Richard Serra: Rzeźbiarz ze stalowymi oczami

Richard Serra płynnie zarządza czasem i przestrzenią dzięki stalowej rzeźbie. Od pejzażu rodzinnego San Francisco po odległe obszary Nowej Zelandii, artysta zapełnił malownicze panoramy na całym świecie swoimi niesamowitymi instalacjami. Jego silna osobowość nadal wzbudza porównywalną ciekawość.

Wczesne życie Richarda Serry

Richard Serra , 2005, Guggenheim Bilbao

Richard Serra dorastał jako wolny duch w San Francisco w latach 30. XX wieku. Bawiąc się wśród wydm na swoim własnym podwórku, we wczesnym okresie życia nie miał zbytnio kontaktu ze sztukami pięknymi. Spędził czas ze swoim ojcem imigrantem z klasy robotniczej, monterem rur w miejscowej Stoczni Morskiej. Serra przypomina sobie jedno ze swoich pierwszych wspomnień z bazy, gdy był świadkiem startu tankowca, w którym od razu został oczarowany swoim sporym otoczeniem. Tam patrzył tęsknie na kadłub statku, podziwiając jego solidną krzywiznę, gdy świsnął w wodzie. Cały surowy materiał, którego potrzebowałem, znajduje się w rezerwie tej pamięci, twierdził Serra na starość. Ta przygoda ostatecznie wzmocniła jego pewność siebie na tyle, że zaczął rysować, eksperymentować z jego dziką wyobraźnią. W późniejszym życiu powracał do tych fascynacji poprzez oczywiste nawiązania do swoich dni spędzonych z ojcem w stoczni Marine Shipyard w San Francisco.

Gdzie trenował

Interakcja koloru za pomocą Josef Albers , opublikowane w 1963, Yale University Press

Kalifornia podobnie służyła jako baza domowa podczas jego wczesnego szkolenia pod koniec lat pięćdziesiątych. Serra ukończył angielski na UC Berkeley, zanim przeniósł się do kampusu Santa Barbara, gdzie ukończył go w 1961 roku. Jego zainteresowanie sztuką szczególnie wzrosło podczas uczęszczania do Santa Barbara, biorąc pod uwagę studia u słynnych rzeźbiarzy Howarda Warshawa i Rico Lebruna. Następnie uzyskał tytuł M.F.A. z Yale, podczas którego poznał współczesnych Chuck Close, Brice Marden i Nancy Graves. (W szczególności uważał ich wszystkich za znacznie bardziej zaawansowanych niż on sam). W Yale Serra czerpał również wielką inspirację od swoich nauczycieli, głównie od światowej sławy malarza abstrakcyjnego Josefa Albersa. W 1963 roku Albers pobudził kreatywność Serry, prosząc o zrecenzowanie swojego Interakcja koloru, książka o nauczaniu teorii koloru. W międzyczasie pracował także mozolnie w hutach, aby utrzymać się przez całą swoją edukację. Ten wyjątkowy zawód położył podwaliny pod dobrze prosperującą karierę rzeźbiarską Serry.

Wielka kobieta III Alberto Giacometti , 1960 i Dwudzielny narożnik: Kwadrat przez Richarda Serra , 2013, wspólna wystawa Galerii Gagosian i Fundacji Beyeler, Bazylea

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

W 1964 roku Serra uzyskała stypendium podróżnicze Yale, aby przez rok studiować za granicą w Paryżu. Utrzymując kontakt z kolegami z klasy z domu, napotkał również łatwe wprowadzenie we współczesną sferę miasta. Jego przyszła żona Nancy Graves przedstawiła go kompozytorowi Philowi ​​Glassowi, który spędzał czas z dyrygentem Nadią Boulanger. Razem odwiedzali legendarny paryski intelektualny wodopoj, Kopuła , gdzie Serra po raz pierwszy spotkała szwajcarskiego rzeźbiarza Alberto Giacomettiego. Wkrótce odkrył jeszcze godne źródło wpływów. W Narodowym Muzeum Sztuki Nowoczesnej Serra spędzała godziny, szkicując surowe pomysły w zrekonstruowanej pracowni zmarłego rzeźbiarza Constantina Brancusiego. Brał również udział w płodnych zajęciach z rysowania życia w Akademia Grande Chaumière jednak z tego okresu zachowały się nieliczne zabytki. Otoczony nowymi mediami artysta przebudził się twórczo w Paryżu, ucząc się na własne oczy, jak elegancko rzeźba może dyktować fizyczną przestrzeń.

