Bruce Nauman: odstępca od sztuki

Sto życia i śmierci , Bruce Nauman , 1984, NY Times

Kreatywny geniusz Bruce'a Naumana zaszczycił każde medium, jakie można sobie wyobrazić. Szeroko znany ze swoich lekceważących instalacji świetlnych, przypominający kameleona artysta nie ma typowego stylu, zamiast tego przechodzi do swoich materiałów, jakby z góry określony. Od niepokojącej rzeźby po fotografię, wideo i rysunek, dziś Bruce Nauman nadal wymyka się opisowi tak intensywnie, jak jego geneza sześćdziesiąt lat temu.

Wczesne życie i praca Bruce'a Naumana

Nieuprawny, Bruce'a Naumana, 1965, SFMoMa

Burzliwe dzieciństwo Naumana rozpoczęło się w latach 40. XX wieku w Fort Wayne w stanie Indiana. Jego ojciec, inżynier, artysta dryfował z jednego miasteczka Środkowego Zachodu do drugiego, nigdy tak naprawdę nie pasując. Wykazywał bardzo małe zainteresowanie sztuką wizualną, ale zamiast tego preferował instrumenty muzyczne, co było wczesnym świadectwem jego wszechstronności medialnej. W latach 60. studiował matematykę i fizykę z maturą z malarstwa na Uniwersytecie Wisconsin, aż do ukończenia studiów w 1964 roku. Dwa lata później ukończył studia magisterskie na Uniwersytecie Kalifornijskim w Davis. Wśród jego instruktorów byli pionierzy awangardy Manuel Neri, William T. Wiley i Robert Arneson, rzeźbiarze nonkonformiści przepychający dzielnice przez luźny i szeroki program nauczania. Nauman postanowił również całkowicie zrezygnować z malowania podczas uczęszczania do Davisa, twierdząc po prostu, że jego bogate materiały są po prostu wszedł w drogę. Smukły o stonowanej palecie kolorów, jego ostatnie płótno Nieuprawny (1965) ma niewiele wspólnego z tętniącym życiem dziełem, z którego znany jest artysta.

Koniec lat 60. był czasem eksperymentów dla Bruce'a Naumana. Swoje pierwsze rzeźby z włókna szklanego stworzył w 1965 roku i zastosował niekonwencjonalne podejście do odlewania i formowania. Używając żywicy poliestrowej, Nauman stworzył Nieuprawny serie oceniające fizyczną potencjalność jego nowego medium, monochromatyczne modele dwukrotnie odlane z włókna szklanego. Ponieważ jednak był oparty na ręcznie robionym glinianym prototypie, podjął również duże ryzyko, obchodząc się z jego kruchością. Jednak jego ryzyko nieuchronnie się opłaci. Nauman pracował niestrudzenie na początku swojej kariery w latach 60., aby skupić się na swoim pomyśle współczesny konceptualiści zaczęli postulować: techniki twórcze zastąpiły rezultaty końcowe jako źródło znaczenia. Byłem artystą i byłem w studiu, więc to, co robiłem w studiu, musiało być sztuką, kiedyś Bruce Nauman zauważył o jego wczesnych latach. W tym momencie sztuka stała się bardziej działalnością, a mniej produktem.

Jak sztuka procesu zainspirowała Naumana

Moje imię, jakby było napisane na powierzchni Księżyca, Bruce Naumana , 1968, WikiArt

Nauman przypisuje gatunkowi artystycznemu przesadnie skoncentrowanemu na metodologii. Nazwany sztuka procesu, styl przedkłada technikę nad następstwa, postrzegając pracę fizyczną jako kreatywność samą w sobie. Wielu przypisuje jego genezie monumentalny moment Jackson Pollock kapała farba na puste płótno, choć sztuka procesu sięga dalej do korzeni w dadaizm. Zamiast skupiać się na rezultatach końcowych, artyści procesu czerpią przyjemność z fizyczności swoich mediów, delektując się rutyną od początku do końca. Składanie, klasyfikowanie i tworzenie wzorów były równie ważnymi aspektami tworzenia arcydzieła. Reduplikacja była szczególnie istotna w pracach mieszanych mediów przez Naumana w późnych latach 60. i 70. XX wieku. Podobny do uczonego Marshalla McLuhana słynne zdanie, jego medium było rzeczywiście jego przesłaniem. Nauman sformułował tysiące niuansów opowieści poprzez instalacje świetlne, wideo i dźwiękowe, jednocześnie badając swoją artystyczną rolę, gdy ją wypełniał.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Pierwsza nowojorska wystawa Naumana

