Pop Art: Amerykanie kontra Brytyjczycy (znani artyści i kultowe dzieła sztuki)

Smash, Ed Ruscha, 1963, Christie's

Jeden z najsłynniejszych ruchów artystycznych wszechczasów, Pop Art, zdefiniował konsumpcyjną kulturę młodzieżową lat 50. i 60., tworząc sztukę Pop! jak nigdy przedtem. Artyści pop szukali inspiracji w sferze kultury popularnej, czerpiąc zabawne, kolorowe i lekceważące obrazy z reklam, komiksów, czasopism i filmów i włączając je do ekscytujących nowych form sztuki.

Eksperymentowanie z wycinanym i wklejanym językiem Dadaista oraz Surrealizm , wielu artystów odkrywało kolażowanie na nowe, świeże sposoby. Z udawaną powagą odwołują się do uprzemysłowionego świata kapitalizmu i konsumpcjonizmu. Inni przyjęli rosnącą technologię nowych technik, w tym grafiki, fotografia ,i filmowanie, które pozwalało artystom tworzyć wielokrotność i powtarzać wzory, usuwając pretensje otaczające pojedyncze, izolowane dzieło sztuki. Niektórzy kontynuowali tradycyjne środki malarstwa i rzeźby, ale znaleźli sposoby na włączenie elementów fotograficznych lub drukowanych lub stylów, które naśladowały efekty cyfrowe.

Seria Marilyn Monroe, Andy Warhol, 1967 i A Bigger Splash, David Hockney, 1967, Tate

Pop Art, głównie brytyjski i amerykański fenomen lat 50. i 60., miał szerokie wpływy w następnych dziesięcioleciach, inspirując miliony naśladowców na całym świecie. W rzeczywistości Pop poślubił sztukę tak pomyślnie z handlem, że ich związek nadal jest silny. Nadal inspiruje i informuje niezliczonych kreatywnych myślicieli.

Czy wiesz, że pop-art zaczął się w Londynie w Anglii?

Eduardo Paolozzi, byłem zabawką bogacza, 1947

Nowy Jork Andy Warhol jest najsłynniejszą ikoną popu, ale wielu może nie wiedzieć, że ruch faktycznie rozpoczął się w Londynie w latach 40. XX wieku. Grupa Niezależna był zespołem podobnie myślących artystów, którzy spotykali się regularnie w londyńskim Instytucie Sztuki Współczesnej, aby dzielić się pomysłami. Połączyła ich fascynacja amerykańskimi filmami, reklamą i brandingiem, które zadomowiły się w brytyjskiej kulturze. Członkami zespołu byli Eduardo Paolozzi i Richard Hamilton, obecnie uznawani za pierwszych artystów popu. W bezczelnym kolażu Paolozziego zatytułowanym Byłem zabawką bogacza, 1947, słowo Pop! wystrzeliwuje z pistoletu-zabawki, ukłon w stronę kreatywnego tekstu komiksów. Wielu uważa teraz tę pracę za początek terminu Pop Art, którego Paolozzi użył jako skrótu słowa popularny, odnosząc się do fascynacji grupy kulturą popularną.

Richard Hamilton, Co takiego sprawia, że ​​dzisiejsze domy są tak różne, a tak atrakcyjne?, 1956

Słynny kolaż Richarda Hamiltona Co takiego sprawia, że ​​dzisiejsze domy są tak różne i tak atrakcyjne? 1956, wyśmiewał się z nowego, wyidealizowanego amerykańskiego życia, które infiltrowało zachodnie społeczeństwo. To był śmiesznie przesadzony obraz idealnego mężczyzny i kobiety wyświetlanej ze wszystkimi najnowszymi gadżetami. Są to jednak puste, powierzchowne symbole konsumpcjonizmu. W przeciwieństwie do swojego późniejszego amerykańskiego odpowiednika, brytyjski Pop Art charakteryzował się tym gryzącym satyrycznym ostrzem, które obserwowało amerykańską kulturę z dystansu. Hamilton żartobliwie nazwał ich nowy styl: popularnym, przejściowym, zużywalnym, tanim, masowo produkowanym, młodym efekciarskim, efektownym i wielkim biznesem.

Neo-dada i pop w Nowym Jorku

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Jasper Johns, Biała Flaga, 1955, Met

W latach 50. XX wieku w Nowym Jorku pojawiła się kultura neo-dada, eksplorująca szalenie eksperymentalny absurd z początku lat 20. polegający na wycinaniu i wklejaniu.tenwiek ruch dadaistyczny . Na scenie zaczęli pojawiać się wybitni artyści, m.in. Jasper Johns, Robert Rauschenberg, Roy Lichtenstein i Andy Warhol . Na przełomowej wystawie w Galeria Sydney Janis w 1962 roku zatytułowana Nowi realiści , prace zostały pogrupowane w kilka powtarzających się tematów, w tym przedmiot codzienny, środki masowego przekazu i powtarzalność. Kurator z Ameryki Brytyjskiej Lawrence Alloway zauważył związek między sztuką brytyjską i amerykańską. Jako pierwszy użył terminu Pop Art, aby określić początek nowej ery. W przeciwieństwie do brytyjskiego stylu Pop, amerykańscy artyści żyli w sferze masowej komunikacji i reklamy, obserwując ją z perspektywy wtajemniczonych mniej krytycznym okiem.

