Czym jest minimalizm? Przegląd stylu wizualnego

Rzeźba 2000 przez Waltera DeMaria , 1992, przez LACMA

Minimalizm przekształcił sztukę współczesną, tak jak ją teraz rozpoznajemy. Skoncentrowany głównie na muzyce i estetyce od lat 60., jego rzeźbiarski przodkowie, Donald Judd, Robert Morris i Sol LeWitt, rozpoczęli trwające dziesięciolecia poszukiwanie twórczego wyzwolenia. Ten historyczny przegląd szczegółowo opisuje jego metamorfozę na przestrzeni wieków.

Kto zainspirował minimalizm?

Nr VI / Kompozycja Nr II autorstwa Pieta Mondriana , 1920, via Tate, Londyn

Redukcjonistyczne tendencje modernizmu położyły podwaliny pod minimalizm na długo przed urzeczywistnieniem tego terminu. Chociaż Nowy Jork ostatecznie zainkubował popularność tego gatunku w połowie XX wieku, jego początki sięgają 1915 roku, kiedy awangardowy artysta Kasimir Malewicz namalował swój krnąbrny Czarny kwadrat . Wraz z Władimirem Tatlinem rosyjscy przywódcy szczególnie interesowali się łączeniem pojawiającej się technologii z życiem codziennym, kompilując zwykłe przedmioty, aby ogolić sztukę do jej najprawdziwszej formy. Obrazy nie służyły już jako obiektywne zwierciadła trójwymiarowego społeczeństwa, ale raczej samoodnoszące się obiekty, badające sposoby, w jakie powierzchnia może przezwyciężyć własne fizyczne ograniczenia. Inni pionierzy, tacy jak holenderski abstrakcjonista Piet Mondrian, którego proste, ale potężne obrazy oświetlały płócienną płaskość, kontynuowali tę praktykę przez całe lata dwudzieste. Wczesne kompozycje abstrakcyjne, takie jak jego nr VI (1920) ujawniają to pokoleniowe pragnienie wyeliminowania technik figuratywnych, sprowadzenia rzeczywistości do szeregu form geometrycznych.

Hołd dla kwadratu autorstwa Josefa Albersa , 1959, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Ci prekursorzy byli katalizatorem obiektywnej ponownej oceny tego, co to znaczy być artystą. Można to w dużej mierze przypisać uznaniu lat dwudziestych XX wieku Marcela Duchampa, którzy walczyli przeciwko idei, że sztuka powinna być motywowana wyłącznie emocjonalnie. Uważał, że każda sztuka rewolucyjna powinna zmuszać widzów do dalszego badania systemów władzy, odkrywając w ten sposób głębsze znaczenie. W 1937 proto-minimalistyczny rzeźbiarz Constantin Brancusi przetestował to pojęcie, podróżując do Rumunii i wznosząc swój wysoki na 98 stóp Niekończąca się kolumna , rombowa wieża oddająca hołd poległym miejscowym żołnierzom. Malarz Josef Albers ugruntował następnie minimalistyczne idee we współczesnej edukacji artystycznej, kładąc nacisk na iluzoryczną głębię obrazu w całej swojej pozycji w Black Mountain College. Jego Hołd dla placu (1950) ilustruje te kluczowe zasady poprzez kontrastujące kolory, kształty i cienie, zakorzenione w empirycznych badaniach projektowych. W ślad za tym malarze Color Field Ad Reinhardt i Marek Rothko wkrótce zainicjował kolejny nowy styl wizualny, kładąc nacisk na estetyczną prostotę i napigmentowane palety.

Kiedy zaczął się minimalizm?