Jego pierwszy nieudany solowy pokaz

Broszura dla Solo-Show w Galerii La Salita przez Richarda Serra , 1966, Archiwum SVA

Stypendium Fulbrighta zabrało Richarda Serrę do Florencji w 1965 roku. We Włoszech ślubował on całkowicie porzucić malarstwo, zamiast tego skierować swoją uwagę na rzeźbienie w pełnym wymiarze godzin. Serra dokładnie śledzi swoją przemianę, kiedy odwiedził Hiszpanię, natknął się na mistrza Złotego Wieku Diego Velazquez i jego ikoniczny Las Meninas . Odtąd postanowił unikać złożonej symboliki, związanej z materialnością, a mniej z dwuwymiarowymi iluzjami. Jego kolejne kreacje, określane mianem asamblaży, składały się z drewna, żywych zwierząt i taksydermii, zestawione z wywoływaniem skrajnych reakcji emocjonalnych. I właśnie to zrobił Serra, kiedy wystawił te prowokacje w klatkach podczas swojej pierwszej w historii indywidualnej wystawy w rzymskiej galerii Salon w 1966 roku. Nie tylko Czas piszę zjadliwą recenzję tej okropnej klęski, ale publiczne oburzenie ze strony lokalnych włoskich artystów również okazało się zbyt trudne dla Rzymu. Lokalna policja zamknęła La Salita szybciej niż Richard Serra, który wywołał jego szeroko nagłośnione zamieszanie.

Kiedy wrócił do USA

Lista werbalna autorstwa Richard Serra , 1967-68, MoMA

Jeszcze w tym samym roku Nowy Jork spotkał Richarda Serrę z większym entuzjazmem. Osiedlając się na Manhattanie, szybko rozgrzał się do awangardowej sceny miasta, zdominowanej przez minimalistów, którzy uznawali rzeźbę za z natury wartościową, niezależnie od jej zdolności do wyrażania wewnętrznych nieszczęść. W rzeczywistości poprzednik Robert Morris zaprosił nawet Serrę do udziału w minimalistycznym pokazie grupowym w Galeria Leo Castelli ; i wspierał swoją pracę obok wpływowych głosów, takich jak Donald Judd oraz I Flawina. To, czego brakowało artyście w proporcjonalnym błysku, nadrabiał jednak zawadiackim żwirem. Jak sam powiedział Serra, jego praca zasadniczo różniła się od jego rówieśników, ponieważ chciał: zejdź i ubrudź się. Aby wyróżnić się z tłumu, ukuł później legendarną już litanię czasowników nieprzechodnich zatytułowaną Zaślepiony , nabazgrane ręcznymi czynnościami, takimi jak dzielenie, rolowanie i zaczepianie. Ten prekursor sztuki procesu służyłby również jako prosty plan przyszłej lukratywnej kariery Serry.

Pierwsze rzeźby z lat 60.

Jedna tona prop za pomocą Richard Serra , 1969, MoMA

Aby przetestować swoją eksperymentalną filozofię, Serra zwrócił się ku eklektycznym materiałom, takim jak ołów, włókno szklane i guma. Jego multimedialne środowisko głęboko wpłynęło również na jego postrzeganie rzeźby, a zwłaszcza jej skłonności do wypychania widzów poza granice wizualne obrazu. W latach 1968-1970 Serra stworzyła nową serię rzeźb, Pluśnięcie , przez wylanie stopionego ołowiu na róg, w którym zderzyły się jego ściany i podłoga. W końcu jego rynny przyciągnęły uwagę wielbiciela Jaspera Johnsa, który następnie poprosił go o odtworzenie swojego serialu w studiu Johna w Houston Street. W tym samym roku Serra również zaprezentował swoją słynną Jedna tona prop , czteroplaterowa konstrukcja z ołowiu i stopu ułożona tak, by przypominała niestabilny domek z kart. Choć wydawało się, że może się zawalić, w rzeczywistości był wolnostojący. Można było przez nią przejrzeć, zajrzeć do niej, obejść ją dookoła – skomentował Richard Serra swój zamierzony produkt geometryczny. Nie da się tego obejść. To jest rzeźba.

Przesunięcie specyficzne dla miejsca w latach 70.