Wielu krytyków sztuki w Stanach Zjednoczonych i Europie było zbulwersowanych wykorzystywaniem „niskiej” tematyki w dziedzinach „wysokiej” sztuki, a artyści spotykali się z ostrą krytyką, gdy ruch był na początku. Ale w połowie lat 60. coraz więcej galerii, artystów i kupujących zauważyło rosnący trend i było jasne, że nowy styl pozostanie.

Americana Warhola i Lichtensteina

Andy Warhol, Puszki zupy Campbella, 1962

W latach 60. w Nowym Jorku Andy Warhol był chłopcem z plakatu American Pop Art. Sięgnął do popularnych, słynnych obrazów z amerykańskiej kultury, w tym Coca Cola, Campbell’s Soup i kultowych osobistości, takich jak Marilyn Monroe, Jackie Kennedy i Elizabeth Taylor. Jego ulubionym medium był sitodruk, który pozwalał mu tworzyć uderzające, odważnie kolorowe obrazy jako wielokrotne i powtarzające się wzory, ale eksperymentował także z szeroką gamą innych mediów, w tym z malarstwem, fotografią i kręceniem filmów. Założenie znanego na całym świecie, nowojorskiego warsztatu znanego jako Fabryka, zatrudnił zespół asystentów, którzy pomogli mu przejąć nowojorską scenę artystyczną. Chociaż Warhol jest często postrzegany jako błyszczący symbol powierzchownego splendoru Ameryki, pod wieloma jego dziełami kryła się złowroga nuta, podkreślająca ciemniejszą stronę sławy i sławy, zwłaszcza gdy czaszki zaczął pojawiać się w jego pracach.

Roy Lichtenstein, Blam, 1962

Amerykański malarz Roy Lichtenstein również wykorzystał tematykę komercyjną. Początkowo zainspirowany opakowaniem gumy do żucia Myszki Miki, jak widać na jego wczesnym obrazie Spójrz Mickey, 1961, zaczął tworzyć duże, malowane wersje pojedynczych ramek komiksów, które dodawał i przesadzał, aby podkreślić jeszcze większy efekt dramatyczny. Niektóre prace kładły nacisk na teatralny wpływ tekstu komiksowego onomatopei, w tym słów takich jak Blam, Pop, Whaam i Varoom. Wszystkie były narysowane przesadnymi literami i otoczone dziko kłębiącym się dymem, ogniem i płomieniami lub liniami sugerującymi szybki ruch. Błyskawicznie potężne, obrazy te wywarły trwały wpływ na sztukę tekstu w latach 70. XX wieku.

Roy Lichtenstein, Tonąca dziewczyna, 1963

Ale Lichtenstein naprawdę przeszedł do historii dzięki serii scen opartych na komiksie dla nastolatków Romanse dziewcząt , uwieczniający ogarnięte niepokojem młode kobiety porwane przez nikczemnych młodych mężczyzn lub wpadające w kałuże rozpaczy, jak scena w Tonąca Dziewczyna, 1963. Lichtenstein podkreślił i wyolbrzymił emocjonalny dramat tych młodych kobiet do tego stopnia, że ​​stają się śmieszni, podkreślając powierzchowność drukowanego obrazu. Replikowanie oszczędzania atramentu Kropka Ben-day Temu samemu celowi służyła technika druku komiksów, która zwraca naszą uwagę na spłaszczony obraz. Lichtenstein pomalowany płaską, akrylową farbą Magna przez perforowaną maskownicę, aby stworzyć tę syntetyczną, zdepersonalizowaną estetykę, z efektem końcowym, który wygląda całkowicie maszynowo.

Inne rodzaje pop-artu

Arman, Parking długoterminowy, 1982

W innych częściach Europy pojawiły się wariacje na temat amerykańskiego i brytyjskiego pop-artu pod różnymi nazwami. We Francji zebrała się grupa artystów, nazywająca siebie Nouveau Realistes (Nowymi Realistami), w skład której wchodzili m.in. Arman, Cesar, Christo, John Tinguely i Yves Klein. Zainspirowani amerykańskim i brytyjskim pop-artem, wnieśli do swojej sztuki elementy kultury popularnej, ale także zbadali mniej efektowne pozostałości codziennego życia, nadając swojej sztuce brudniejsze, mniej dopracowane krawędzie. Rzeźbiarz Arman wniósł zmiażdżone lub porzucone samochody do swoich ogromnych, monumentalnych asamblaży, jak widać na totemicznym Parking długoterminowy, 1982, podczas gdy Tinguely robił maszyny ze złomu ze starych kół, nakrętek i śrub, wstrzykując w nie niezgrabne, brzęczące nowe życie.