Widok instalacji 16 Amerykanów za pomocą Soichi Sunami , 1959, via MoMA, Nowy Jork

Oryginalni minimaliści zamierzali tworzyć jeszcze bardziej dosłowne przedstawienia otaczającego ich świata. Wierząc, że sztuka powinna odwoływać się tylko do siebie, wielu przeszło od malarstwa obrazkowego do rzeźby lub druku, aby doskonalić swoje techniki. Frank Stella, powszechnie uważany za pierwszego amerykańskiego minimalistę, wkroczył na scenę Nowego Jorku z grzmiącym łoskotem w 1959 roku dzięki swojej słynnej Czarne obrazy. Prezentacja na seminarium MoMA 16 Amerykanów wystawie, ta seria pasiastych płócien rozciągniętych na postrzępionych drewnianych ramach, zestawiających precedensy z Willem de Kooning i Franza Kline'a. Pozbawiona jakiegokolwiek ludzkiego śladu abstrakcja Stelli przybrała również cechy danej przestrzeni, pozostając jednak całkowicie płaska, martwa i odważna, pozbawiona subiektywnego podejmowania decyzji. Zabezpieczył te podstawowe czarne obrazy niechlujnie, ale z przekonaniem, wyznając ich przedmiotowość dumnie. Jego kultowy 1964 cytat później przekształcił się w teoretyczną mantrę dla Minimalistów na całym świecie: to, co widzisz, jest tym, co widzisz.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Wystawa w Zielonej Galerii 1964

Nieuprawny za pomocą Donald Judd , 1963, za pośrednictwem The Judd Foundation, Nowy Jork

W ciągu roku w nowojorskiej Green Gallery rozkwitł wizjonerski zestaw kreatywny. Kurator Richard Bellamy koordynował kluczową serię wystaw Nowa praca aby prezentować wschodzące głosy w różnych mediach. Zbudowany z komercyjnej sklejki, Robert Morris wymachiwał swoim Bez tytułu (Narożnik) (1964), kadrowanie przestrzeni z nowego punktu obserwacyjnego. Tymczasem, I Flavin ujawnił swoje legendarne, fluorescencyjne sytuacje, których reakcja dowiodła, że ​​codzienne materiały mogą wymownie przenikać do wyższych sfer. Flavina złoty, różowy i czerwony, czerwony (1964), pierwszy w historii element podłogowy Minimalisty stał wśród innych elektrycznych dzieł sztuki na wystawie. motłoch-podżegacz Donald Judd zadebiutował tu także jako poważny rzeźbiarz niespełna rok wcześniej swoim uderzeniem Bez tytułu (1963) , prezentując w sumie pięć koncertów w ciągu krótkiego pobytu. Jednak pomimo mieszania się w Green, żaden z tych pionierów nie nazwał siebie Minimalistami. Czołowi naukowcy zobowiązali się do opracowania nowego słownictwa opisującego ten monumentalny ruch.

Eseje opublikowane na minimalizmie

Jedno i trzy krzesła za pomocą Józef Kosuth , 1965, przez MoMA, Nowy Jork

Eseje krytyczne opublikowane w połowie lat 60. ostatecznie ustanowiły dominujący paradygmat minimalistyczny. W 1965 roku Donald Judd wydał swój traktat Konkretne obiekty , w którym faktycznie odrzucił denominację minimalizmu. Zamiast tego przekonywał, że gatunek ten należy uznać za specyficzne obiekty, ergo jako kategorię artystyczną, której niełatwo zaliczyć do malarstwa czy rzeźby. Minimaliści zwykle łączyli te dwa media ukośnie, obalając tradycyjne europejskie konwencje na rzecz fenomenologia . (To studium filozoficzne przeważyło subiektywne doświadczenie nad obiektywną prawdą, podkreślając, w jaki sposób reakcje na dzieło sztuki różnią się w zależności od kontekstu.) Większość skupiała się również na jak najwierniejszym replikowaniu trójwymiarowych obiektów, wykorzenianiu autorstwa za pomocą narzędzi przemysłowych i nieporęcznych, nonkonformistycznych konfiguracji. Ze względu na tę zwiększoną troskę o poczęcie w przeciwieństwie do procedury, minimalizm pojawił się również w połączeniu z Sztuka konceptualna. Kamienie milowe, takie jak Joseph Kosuth Jedno i trzy krzesła (1965) głosił pytanie dekady : czy jest to sztuka, przedmiot, czy nie?