Zmiana przez Richarda Serra , 1970-1972

Richard Serra osiągnął dojrzałość w latach siedemdziesiątych. Jego pierwsza rozbieżność metodologiczna sięga czasów, gdy pomagał Robertowi Smithsonianowi w Spiralne molo (1970), wir zbudowany z sześciu tysięcy ton czarnych skał. Idąc dalej, Serra kontemplowała rzeźbę jako związaną ze specyficznością miejsca, zastanawiając się, w jaki sposób fizyczna przestrzeń przecina się z medium i ruchem. Wzbudzająca poczucie grawitacji, witalności i masy rzeźba z 1972 r. Zmiana najlepiej pokazuje to odchylenie w kierunku wielkoformatowych prac plenerowych. Jednak większość z tych wczesnych archetypów nie została stworzona w Stanach Zjednoczonych. W Kanadzie Serra zainstalowała sześć betonowych płyt na farmie kolekcjonera sztuki Rogera Davidsona, aby podkreślić kontury i zygzaki tego surowego krajobrazu. Następnie, w 1973, zainstalował swoją asymetryczną rzeźbę Rozciągać w Muzeum Kroller-Muller w Holandii. Trio ze stalowej płyty zmuszało przechodniów do zatrzymania się, zastanowienia i przemieszczenia się, aby właściwie to postrzegać. Od Niemiec po Pittsburgh Richard Serra obchodził swoją dekadę, odnosząc znaczące sukcesy na całym świecie.

Dlaczego Richard Serra wywołał kontrowersje

Pochylony łuk przez Richarda Serra , 1981

Ale spór nękał go w latach 80. Po pozytywnym odbiorze w całych Stanach Zjednoczonych, Serra wywołał poruszenie na swoim terenie na Manhattanie w 1981 roku. Zatrudniony w ramach US General Services Sztuka w architekturze inicjatywy, zainstalował 12-metrową, 15-tonową stalową rzeźbę, Pochylony łuk , rozcięcie nowojorskiego Federal Plaza na dwie alternatywne połówki. Zamiast skupiać się na odległości optycznej, Serra starała się całkowicie zmienić sposób, w jaki piesi poruszali się po placu, siłą eliminując bezwładność, aby pobudzić aktywność. Publiczne oburzenie natychmiast ominęło wtargnięcie podczas i tak już gorączkowego porannego dojazdu do pracy, domagając się jednak usunięcia rzeźby, zanim Serra nawet ukończy budowę. Wykrzywiony łuk Międzynarodowa analiza nieuchronnie zmusiła władze miejskie Manhattanu do przeprowadzenia publicznych przesłuchań, które zadecydowały o jej losie w 1985 roku. Richard Serra z godnością zeznał o wiecznym splocie rzeźby z otoczeniem, wypowiadając swój najsłynniejszy z dotychczasowych cytatów: usunięcie dzieła to zniszczenie go.

Fundusz Obrony Wykrzywionego Łuku za pomocą Richard Serra , 1985, Fundacja Sztuki Współczesnej, Nowy Jork

Niestety, nawet przekonujący aksjomat nie mógł zmusić nowojorczyków do krwi. Pomimo tego, że Serra pozwała amerykańskie służby ogólne, prawo autorskie ustaliło Pochylony łuk należał do rządu i dlatego powinien być odpowiednio traktowany. Pracownicy magazynu w konsekwencji zdemontowali jego osławioną płytę w 1989 roku, aby przeciągnąć ją do magazynu poza stanem i nigdy więcej nie wynurzyć. Klęska Serry wywołała jednak większe pytania w ciągu krytyczny dyskurs sztuki publicznej , głównie udział widza. Kto jest odbiorcą rzeźby plenerowej? Krytycy uważali, że dzieła wyprodukowane dla publicznych placów, parków miejskich i miejsc pamięci powinny wziąć na siebie odpowiedzialność za wzmocnienie danej społeczności, a nie jej zakłócanie. Zwolennicy utrzymywali, że dzieło sztuki powinno być odważne i nie przepraszać. Rozważając różnice społeczno-ekonomiczne, edukacyjne i etniczne swoich odbiorców, Serra wyszedł z incydentu z jaśniejszym wyobrażeniem o tym, dla kogo powinien tworzyć sztukę. Następnie wyruszył, aby przez kolejne dziesięciolecia wyróżniać swój nowy repertuar.

