Jak Clement Greenberg ukształtował sztukę modernistyczną?

Nowa Fundlandia przez Helen Frankenthaler , 1975, Kolekcja prywatna

Znany krytyk sztuki Clement Greenberg był jednym z najbardziej wpływowych i szanowanych głosów lat 20tenwiek. Znany dziś jako głos amerykańskiej sztuki, jego śmiałe i szczere celebrowanie amerykańskiej sztuki abstrakcyjnej w latach 40. i 50. zamieniło się w artystów, m.in. Jacksonie Pollocku, Willem de Kooning i Barnetta Newmana na nazwiska domowe. Wierząc, że sztuka powinna zostać sprowadzona do najczystszych, najprostszych i najbardziej poetyckich właściwości linii, koloru i płaskiej powierzchni, idee Greenberga wpłynęły na całe pokolenie, prowadząc ich do stworzenia jednych z najbardziej kultowych dzieł sztuki wszechczasów. Napisał, że modernizm używał sztuki do zwrócenia uwagi na sztukę.

Wczesne pomysły Clementa Greenberga

Klemens Greenberg , 1982, „Gazeta o sztuce”

Urodzony w Bronksie dla żydowsko-litewskich imigrantów, Clement Greenberg studiował literaturę angielską w Uniwersytet Syracuse. Po ukończeniu studiów dryfował między zawodami, zanim trafił do zespołu pisarzy i krytyków, którzy nazywali siebie Intelektualiści z Nowego Jorku , w tym Susan Sontag i Harolda Rosenberga. Wielu z nich było Żydami i opowiadało się za polityką lewicową, integrującą teorię literatury z przekonaniami marksistowskimi, ale odrzucali Stalina, skłaniając się zamiast tego w kierunku liberalnych idei trockizmu.

Wiele pomysłów Greenberga początkowo pochodziło od Karola Marksa, zwłaszcza przekonanie, że abstrakcyjna sztuka awangardowa była odważnym i rewolucyjnym odejściem od opresyjnych reżimów politycznych kierowanych przez nazistów lub komunistów. Inny znaczący wpływ na idee Greenberga wywarł niemiecki artysta i pedagog Hans Hofmann. W latach 1938 i 1939 Greenberg udał się na kilka wykładów Hoffmanna, które podkreślały znaczenie formalnego rozumienia w sztuce, w którym kolor, linia, powierzchnia i relacje między płaszczyznami na płaskiej powierzchni były uważane za ważniejsze niż treści figuratywne lub literackie.

Świętowanie awangardy

Wystarczająco autorstwa Hansa Hoffmana , 1960, Kolekcja prywatna

Większość najwcześniejszych tekstów krytycznych Clementa Greenberga ukazała się w nowojorskich liberałach Recenzja partyzancka , i był pod silnym wpływem pomysłów Hansa Hoffmanna. To było w Recenzja partyzancka że Greenberg opublikował pierwszy ze swoich najbardziej wpływowych esejów, zatytułowany Awangarda i Kicz, 1939, który stał się podstawą dla wielu jego przyszłych pomysłów.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

W eseju Greenberg dowodzi, że sztuka awangardowa początku lat 20tenwiek był jedyną żywą kulturą, która wciąż istniała, a pojawienie się kiczu, materiału popularnego czy masowego stanowiło wielkie zagrożenie dla jego istnienia. Argumentując, że obrazy kiczu są produktem ubocznym tandetnego, taniego społeczeństwa uprzemysłowionego, stanowczo twierdził, że zarówno sztuka, jak i literatura powinny oferować ścieżkę do wyższej prawdy poza tym zdeprawowanym językiem. Ta wiara w społeczne znaczenie wysokiej awangardowej sztuki, skoncentrowanej na procesie i eksperymentowaniu, była kluczowa we wszystkich ideach Greenberga na temat sztuki, co stało się podstawą jego przyszłych esejów na temat teorii i praktyki sztuki.

Nowy Laokoon

Zaledwie rok później Clement Greenberg opublikował drugi ze swoich instrumentalnie ważnych esejów: W kierunku nowszego laokoona , 1940. Tekst był kontynuacją słynnego artykułu Gottholda Lessinga Laokoon: esej o granicach malarstwa i poezji , opublikowanym w 1766 roku. Lessing zaczął rozróżniać różne media artystyczne, w tym poezję, malarstwo i rzeźbę, argumentując, że każdy z nich ma swój odrębny język rozwoju, który powinniśmy rozpoznać i docenić.

Opierając się na eseju Lessinga, idee Greenberga nakreśliły historyczne uzasadnienie opisujące, skąd wzięły się początki nowoczesnego malarstwa i dokąd zmierza. Twierdził, że malarstwo od czasów historycznych stawało się coraz bardziej spłaszczone, wychodząc poza treści narracyjne lub literackie w kierunku nacisku na abstrakcyjny wzór i powierzchnię, pismo. Ale co najważniejsze, płaszczyzna obrazu staje się coraz płytsza i płytsza, spłaszczając się i dociskając do siebie. fikcyjnych płaszczyzn głębi, dopóki nie spotkają się jako jedna na płaszczyźnie rzeczywistej i materialnej, która jest rzeczywistą powierzchnią płótna.