Struktury podstawowe W Muzeum Żydowskim

Widok instalacji podstawowych konstrukcji: młodsi rzeźbiarze amerykańscy i brytyjscy , 1966, via The Jewish Museum, Nowy Jork

Minimalizm przeżywał swój rozkwit w 1966 roku. W tym roku gościło Muzeum Żydowskie Struktury podstawowe, przebojowa prezentacja ponad 40 wybitnych artystów. Zorganizowana w dziesięć przestrzeni galeryjnych oddzielonych przejściem podziemnym, wystawa odniosła również pozytywny sukces medialny od początku swojej kadencji. Starannie wyselekcjonowane ściany prezentowały najnowsze prace stosunkowo wybitnego Tony'ego Smitha wraz z Solem LeWitt'em, który zaprezentował swoje Bez tytułu (1966) , drewniana rzeźba podłogowa zapowiadająca jego późniejsze dzieło. Struktury podstawowe wprowadziła również na światło dzienne obiecujące kreacje, takie jak Anne Truitt, dzięki Ogród Morski (1964) , później znana z wielkoformatowych instalacji. Obrazy na granicy minimalizmu i pola kolorów, jak obrazy Ellswortha Kelly'ego Niebieski dysk (1963), również się pojawił. W ten sposób, Struktury podstawowe na zawsze permutował ideę przestrzeni galeryjnej, wysuwając na pierwszy plan spójną koncepcję, a nie badając jej poszczególne części. Idealny artysta już nie tworzył. Teraz ci marzyciele przystąpili do projektowania.

Malowanie systemowe U Guggenheima

Lawrence Alloway Instalacja malowania systemowego , 1966, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Inne instytucje szybko naśladowały tę tradycję. We wrześniu 1966 r. Guggenheim świętował Malowanie systemowe , połączenie amerykańskich form sztuki, takich jak Hard-Edge i ukształtowane płótna. Podczas tej prezentacji najwspanialszego talentu Nowego Jorku preferowana była abstrakcja geometryczna, chociaż w jej katalogu brakowało opisu minimalizmu. Jakkolwiek celowa była ta decyzja, artyści na widoku wydawali się bezsprzecznie minimalistyczni. Neila Williamsa Nawyki krawieckie Billy Bo (1966) zawieszony prostopadle do Franka Stelli Wolfeboro IV (1966) w Galerii Wysokiej dwie perełki we współzależnym składzie. W tym czasie zmieniały się również zachodnie przestrzenie wystawiennicze, a klasyczne muzea rozszerzały swoje obowiązki. sale artystyczne, niemieckie spojrzenie na współczesną przestrzeń galeryjną, zaczęło pojawiać się w całej Europie, podporządkowane rotacji. Spółdzielnie, takie jak Nowojorska przestrzeń artysty stale dostarczał platform dla innowatorów do wyrażania unikalnych hipotez. Powstałe recenzje były zachwycone, zwiększając publiczne postrzeganie tego, w co naprawdę może się zmienić minimalizm.

Zwrot w kierunku postminimalizmu

Bez tytułu (belki L) za pomocą Robert Morris , 1965, przez The Whitney Museum, Nowy Jork

Pod koniec lat 60. minimalizm rozszedł się na odmienne teorie. Robert Morris prowadził z Uwagi o rzeźbie 1-3 , jego eseje z 1966 r. wyznaczające formalne ramy dla rówieśników. W szczególności ocenił Psychologia Gestalt, co zakłada, że ​​uporządkowana całość jest większa niż suma jej składników. Morris w pełni wyartykułował tę implikację, podkreślając połączone ze sobą części, aby stworzyć maksymalną odporność na separację percepcyjną, nie wymagającą żadnych uregulowanych jednostek ani symetrycznych interwałów. Testując wcześniej to założenie, zaktualizował swoją najsłynniejszą z dotychczasowych rzeźb, (Bez tytułu) (L-Belki). Trzy identyczne wielościany w kształcie litery L balansują w różnych pozycjach, zależnych od siebie, jednocześnie oszukując widzów, aby dostrzegli różne rozmiary. (Za każdym razem miał inny montaż). Później postulował również, że układ części jest dosłownym aspektem fizycznego istnienia rzeczy. Ta zwiększona atrakcyjność bezkompromisowych materiałów przygotowała grunt pod to, co później nazwano postminimalizmem.