Neonowe szablony lewej połowy mojego ciała zrobione w dziesięciocalowych odstępach , Bruce'a Naumana, 1966

Galeria Leo Castelli gościł Naumana pierwsza wystawa w Nowym Jorku w 1968 roku. Wypełniając niewielką przestrzeń swoimi nowo odkrytymi eksperymentami, artysta zaprezentował szczątkowe instalacje świetlne i wideo, aby zademonstrować swoją artystyczną zręczność, taką jak jego słynna Neonowe szablony lewej połowy mojego ciała zrobione w odstępach dziesięciu cali (1966). Bez względu na to, jak wiele wiary w niego żywił Castelli, krytycy spotykali się z jego twórczością z mieszanymi recenzjami. Kuratorzy europejscy od początku wykazywali silne powinowactwo do Naumana. Dysydenci w Ameryce, zwłaszcza w Nowym Jorku, nie byli aż tak mili. Pisanie w związku ze swoją wystawą w Galerii Leo Castelli, historyk Robert Pincus-Witten głosił infantylny narcyzm Naumana. Prawdopodobnie jego status jako outsidera z San Francisco wywołał zazdrość terytorialną. A może Nowy Jork po prostu nie był gotowy na jego naturalne przewidywanie. Mimo to Nauman udowodniłby, że przeciwnicy się mylili podczas swojej następnej dekady w Kalifornii.

Dlaczego Bruce Nauman unikał minimalizmu

Prawdziwy artysta pomaga światu, ujawniając mistyczne prawdy (znak okienny lub ścienny), Bruce Nauman, 1967, National Gallery of Australia

Minimalizm zajmował hegemoniczny prestiż podczas sławy Bruce'a Naumana w latach 60. XX wieku. Z tego samego powodu rzeźbiarz starał się świadomie przeciwdziałać panującemu porządkowi twórczemu, na który składały się wybitne postacie, takie jak Barnett Newman i Donalda Judda. Do tego czasu archetyp artysty stał się trzeźwą karykaturą perfekcjonistycznych tendencji, fenomen, który Nauman określił jako coraz bardziej auto-uwielbiający. Byłem zaskoczony, jak źle były wykonane, kiedyś krytykował wczesną pracę Judda w New York Times wywiad. W porównaniu do sztywnych, abstrakcyjnych i płaskich technik formalistycznych, twórczość Naumana była odczuwalnie beztroska, była błędnym lustrem przedstawiającym jego autentyczną podróż artystyczną. Choć nigdy nie potwierdzone, historycy nawet postawić hipotezę, że jego wyszukane tytuły są bezpośrednim obaleniem konformistycznych tendencji do etykietowania utworu bez tytułu. Obdarzony dynamicznym arsenałem multimedialnym prowokator wstrząsnął nowoczesnością do głębi, zobowiązując się do przestrzegania własnego kodeksu postępowania.

Na początku lat 70. kariera Naumana wzniosła się na niespotykane dotąd wyżyny. Przeniósł się do Pasadeny, pogrążył się w performatywnym aspekcie sztuki i zaczął rozszerzać swoje kręgi towarzyskie. Wśród jego inspirujących rówieśników byli muzycy i tancerze, od których Nauman nauczył się dalej doskonalić swój proces twórczy. Jego neonowo-niebiesko-czerwona rzeźba świetlna Prawdziwy artysta pomaga światu, ujawniając mistyczne prawdy (znak okienny lub ścienny) (1967) Najlepszym przykładem tego okresu jest jego tytuł nabazgrany w oszałamiającej spirali. Łącząc fantazyjny język z materiałami produkowanymi komercyjnie, artysta przywołał swoje matematyczne zaplecze poprzez przestrzenną relację widza. Z daleka czerwona neonowa podszewka wydawała się być cyfrą sześć, a napis Naumana widoczny był dopiero po bliższym przyjrzeniu się. Wyróżnione na międzynarodowych forach, takich jak Kunsthalle Berno i Muzeum Miejskie, Kulminacją intryg instytucjonalnych Naumana był rok 1972, kiedy zaproponowano mu pierwszą oficjalną retrospektywę muzealną.

