Abstrakcyjna ekspresjonistyczna sztuka dla manekinów: przewodnik dla początkujących

Kobiety Willem de Kooning, 1950-52; Nieuprawny przez Marka Rothko, 1947; Kompozycja Joan Mitchell, 1960; Brama Hansa Hofmanna, 1950

Abstrakcyjna sztuka ekspresjonistyczna pojawiła się w okresie po II wojnie światowej, skupiając się w Nowym Jorku. Biorąc pod uwagę wstrząsy w Europie spowodowane wojną i polityczną ograniczoność, wielu artystów z Europy wyemigrowało do Stanów Zjednoczonych, zwłaszcza do Nowego Jorku, aby uniknąć osobistych prześladowań i ograniczeń dotyczących ich metody twórczej. Oznaczało to, że Nowy Jork miał zostać przesiąknięty europejskimi modernistycznymi ideami abstrakcji, jak widać w artystycznych ideach Kubizm oraz pomysłowość podejść artystycznych, co widać na: Surrealizm .

Żółte Wyspy przez Jacksona Pollocka , 1952, przez Tate, Londyn

Nowy Jork stał się więc miejscem artystycznych eksperymentów. Uważano, że do wyrażenia środowiska społecznego potrzebny jest nowy styl malarski. Gospodarka Stanów Zjednoczonych zaczęła prosperować po II wojnie światowej, ale to nie znaczy, że duch tamtych czasów był radosny. W rzeczywistości po okrucieństwach wojny wydawało się obraźliwe malowanie w sposób tradycjonalistyczny; trzeba było czegoś innego, aby odmłodzić brak duchowego sensu w powojennym życiu.

Kobiety autor: Willem de Kooning , 1950-52, przez MoMA, Nowy Jork

To pragnienie wyrażania i brak duchowego odmłodzenia było podstawową cechą sztuki abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Malarze pod tym tytułem, tacy jak Jackson Pollock oraz Marek Rothko próbowali dotrzeć do sposobu malowania, który wpłynął na pierwotną naturę twórczości, spontaniczności i ludzkich uczuć; coś, co wszyscy dzieliliśmy. Poradzili sobie tą metodą dzięki pomysłowości stylistycznej, która, jak mieli nadzieję, przekroczy ich indywidualność.

Kontekstualizacja abstrakcyjnej sztuki ekspresjonistycznej

Nagi mężczyzna z nożem przez Jacksona Pollocka 1938-40, via Tate, Londyn; z Brama autorstwa Hansa Hofmanna , 1950, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Wielu artystów abstrakcyjnego ekspresjonizmu powstawało w latach 30. XX wieku, wychodząc z Wielkiego Kryzysu. Dwa główne amerykańskie ruchy artystyczne to: Regionalizm oraz Realizm społeczny . Ruchy te były zbyt wyraźnie polityczne i kulturowo odizolowane od tego, czego szukali rozkwitający ekspresjoniści abstrakcyjni.

Ruchy modernistyczne z Europy zaczęto wystawiać w Nowym Jorku na początku lat 30. XX wieku. Te ruchy obejmowały kubizm, niemiecki ekspresjonizm, Dadaista oraz Surrealizm . Pod koniec lat 30. utworzono muzeum, w którym wystawiano obrazy nieobiektywne, takie jak Wassily Kandinsky . Emigranci z Europy również zaczęli przyjeżdżać i uczyć aspektów sztuki nowoczesnej, takich jak Hans Hofmann.

Lot ptaka nad równiną III autorstwa Joana Miro , 1939; z Pocałunek autorstwa Maxa Ernsta , 1927, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Szczególny wpływ na kształtowanie się ekspresjonizmu abstrakcyjnego mieli surrealistyczni emigranci z Europy; André Breton , twórca surrealizmu, Salvador Dali oraz Max Ernest wszyscy wyemigrowali do USA. Filozofia i techniki surrealizmu wpłynęły na sposób, w jaki abstrakcjonistyczni ekspresjoniści stworzyli swoją sztukę.

Skupienie surrealistów na nieświadomym umyśle i prymacie ludzkich emocji wpisuje się w misję abstrakcyjnych ekspresjonistów. Surrealistyczna technika „podsłuchiwania” podświadomości, Automatyzm psychiczny , odegrałby ważną rolę w estetyce sztuki abstrakcyjnego ekspresjonizmu.

