyczny tłum ludzi. Są w cieniu szkieletu trzymającego fajkę i płonącego banknotu dolarowego, co symbolizuje niebezpieczeństwo narkotyków. Mural został początkowo wykonany bez pozwolenia miasta, ale później był chroniony przez miasto jako pamiątka działań antynarkotykowych.
Obrazy Davida Hockneya: sztuka POP i modernizm XX wieku
David Hockney jest brytyjskim artystą, fotografem i rysownikiem, który pozostaje jednym z najważniejszych współtwórców ruchu POP Art. Jego twórczość jest bardzo eklektyczna, obejmuje media i ruchy, w tym malarstwo kubistyczne, kolaż fotograficzny, plakaty reklamowe i malarstwo pejzażowe. To właśnie ta odmiana sprawiła, że ma trwały wpływ na 20ten-sztuka wieku. Podczas studiów nawiązał kontakt z ekspresjonista artysty Francisa Bacona i był również pod wpływem twórczości Kubizm Ikona Pablo Picasso i prowadzący impresjonista Henri Matisse'a.
Większy plusk (1967)
Większy plusk autor: David Hockney , 1967, Tate
Większy plusk przedstawia basen przed domem w Kalifornii. To migawkowy moment pluskania się w basenie zaraz po tym, jak ktoś do niego wskoczył. Został zainspirowany fotografią z książki, którą Hockney napotkał na temat budowania basenów. Obraz jest częścią serii, którą Hockney wyprodukował o basenach poza domami w latach 1964-1971. Seria przedstawia bardziej zrelaksowany, kalifornijski styl życia, którego doświadczył Hockney w porównaniu z szybkim, stresującym trybem w Nowym Jorku.
Kolekcjonerzy amerykańscy (Fred i Marci Weisman; 1968)
Kolekcjonerzy amerykańscy (Fred i Marci Weisman) autor: David Hockney , 1968, Instytut Sztuki w Chicago
Kolekcjonerzy amerykańscy to podwójny portret pary kolekcjonerów sztuki Freda i Marci Weismanów. Para jest pokazana obok siebie, z Fredem patrzącym w bok, a Marci zwróconym do przodu. Są one obramowane dwoma zestawami przesuwanych drzwi i otoczone czterema obiektami: trzema rzeźbiarskimi dziełami sztuki i drzewem. Praca kwestionuje relację między przedmiotem a podmiotem, nadając jej odrobinę ironicznego humoru.
Richard Hamilton: Geneza POP Art
Richard Hamilton był angielskim kolegą i malarzem, który był jednym z pierwszych współpracowników ruchu POP Art. Jego praca kolażowa była szczególnie ważna w rozwoju POP-artu, inspirowanego przyziemnością życia i marnością masowej produkcji. W latach pięćdziesiątych był mentorem kilku wybitnych artystów, w tym Davida Hockneya i Piotr Blake , ugruntowując swoją pozycję czołowego współtwórcy modernizmu połowy XX wieku. Zaprojektował także okładkę Beatlesów Biały album (1968).
Co sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne, tak atrakcyjne? (1956)
Co sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne, tak atrakcyjne? przez Richarda Hamiltona , 1956, Kunsthalle Tybinga
Co sprawia, że dzisiejsze domy są tak różne, tak atrakcyjne? jest uważany za pierwsze wybitne dzieło ruchu POP Art. To kolaż przedstawiający wnętrze domu uformowane z wycinanek z czasopism. Obejmuje współczesnych Adama i Ewę, otoczonych licznymi elementami powojennego konsumpcjonizmu i kultury mass mediów. Zawiera sporo ironicznego humoru, w tym Adama zakrywającego swoje genitalia masywnym lizakiem zamiast tradycyjnego listka figowego. Ten humor parodiuje konsumpcjonizm boomu przemysłowego i reklamowego połowy XX wieku.
Artysta POP Art Claes Oldenburg: Rzeźba i przedmioty codziennego użytku
Claes Oldenburg jest szwedzko-amerykańskim rzeźbiarzem znanym ze swoich replik pospolitych przedmiotów. Wspomniał, że jego sztuka jest szczególnie „nieznacząca” z natury, co pozwala widzom na jej interpretację. Jego wcześniejsze prace koncentrowały się na miękkich rzeźbiarskich przedmiotach codziennego użytku, które rozwinęły się w bardziej realistyczne przedstawienia. Wyprodukował kilka prac we współpracy z żoną, Coosje van Bruggen aż do śmierci w 2009 roku.
Cukiernia, I Claes Oldenburg , 1961-62, MoMA
Cukiernia, I to replika rzeźby gabloty pełnej jedzenia. Wykonany jest z muślinu, plastiku i emalii. W gablocie znajduje się ciasto, żeberka, nadgryzione karmelowe jabłko, dwoina bananowa i różne inne desery. Jest jednocześnie apetyczny i odpychający, podkreślając zestawienie produktów z oczywistą fałszywością reklam. Oldenburg określa te „frustrujące oczekiwania”, ponieważ przedmioty w tym przypadku nie mogą zostać skonsumowane.