Gerhard Richter, Impreza, 1963

Na fenomen pop-artu w latach 60. zareagowała także grupa artystów w Niemczech, m.in Gerhard Richter , Sigmar Polke, Konrad Lueg i Manfred Kuttner. Żartobliwie reklamujący się jako niemieccy artyści pop, aby przyciągnąć uwagę, w rzeczywistości ich praca była bardziej złożona i krytyczna. Łącząc elementy socrealizmu z Niemiec Wschodnich z zamerykanizowanym kapitalizmem Niemiec Zachodnich, wymyślili połączony termin Realizm kapitalistyczny opisać ich postawę pośrednią. Wydobywając obrazy z doniesień prasowych, reklam i kultury celebrytów, ich obrazy często miały gryzący, satyryczny charakter. U Richtera Przyjęcie, 1963, na przykład grupa celebrytów zamienia się w nawiedzające upiory, które sączą się krwią do kieliszków do wina, podczas gdy w Sigmara Polke's Zajączki, 1966, Króliczki Playboya są zredukowane do pikselowej, rozmytej, wzorzystej i rozmazanej kropki, nawiązującej do języka polka dot Roya Lichtensteina.

Sigmar Sigmar Polke, Zające, 1966

Postmodernizm, neo-pop i superpłasko

Od czasu pojawienia się pop-artu w latach 60. artyści w coraz bardziej odważny sposób reagują na rozszerzający się świat mass mediów, często krytycznie. W latach 70. postmodernistyczni artyści bawili się lub przerabiali obrazy z publicznego oka, czasami tworząc rozdmuchane wersje rzeczywistości, aby podkreślić destrukcyjne cechy konsumpcjonizmu.

Cindy Sherman, Bez tytułu, 2010-12

Feministyczna postawa amerykańskiej fotografki Cindy Sherman dokonała ostrych obserwacji na temat powierzchownych, wyidealizowanych archetypów społeczeństwa skierowanych do kobiet w filmach i czasopismach. Przebierając się za szereg karykatur z perukami, sztuczną opalenizną, mocnym makijażem i sztucznymi nosami, krytykuje śmieszność kobiecych ideałów, odsłaniając ciemne podbrzusze chirurgii plastycznej i kosmetycznej poprawy.

Jeff Koons, Usta, 2000, z serii „Easyfun-Ethereal”

Amerykański artysta Jeff Koons zareagowała na kapitalistyczną kulturę lat 80. szyderczymi reklamami w czasopismach i przerośniętymi rzeźbami, powiększając kicz, urocze pamiątki w przerażająco przerośnięte repliki. Jego seria ogromnych obrazów „Easyfun-Ethereal” to mikstury fragmentów reklam. Charakteryzują się błyszczącymi kobiecymi ustami i soczystymi, mokrymi owocami unoszącymi się nad tropikalnymi krajobrazami, które podkreślają pobłażliwy, zseksualizowany charakter reklamy. Ten zgrabny, fotorealistyczny język to styl znany obecnie jako Neo-Pop. Podobnie jak Warhol prowadzi rozległy warsztat, w którym pracują zespoły asystentów, którzy wykonują dla niego jego pracę. Ogromnie przewymiarowane asamblaże Mike'a Kelleya są jeszcze bardziej groteskowe, spychają razem niesamowicie kolorowe miękkie zabawki w zawieszone kulki futra, które mówią o masowej konsumpcji, marnotrawstwie i nadmiarze.

Japoński artysta Takashi Murakami pozuje ze swoją serią „Superflat”

Jeśli twórcy postmodernizmu i neopopu zajęli krytyczne stanowisko wobec kultury popularnej, japoński artysta współczesny Takashi Murakami wstrzyknął zabawę z powrotem. Krytycy sztuki nazywają go nawet odpowiedzią Japonii na Andy'ego Warhola. Jego śmiesznie optymistyczny świat jest wypełniony mocnymi kwiatowymi nadrukami i uśmiechniętymi twarzami w cukierkowo-słodkich pastelowych tonach. Przyjmując termin Superflat, aby zdefiniować swój syntetyczny, dekoracyjny język, rysuje podobieństwa między starożytnymi japońskimi klockami drzewnymi a współczesnymi kreskówkami anime lub mangą. Twierdzi, że płaskie, dekoracyjne i kwiatowe wzory są obecne w japońskim społeczeństwie od wieków. Zataczając krąg języka pop-artu, łączy swoje krzykliwe, uśmiechnięte kwiaty i bezczelne, przyjazne stwory w obiekty komercyjne. Od tenisówek i torebek po etui na telefony i deskorolki udowadnia, jak ściśle powiązane są ze sobą języki sztuki i handlu.