Druga wojna światowa stała się zdecydowanym impulsem do kształtowania sentymentów sztuki abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Wojna przyszła jako przerażające widmo tego, co czaiło się w sercu ludzkości. Trudno było pogodzić jasne, realistyczne płótna z horrorem uświęconego morderstwa na całym świecie.

Formacja abstrakcyjnego ekspresjonizmu

Pejzaż gotycki autorstwa Lee Krasnera , 1961, przez Tate, Londyn

Lata powojenne w USA to czas politycznego konserwatyzmu i paranoi. Rozpoczęła się zimna wojna, która doprowadziła do komunistycznego polowania na czarownice przez senatora Józefa Mccarthy'ego . Aspekty życia w USA wydawały się pozłacane kwitnącą gospodarką i życiem na przedmieściach, podczas gdy sedno materii pozostawało niepewne i kruche.

Napięcia powstałe w tym okresie widać w ówczesnej muzyce i literaturze. Zwłaszcza jazz Be-bop Jazz , pojawiające się w latach 50., oferowało słuchowe doświadczenie improwizacji zbliżone do wolności. Coś podobnego działo się też w poezji z Pokonaj ruch które starały się odtworzyć w swoich wersach jazz i spontaniczność. Widzimy teraz, że brak wolności i uwolnienie od frustracji napięcia przeniknął sztukę w tym czasie.

Merion przez Franza Kline 1960-61, via Tate, Londyn; z Kompozycja przez Joan Mitchell , 1960, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Nic więc dziwnego, że surrealizm intrygował abstrakcyjnych ekspresjonistów. Surrealizm chciał wyzwolić psychikę poprzez syntezę umysłu nieświadomego z umysłem świadomym; uwolnić jednostkę od tłumionego posłuszeństwa. Ekspresjonizm abstrakcyjny chciał to samo wyrazić i wywołać u swoich odbiorców. Istnieje jednak wymowna różnica między surrealizmem a ekspresjonizmem abstrakcyjnym pod względem filozofii, ponieważ ten pierwszy witał Zygmunta Freuda, podczas gdy ten drugi był bardziej zainteresowany Carl Jung i jego teoria nieświadomości zbiorowej.

Nieświadomość Zbiorowa próbowała pokazać, że wszyscy mamy wspólne znaczenie symboliczne w naszym nieświadomym umyśle; te symbole mają dla nas tak potężne znaczenie, ponieważ oznaczają pierwotną naturę bycia człowiekiem. Odtąd wczesne prace abstrakcyjnego ekspresjonizmu szukały inspiracji w archaicznych formach, aby wywołać to poczucie prymatu. Ci artyści eksplorowali i podczas tej eksploracji stworzyli dzieła sztuki. Szukali w swoim malarstwie natychmiastowości i obrazu spontaniczności, który mieli nadzieję ujawnić im i widzowi symboliczne znaczenie.

Metoda abstrakcyjnej sztuki ekspresjonistycznej

Bez tytułu (zielone srebro) przez Jacksona Pollocka , 1949, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Przełom w technice nastąpił w sztuce ekspresjonizmu abstrakcyjnego, gdy malarz Jackson Pollock zaczął tworzyć kompozycje, kapiąc na płótno rozcieńczoną farbę. Obrazy zdawały się nie mieć przedmiotu, tematu ani techniki. Płótno było ogromne i wypełnione spontanicznymi kroplami farby Pollocka.

Pollock nie był sam, współcześni malarze tacy jak Willem de Kooning , Lee Krasner i Franz Kline badali również metody tworzenia obrazów, które nie tylko naśladowały spontaniczność, ale same były reprezentatywne dla spontaniczności. Ten styl malowania stałby się znany jako malarstwo gestów lub akcji; obraz nie wyrażał już przedmiotu, ale działanie samego malarza. Ten styl powstał z pragnienia autentycznej ekspresji i obrazu wewnętrznego ja.

Inna metodologia wyrosła z poszukiwania formy sztuki o nieodłącznym znaczeniu. Mark Rothko i Barnett Newman, żeby wymienić dwóch, byli pionierami w sposobie wykorzystania kolorów i kształtów, aby osiągnąć ten cel; styl malowania, który można by określić jako „pole koloru”. Artyści tacy jak Rothko stworzyli duże, formalne, uproszczone pola kolorów, aby wywołać u widza medytacyjne doświadczenie.