Najnowsze rzeźby

skręcana elipsa za pomocą Richard Serra , 1996, Guggenheim Bilbao

Richard Serra kontynuował tworzenie wielkoformatowych stalowych rzeźb Cor-Ten w latach 90. XX wieku. W 1991 roku Storm King zaprosił go, aby uświetnił ich posiadłość Widelec Schunnemunk, cztery stalowe płyty ustawione pośród soczystych wzgórz. Serra również nabrała coraz większego rozmachu w japońskich ogrodach zen w tym okresie, zahipnotyzowana koncepcją rzeźby jako niekończącej się gry w chowanego, której nigdy nie można zrozumieć na pierwszy rzut oka. Podobnie jego 1994 Wąż ozdobił Guggenheim Bilbao serpentynowymi ścieżkami wykutymi ze stali, zachęcając widzów do meandrowania negatywnej przestrzeni. Pomiędzy monumentalnymi łukami, oszałamiającymi spiralami i okrągłymi elipsami Serra zreformował także swoje perspektywy strukturalne. Jego artystyczne słownictwo przepełnione było krzywoliniowymi formami, podczas gdy przeszukiwał swoje włoskie wspomnienia, obmyślając nowy skręcana elipsa (1996) seria. Podwójnie skręcana elipsa , jego najpopularniejszy, przeciwdziała kanciastej fasadzie rzymskiego kościoła San Carlo alle Quattro Fontane, zamykając widzów w płynnym, okrągłym pojemniku. Nowo odkryta oaza spokoju otoczyła przełomową rzeźbiarską oazę Serry.

Joe za pomocą Richard Serra , 2000, Fundacja Pulitzer Art, St. Louis

Opierając się na impetu z dobrze przyjętych elips, ożywione instynkty Serry ukształtowały jego praktykę w 2000 roku. Swoją dekadę rozpoczął od serii spin-off spirale skręcane, zainaugurowany przez eliptyczną rzeźbę z walcowanej stali poświęconą Josephowi Pulitzerowi. Kontrastując szczęśliwe błękitne niebo z nastrojową paletą kolorów swojego medium, Joe (2000) zamknięte autonomiczne królestwo w ramach Fundacji Pulitzer Art, wystawione na przypływy i odpływy codziennego życia. W 2005 roku Serra wrócił do rodzinnego San Francisco, aby zainstalować swoją pierwszą publiczną rzeźbę w mieście, Balast. W tym samym roku upamiętniono również Guggenheima Bilbao Kwestia czasu, stała wystawa prezentująca siedem elipsy Serry. Tam wijące się fragmenty przywoływały brak bezpieczeństwa u podatnych odbiorców, zdradzając logikę pomimo pozornie stabilnej konstrukcji. Od tego czasu jest również aktualizowany rzeźby w Katarze, i obchodzone wystawy obrotowe w galeriach blue-chip, takich jak Gagosian. Jego współczesna kariera trwa do dziś nawet w wieku 80 lat.

Jakie jest dziedzictwo kulturowe Richarda Serry?

Richard Serra obok swojego pochylonego łuku za pomocą Artur Mones , 1988, Muzeum Brooklyńskie

Teraz Richard Serra jest powszechnie uważany za jednego z największych rzeźbiarzy Ameryki XX wieku. Artyści i architekci w równym stopniu powołują się na niego jako na motywację do ciągłego wypychania instalacji publicznych na awangardę, ping-ponując jej cel od instytucjonalnych do użytkowych. Jednak pomimo krytycznego sukcesu, niektóre historyczki feministyczne uważają, że macho brawura Serry jest patriarchalnym prototypem powojennej Ameryki. Kolejni modernistyczni pionierzy, tacy jak Judy Chicago, odrzucili te męskie ideały jako przestarzałe, zmieniając pozycję rzeźby, aby wydawała się imponująca, pomimo użycia wspaniałych materiałów. Pomimo nacisków kolejnych pokoleń, przełomowe eksponaty Serry pozostają trudne do zignorowania, co jest bezpośrednim, namacalnym produktem ubocznym jego potężnej artystycznej obecności. Widzowie na całym świecie codziennie wędrują po tych medytacyjnych sanktuariach w nadziei na ponowne zrozumienie jego złożonego geniuszu, za każdym razem przypominając sobie naszą cielesność. Richard Serra góruje jak kuszące świadectwo sztuki jako funkcji społecznej, wysublimowanej, ale nigdy w pełni statycznej, zawsze przywołującej niezwykłość.