Pierwsza retrospektywa Bruce'a Naumana

La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits, Bruce Naumana , 1972, LACMA

Muzeum Sztuki w Los Angeles i The Whitney współkuratorami Nauman’s wycieczka ekstrawagancka. Marcia Tucker i Jane Livingston, podróżując przez cały kraj od Nowego Jorku do Los Angeles, zorganizowały go z aspiracjami dotarcia do Europy. W kolekcji wystawy znalazły się nowe prace Naumana ukończone na przełomie lat 60. i 70., w tym jego pierwsza wielkoformatowa instalacja plenerowa. Pomyślany, by otaczać LACMA, jego La Brea/Art Tips/Rat Spit/Tar Pits (1972) wznosi się w sąsiedztwie prehistorycznych dołów La Brea Tar Pits, oświetlonych neonową czerwienią i zielenią. Jak może sugerować jego tytuł, utwór zawierał anagramy La Brea, dowcipnej, ale pozornie bezcelowej gry słów. Jednak trywialność była dokładnie celem Naumana. Wykorzystując odważne kontrasty kolorystyczne, podkreślał łamigłówki językowe, aby zagmatwać codzienne zwroty i skojarzenia. Jednak pomimo jego innowacyjnych osiągnięć, niektóre prasy demonizowały retrospektywę Naumana jako bezsensowną. Wzmożony zamęt medialny skłonił artystę do ponownego rozważenia swojej trasy lotu.

Ostatnie lata Naumana w Kalifornii

Srebrne Livres, Bruce Naumana , 1974, MoMA

Bruce Nauman jest notorycznie osoba prywatna. Niezależnie od tego, czy był pozytywny, czy negatywny, nienawidził światła reflektorów, jego paranoja wzrastała wraz z jego sławą. W połowie lat 70. rozgłos uczynił go najgorszym i poważnie ograniczył swoją produkcję artystyczną. Z tego odosobnienia wyłoniła się jednak niesamowita oryginalność, w tym znane obecnie media tekstowe Naumana. W rzeczywistości wymyślił swój neon z 1974 roku Srebrne Livres jako próba odzyskania kontroli nad własnymi metodami, odpowiednik upamiętnionej przez niego w Paryżu wielkiej wystawy. Nakładające się na siebie zestawy czerwonych i zielonych rurek ujawniły francuskie anagramy dla terminu książki, czyli książki. Aby zaznaczyć koniec pamiętnej epoki, stworzył również swoje ostatnie dzieło rzeźbiarskie Pasadena Kawałek studyjny w 1979 roku. Model w skali mieszał poprzednie materiały, dzięki którym Nauman badał swoje skłonności geometryczne. W ten sposób nostalgicznie pożegnał się z rodzinną Kalifornią, na drodze do nowych początków w Nowym Meksyku.

Kiedy Nauman przeniósł się do Nowego Meksyku

Skrzypce Przemoc Cisza, Bruce Naumana , 1981, Tate Modern

W latach 80. Nauman wyrobił sobie nowe nazwisko. Wśród soczystych wzgórz hrabstwa San Miguel zbudował nowe studio w maleńkiej wiosce na południe od Santa Fe o nazwie Pecos . Tam też opracował zaawansowany język obrazkowy, zastępując uproszczone neony bardziej złowrogimi środkami wyrazu. W Skrzypce Przemoc Cisza (1981) , żółty i różowy neonowe rurki zestawiają ze sobą sześć słów w luźno uformowanym trójkącie, przeciwdziałając muzykalności spokojem. Do 1983 roku Nauman kierował swoimi pomysłami przez Fundację Stuartów, która ostatecznie wzniosła jego świecący Wady i cnoty na fasadach w całym San Diego lata później. Bezsprzecznie jego najsłynniejsze dzieło, przełomowa dekada Naumana osiągnęła szczyt wraz z jego 1984 Sto życia i śmierci. Cztery wysokie kolumny, 100 bezsensownych fraz i mieszanina fluorescencyjnego pigmentu bezbłędnie uosabiają nasze paradoksalne ludzkie doświadczenie. Złożony algorytm oświetlał wybrane słowa, podczas gdy inne ciemniały, tworząc wizualną eufonię języka.