Abstrakcyjny ekspresjonizm

Żółte Wyspy przez Jacksona Pollocka , 1952, Tate

W latach czterdziestych Clement Greenberg osiadł w dzielnicy Greenwich Village w Nowym Jorku, gdzie pracował jako redaktor dla Przegląd partyzancki, współpracownik redaktora dla Magazyn z komentarzami i krytyka Naród . Był jednym z pierwszych, którzy zauważyli i promowali prace rozwijającej się szkoły abstrakcyjnego ekspresjonizmu, w tym Jacksona Pollocka, Willema de Kooninga, Roberta Motherwella i Davida Smitha, a dzięki jego pisarstwu kariery tych artystów znalazły się w międzynarodowym centrum uwagi. Wraz z rozwojem ich karier rozwijała się również kariera Greenberga, który stał się gigantem na amerykańskiej scenie artystycznej, obejmując stanowiska wykładowców na Black Mountain College, Uniwersytet Yale, Kolegium Benningtona oraz Uniwersytet Princeton gdzie miał wyraźny wpływ na następne pokolenie twórczych myślicieli.

Bez tytułu B autor: Robert Motherwell , 1970, Tate

Kryzys sztalugowego obrazu

Kilka esejów opublikowanych w latach 40. XX wieku pozwoliło Greenbergowi rozwinąć swój argument na temat znaczenia malarstwa abstrakcyjnego, w tym: Sztuka abstrakcyjna, opublikowany w 1944 r. i Obraz kryzysu sztalugowego, 1948. W tym ostatnim tekście wprowadził radykalną i wpływową koncepcję całościowego obrazu, opisując spłaszczoną, powtarzalną tendencję w sztuce amerykańskiej praktykowaną przez Jacksona Pollocka: Lee Krasner i Barnett Newman jako zdecentralizowany, polifoniczny obraz na całej powierzchni, który stopił się w czystą fakturę, czyste wrażenie. Twierdził również, że całościowe malowanie powstało jako logiczna reakcja na uprzemysłowione, kapitalistyczne społeczeństwo, w którym wszystkie hierarchiczne różnice zostały wyczerpane… żaden obszar ani porządek doświadczeń nie jest ani wewnętrznie, ani relatywnie lepszy od jakiegokolwiek innego.

Pejzaż gotycki autorstwa Lee Krasnera , 1961, Tate

Greenberg kontra Rosenberg

Jednym z największych rywali Clementa Greenberga był jego kolega krytyk sztuki Harold Rosenberg; plotka głosi, że podczas hałaśliwych debat czasami prawie kończyli w kajdankach. Choć ich idee nakładały się na siebie wiele, Rosenberg chwalił to, co nazwał Action Paintingm, pasmem abstrakcji opartym na energicznych, performatywnych gestach, praktykowanym przez Jacksona Pollocka, Franza Kline'a i Arshile'a Gorky'ego. Rosenberg wspierał także różnych artystów abstrakcyjnego ekspresjonizmu, którzy przywrócili elementy figuratywne lub narracyjne do swoich wolnych, ekspresyjnych obrazów, takich jak Willem de Kooning i Philip Guston.

Kobieta autor: Willem de Kooning , 1952, Metropolitan Museum of Art

Z kolei Greenberg forsował swoje poparcie dla czystszego, czystszego stylu abstrakcji, aktywnie odrzucając najnowsze badania figuratywne de Kooninga. Zamiast tego przeniósł swoje poparcie na malarzy Washington Color School Painters, takich jak Barnett Newman, Kenneth Nolan i Anne Truitt, którzy praktykowali oszczędny, minimalistyczny język oparty na optycznych wrażeniach płaskich wzorów kolorystycznych. W swoim eseju Malowanie typu amerykańskiego, 1955 Greenberg twierdził, że ta nowa szkoła malarzy prowadziła naturalny postęp w kierunku prawdziwej sztuki modernistycznej.

Malarstwo modernistyczne

W miarę rozwoju idee Clementa Greenberga stawały się coraz bardziej spolaryzowane i ekstremalne. Kiedy powstanie kicz, wielowarstwowy Pop Art ,a style Neo Dada zaczęły pojawiać się dzięki nowojorskim artystom Robertowi Rauschenbergowi i Jasperowi Johnsowi, Greenberg walczył jeszcze mocniej. Głośno walczył ze swoim argumentem, że malarstwo modernistyczne musi być procesem redukcji, który oddziela je od innych mediów lub metod. Dalej twierdził, że abstrakcja była logicznym i koniecznym rozwojem sztuki nowoczesnej, który pozbawił sztukę jej nagiej, najbardziej wydestylowanej istoty, którą opisał jako naturalny postęp formalizmu, teorii wysuniętej po raz pierwszy przez krytyka sztuki. Roger Fry na początku 20tenwiek.