Pochowana kostka zawierająca przedmiot ważny, ale mało wartościowy za pomocą Sol LeWitt , 1968, za pośrednictwem The No Show Museum, Zurych

Podczas gdy minimalizm wszedł w kolejną fazę, jego uczniowie ujawnili swoje korzenie. Sol LeWitt poszedł dalej z modelem Morrisa w 1967, kiedy rozpowszechniał swój esej Paragrafy dotyczące sztuki konceptualnej. Uważany przez większość za oficjalny manifest ruchu, stwierdził, że wygląd dzieła sztuki nie jest zbyt ważny. LeWitt wierzył raczej, że bez względu na to, jaką formę ostatecznie przybierze, musi zaczynać się od idei, głosząc, że jest to proces koncepcji i realizacji, którym zajmuje się artysta. Zasady te towarzyszyły mu przez całą jego doniosłą, czterdziestoletnią karierę, jednak w 1968 r. twierdził, że całkowicie porzucił minimalizm. Na pożegnanie skomponował Pochowana kostka zawierająca przedmiot ważny, ale mało wartościowy , dosłownie zakopując kostkę w lokalnym ogrodzie. Dziś z tego efemerycznego wydarzenia, zwiastującego upadek minionej epoki, pozostały tylko fotografie. LeWitt ochrzcił to śmiercią postawy autora.

Nowa generacja postminimalistów

Spiralne molo za pomocą Robert Smithson , 1970, za pośrednictwem The Holt Smithson Foundation, Santa Fe

Na początku lat 70. minimalizm rozwinął się w kilka odrębnych odgałęzień artystycznych. Praojcowie Judd i Morris zainspirowali artystę Process Richardzie Serrze, którego rzeźba site-specific Przesunięcie (1972) demonstruje postminimalistyczną ciekawość łączącą konwencje outdoor i indoor. Choć był to jego pierwszy w historii wypad w dzicz, nie wymyślił całkowicie koła. Rodak Robert Smithson skompilowany Spiralne molo dwa lata wcześniej wirowa konstrukcja wykonana z sześciu tysięcy ton czarnych skał. Inni artyści lądowi, tacy jak Walter De Maria, również wskoczyli na tę modę. Tymczasem rodzący się Bruce Naumana oddał hołd Flavinowi, układając się w zewnętrznych instalacjach świetlnych ze swoim neonem La Pitch (1972) . Jednak nie wszyscy krytycy cieszyli się z tej kreatywnej mody. Historyk Michael Fried napisał zjadliwą analizę dla Forum Sztuki pod koniec lat 60. , oskarżając minimalistów o forsowanie ideologii, a nie sztuki. Chociaż uznawał jego znaczenie, Fried unikał także nieodłącznej teatralności minimalizmu. Na horyzoncie pojawił się konieczny rachunek.

Feministyczna rewolucja w sztuce

sami jesteśmy bezsilni razem jesteśmy silni przez See Red Women's Workshop , 1976, via The Victoria and Albert Museum, Londyn

Bunt wybuchł wkrótce w 1974 roku. Promowanie wystawy w Galeria Leo Castelli , nagi Robert Morris wydął pierś pokrytą złotymi łańcuchami, sfotografowany zakładanie hełmu z czasów nazistowskich. Protestujący, którzy wcześniej uczestniczyli w Ruchu Praw Obywatelskich, słusznie obrzucili się tym pełnym uprzedzeń portretem, wzywając do przywrócenia tego obrazu. Warto zauważyć, że wielu sprzeciwiających się było kobietom, które następnie skupiły się na szerszym zagadnieniu równości płci i równości rasowej. To, co nastąpiło później, można określić jedynie jako fenomenalny efekt domina, który przewrócił każdy zakamarek współczesnego przemysłu. Artystki, które przyłączyły się do drugiej fali feminizmu w USA wyszedł na ulice do galerii pikiet lub muzea uważa się, że promuje niesprawiedliwe praktyki. Wkrótce wszystkie kobiece mastheady założyły magazyny, takie jak Herezje, i rozprawy takie jak Lindy Nochlin Dlaczego nie było wielkich artystek? krążył po całym świecie. Ulotki feministyczne deklarujące, że razem jesteśmy silni, malują przyszłość bogatą w różnorodność.