Podczas gdy publiczne postrzeganie awangardy uległo metamorfozie, podobnie jak rosnąca reputacja Naumana. W latach 80. celebrował kilka dobrze przyjętych koncertów solowych, w tym występy w Baltimore, Niemcy, oraz Londyn. W 1987 roku ugruntował swoje rosnące zainteresowanie udziałem widzów dziełami takimi jak Tortury klauna , projekcja groteskowych filmów wideo skupionych wokół jego charakterystycznych motywów. Nadzór, stres, sondowanie i kalambury łączyły się w nieskończoność, aby zdezorientować odbiorców, nawiązując do podstawowej obsesji Naumana: powtarzania. Po prawie dwudziestoletniej przerwie powrócił również do odlewania w swojej pracy z 1988 roku Bez tytułu (Dwa wilki, dwa jelenie), wykonane przy użyciu rozczłonkowanej taksydermii z pobliskiego sklepu w Nowym Meksyku. Anatomicznie stworzenia w stylu Frankensteina pojawiły się nie z tego świata, obracając się na karuzeli przypominającej rzeźnię. Nauman rozwijał się u szczytu swojej produkcji multimediów. W 1989 ożenił się z kolegą artystą Susan Rothenberg, para przeniosła się na farmę w pobliskim Galisteo, gdzie nadal mieszkają.

Ostatnie prace autorstwa Naumana

Widok instalacji Nakarm mnie/Antro-Socio , Bruce Nauman, 1993, The Guardian

Wideo stało się głównym zajęciem Naumana w latach 90. i 2000. Eksplorując własną moc komunikacyjną, systematycznie testował kontekstową relację między ciałem a otaczającą go przestrzenią, ciekawy czasu jako pojęcia względnego. Na przykład jego praca z 1993 roku Nakarm mnie/Antro-Socio przedstawiał kręcącego się aktora krzyczącego nakarm mnie, pomóż mi, zjedz mnie, zrań, niekompletne bez zanurzenia widza. W przeciwieństwie do współczesnych, wybrane tematy Naumana kształtowały sytuacyjnie jego instalacje wideo, a nie odwrotnie. W 1999 roku został indywidualnie nagrodzony Złotym Lwem na 48. Biennale w Wenecji, najwyższa nagroda za zgłoszenia filmów. Amerykańska Akademia Sztuk i Literatury powołała go na członka w 2000 roku, a w 2004 roku otrzymał nagrodę Nagroda cesarska. Przyznawane przez Japan Art Association, wyróżnienie wybitnych artystów, którzy wnieśli znaczący wkład w rozwój międzynarodowej sztuki i kultury. Bruce Nauman uosabiał to, co to znaczy być uznanym za globalnego figuranta.

Studia kontrapostowe, I do VII, Bruce Naumana , 2016, Filadelfijskie Muzeum Sztuki

Obecnie prowadzi skromne życie na swojej farmie w Nowym Meksyku. Niewielu podejrzewałoby, że jego skromny kompleks mieści pracownię w maleńkiej szopie, przylegającej do zielonych pastwisk do wypasu koni. Choć jego sztuka nadal odgrywa ważną rolę, Nauman rozszerzył swoją działalność na inne sektory biznesu, od czasu do czasu sprzedając nawet dzikie zwierzęta. Mimo to dojrzał twórczo podczas swojego pobytu w Galisteo. Jedna z jego najnowszych prac, Studia kontrapostowe, I do VII (2016) , bada dźwięk i obraz, przedstawiając Naumana uderzającego przeciwny poza. Działając jako sobowtór swojego pierwszego słynnego Spacer z Contrappostem (1968), Zmanipulowane cyfrowo media oddały jego ruchy na pozytywie i negatywie, odpowiednio do przodu i do tyłu. Nawet w obliczu nieuchronnego starzenia się, koncentracja Naumana na cielesności nie zmieniła się zbytnio na przestrzeni lat. Raczej jego uchwycenie na zegarze biologicznym ustąpiło miejsca bardziej intymnym badaniom jego psychiki. Jego przyszłość może skrywać jeszcze lepsze wglądy.

Dziedzictwo kulturowe Bruce'a Naumana

Bruce Nauman w Nowym Meksyku , Alec Soth, 2018, NY Times

Praca Bruce'a Naumana działa jak niesamowity społeczny papierek lakmusowy. Bez względu na to, jak agresywny, prowokacyjny czy po prostu przerażający, artysta nadal rozszerza swoje intelektualne i fizyczne ograniczenia, aby oszołomić, czarować i opłakiwać międzynarodową publiczność. W wieku osiemdziesięciu jeden lat znosił nienawistną krytykę, przytłaczające pochwały, a nawet prawie śmiertelny rak jelita, z których żadne nie powstrzymało jego wytrwałości. Pobudzając głęboki dyskomfort psychiczny, jego anty-sztuka rozluźniła świadomość publiczną na lepsze lub gorsze, przenosząc nas pośrednio przez jego twórcze poszukiwanie wolności. Bruce Nauman zacznie polaryzować widzów długo po swojej żałobnej śmierci.