Te pomysły zostały zilustrowane w najbardziej kultowym eseju Greenberga, malarstwo modernistyczne, 1961. Przekonywał, że malarstwo powinno być czynnością docelowo „czystą”, odrzucającą wszelkie formy odniesienia do świata zewnętrznego, w tym ekspresję emocjonalną, iluzjonizm czy jakąkolwiek przestrzeń, w której mogą zamieszkiwać rozpoznawalne obiekty. Greenberg kontynuował wyjaśnianie, w jaki sposób obraz powinien być całkowicie autoreferencyjny, odnosząc się tylko do siebie i żadnych innych zewnętrznych odniesień do świata rzeczywistego lub do jakiegokolwiek innego medium artystycznego, takiego jak rzeźba czy rysunek.

Abstrakcja pomalarska

I przez Morrisa Louisa , 1961, Kolekcja prywatna

Choć były ekstremalne, idee Clementa Greenberga odzwierciedlały ducha czasu i miały wyraźny wpływ na wiodące artystyczne osiągnięcia lat 60. XX wieku. Uproszczone, nasycone obrazy „Color Field” Helen Frankenthaler, Morrisa Louisa i Julesa Olitskiego są dziś synonimem idei Greenberga, definiujących szczyt epoki modernizmu z bezwzględnie surowym, analitycznym podejściem do formy, koloru, faktury, skali i kompozycji. Greenberg był kuratorem wystawy pod tytulem Abstrakcja pomalarska w 1964 na Muzeum Sztuki Hrabstwa Los Angeles który obejmował prace trzydziestu jeden różnych artystów; był tak udany, że abstrakcja postmalarska jest obecnie uznawana za ruch sam w sobie.

Dziecko Arnolfini! autorstwa Julesa Olitskiego , 1964, Kolekcja prywatna

Wpływ na krytykę sztuki

Opierając się zarówno na własnych wyobrażeniach na temat formalizmu, jak i na teoriach 18tenwieczny niemiecki filozof Immanuel Kant, dowodził Greenberg w Malarstwo modernistyczne o nowy, obiektywny sposób patrzenia na sztukę. Uważał, że sztukę należy oglądać i pisać o niej w całkowicie oderwany sposób, obserwując jedynie fizyczne właściwości samego obiektu. Idee te wywarły głęboki wpływ na nowe pokolenie modernistycznych krytyków sztuki, którzy stali się znani jako Szkoła Greenberga, w tym Rosalind Krauss, Michael Fried i Barbara Rose, z których każda przyjęła podobne podejście analityczne podczas analizy dzieła sztuki.

Sprzeciw wobec Clementa Greenberga

W połowie lat 60. artyści i krytycy wychodzili już poza granice idei Clementa Greenberga. Wielu postrzegało jego stanowisko jako zbyt spolaryzowane i dogmatyczne, podczas gdy odrzucenie iluzjonizmu, narracji i emocji w malarstwie zepchnęło medium w kąt, gdzie nie było dokąd pójść. I jak zdała sobie sprawę krytyk sztuki Rosalind Krauss, nadmierne uproszczenie sztuki modernistycznej i formalistycznej Greenberga wykorzeniło wiele dziwactw i irracjonalności życia. Destrukcyjne szkoły pop-artu i Pływ To, co powstało w ślad za Greenberga, przywróciło wiele złożonych różnorodności zwykłego życia do praktyk artystycznych w latach 60. i 70., wstrząsając wieloma rzeczami, o które tak zaciekle przekonywał.

Nieuprawny, Pogotowie przez Fionę Raw , 1996, Royal Academy of Arts, Londyn

Chociaż sprzeciw wobec idei Greenberga wokół pure Modernizm i formalizm kontynuowany przez kilka pokoleń, nacisk, który kładł na autotematyzm i materialność obiektów sztuki, jest postawą, która trwa do dziś. Wielu dzisiejszych najbardziej eksperymentalnych i ekscytujących współczesnych malarzy ma w głębi umysłu świadomość obrazu jako obiektu fizycznego, nawet jeśli teraz zalali go odniesieniami do współczesnego życia, co pokazuje sztuka Callum Innes, Tomma Abts , Fiona Rae i Peter Doig.

Podczas gdy nieco uproszczony pogląd Greenberga na historię sztuki jako pojedynczy marsz ku abstrakcji został w dużej mierze przepisany na nowo, jego argument, że powinniśmy widzieć obrazy tylko jako same w sobie, bez odnoszenia ich do niczego innego, jest postawą, która nadal pozostaje w tle dzisiaj i koloruje sposób, w jaki wielu z nas patrzy na sztukę, zwłaszcza jego wiara w sztukę jako wyjątkowe doświadczenie, którego nie można uzyskać z żadnego innego źródła.