Impreza obiadowa za pomocą Judy Chicago , 1974, za pośrednictwem Muzeum Brooklyńskiego

W niedługim czasie ta feministyczna siła zamanifestowała się w sztuce. Awangardy prowadziły kampanię przeciwko zdominowanej przez mężczyzn postminimalistycznej dziedzinie, dążąc do detronizacji moc brak równowagi i brutalność. Judy Chicago była kapitanem tego pościgu z Kolacja (1974) , ceramiczna rzeźba przedstawiająca uroczysty bankiet. Złote kielichy i porcelana pomalowana na porcelanę spoczywają obok podkładek przedstawiających wybitne kobiety z historii, nadając stereotypowej sferze domowej. (Chicago skonfigurował Warsztaty Studia Feministycznego oraz Budynek dla kobiet Również.) Ręcznie robione, rzemieślnicze i symboliczne kompozycje również wyrosły z chęci obalenia status quo. Lynda Benglis jednocześnie eksperymentowała z wylewaniem żywicy do produkcji Jedz Mięso (1975) , podczas gdy Ewa Hesja osiągnął podobny zysk dzięki lateksowi, włóknowi szklanemu i plastikowi. Nancy Graves w swojej cenionej serii dzierżyła skrawki skóry i kości zwierząt Wielbłądy (1968) oraz Ze skamieniałości (1977), rzeźby tak realistyczne, że niemal niesamowite. W nadchodzących dziesięcioleciach wzmożone wysiłki zmierzające do dekonstrukcji minimalistycznego monolitu miały miejsce.

Minimalizm w późniejszych latach

Nieuprawny za pomocą Donald Judd , 1991, via MoMA, Nowy Jork

Mimo to dziewicze minimaliści nie wypadli całkowicie z radaru. Judd pracował aż do śmierci w 1994 roku, wykorzystując niekonwencjonalne narzędzia do obróbki aluminium i emalii. W Bez tytułu (1980) , zregenerował wcześniejszy motyw stosu za pomocą stali, aluminium i pleksiglasu, starannie dbając o każdy szczegół. Następnie Judd ułożył pięć kolorowych kolumn w swojej emaliowanej rzeźbie podłogowej Bez tytułu (1991), zacieranie śladów kompozycyjnego ogniska. Zainstalowany Walter De Maria Rzeźba 2000 rok później w Zurychu, ustawiając w Kunsthaus dwa tysiące wielokątnych prętów gipsowych. LeWitt następnie zwrócił się do rysunków bazgrołów, takich jak Rysunek ścienny #1268 (2005), renderowane bezpośrednio na ścianie galerii, aby przypominały rzeźbę. Chociaż Morris zmienił pracę figuratywną w latach 70., nieuchronnie powrócił do rzeźby z Brama Brązowa (2005), stalowy łuk cor-ten dzielący pawilon ogrodowy we Włoszech. Ostatniego upamiętnił pokazać w Galerii Leo Castelli przed śmiercią w 2018 roku.

Minimalizm w dzisiejszej sztuce wizualnej

Rysunek ścienny #1268 autor: Sol LeWitt , 2005, via The Albright-Knox Art Gallery, Buffalo

Dziś minimalizm jest najczęściej używany jako potoczne słowo oznaczające prostotę. Obnażony do najistotniejszych elementów tego gatunku następstwa tego gatunku rozciągają się od wystroju domu po samochody, kręcenie filmów, a nawet pisanie. Jednak w sferze sztuki minimalizm niezaprzeczalnie przywołuje wspomnienia radykalnego czasu w historii ludzkości, walki o wolność, z którą wielu wciąż walczy. Bez względu na to, jak było to niezamierzone, zapoczątkowało bardziej demokratyczną erę artystyczną, w której kobiety, osoby kolorowe i inne marginalizowane grupy mogły sobie pozwolić na miejsce przy stole. Minimalizm przełamywał również bariery między typowymi mediami, jednocześnie rewolucjonizując doświadczenie zarówno artysty, jak i widza. W ten sposób jego następcy skutecznie zdemontowali panującą w powojennej Ameryce hierarchię artystyczną, niegdyś kierowaną przez wpływowego krytyka Klemensa Greenberga. Tych konsekwencji nigdy nie można cofnąć. Ale dla tych zbuntowanych minimalistów, którzy szukali początkowego powstania w latach 60., być może właśnie o to chodzi.