Adam autor: Barnett Newman 1951, via Tate, Londyn; z Czerwony przez Marka Rothko , 1968, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Impulsem stojącym za tymi uproszczonymi polami kolorów było stworzenie dynamiki wzniosłości dla widza; wywołać refleksyjny nastrój i uwolnić sztukę od wszelkich przestarzałych materii, które teraz, w latach powojennych, nie odzwierciedlały nastroju kulturowego. Zarówno style malarskie „akcji”, jak i „pola koloru” były realizowane na bardzo dużych płótnach. Ideą było pokazanie tych prac na stosunkowo niewielkiej przestrzeni, tak aby widz był przytłoczony obrazem, zawężając uwagę na obraz, aby odizolować osobiste połączenie.

Znajdowanie znaczenia bez znaczenia

Szarość oceanu przez Jacksona Pollocka , 1953, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Abstrakcyjna sztuka ekspresjonistyczna będzie wydawać się wstrząsająca, niestosowna i dla niektórych szokująca. Łatwo znaleźć szydercze opinie na temat tego rodzaju dzieła sztuki, ponieważ wydaje się, że nie mówi nam nic w swojej reprezentacji. Takiego właśnie wprowadzenia życzyli sobie ekspresjoniści abstrakcyjni. Chcieli od razu zakwestionować pojęcie reprezentacji w sztuce i skłonić widza do zakwestionowania tego, co widzi.

Sztuka ekspresjonizmu abstrakcyjnego była zaproszeniem dla jednostki do tworzenia znaczenia dla siebie. Fakt, że obraz nie ma żadnego wrodzonego „znaczenia” nie ma nic wspólnego z przypadkiem. Malarze ekspresjonizmu abstrakcyjnego rozumieli, że proces interpretacji jest aktem twórczym, dlatego malując te wielkie płótna, starali się pobudzić kreatywność widza; widz uczestniczy w akcji obrazu przez to, w jaki sposób jest na nie wpływa.

1948 przez Clyfford Still ; z Nieuprawny przez Marka Rothko , 1947, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

To była podstawowa część filozofii abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Wspomniałem o ich skłonnościach do Carla Junga i jego teorii nieświadomości zbiorowej, ale sympatyzowali także z filozofią egzystencjalizmu, popularyzowaną przez Jean Paul Sartre oraz Martina Heideggera . Egzystencjalizm postulował, że umysł nie może być zredukowany do jednej idei o umyśle; jednostka sama tworzy swoje życie.

Zgodnie z tą egzystencjalistyczną myślą, widzimy, że zadaniem jednostki jest stworzenie dla siebie znaczenia. Abstrakcyjna sztuka ekspresjonistyczna zwracała na to uwagę, zmuszając widza do kreatywności. Chcieli, aby widz docenił inny rodzaj percepcji. Takie rzeczy są oczywiste, kiedy słuchamy muzyki; możemy docenić piękny utwór muzyczny, nie rozumiejąc go i nie potrzebuje on słów, by coś nam powiedzieć. Porównanie z muzyką dobrze sprawdza się, aby zrozumieć, jak angażować się w sztukę abstrakcyjnego ekspresjonizmu; możemy docenić linię, pole koloru, jak harmonię w piosence, doceniając to, jak nas porusza.

Dziedzictwo abstrakcyjnej sztuki ekspresjonistycznej

Wybuch przez Judit Reigl , 1956, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Ruch ekspresjonizmu abstrakcyjnego w Nowym Jorku z powodzeniem przeniósłby uwagę sztuki na Stany Zjednoczone. Szybko został okrzyknięty nową siłą w świecie sztuki, a ich prace były prezentowane na wystawach objazdowych w całej Europie i reszcie Stanów Zjednoczonych.

„Czym jest sztuka abstrakcyjnego ekspresjonizmu?” – to pytanie, które przyciągnęło wielu na ich wystawy. Ich równowaga między energetycznymi, entropicznymi i spokojnymi, refleksyjnymi płótnami utorowała drogę wielu artystom, którzy w latach powojennych usiłowali znaleźć sensowny sposób reprezentacji. Pop Art oraz Minimalizm rozkwitnie w latach 60. dzięki przykładowemu zestawowi ekspresjonizmu abstrakcyjnego.