9 razy projektanci mody inspirowani historią sztuki
Linda Evangelista w sukni „Warhol Marilyn” autorstwa Gianniego Versace, 1991; z sukienką The Mondrian by Yves Saint Laurent, kolekcja jesień/zima 1965; oraz sukienka z kolekcji resort by Alexander McQueen, 2013
Przez całą historię moda i sztuka szły ze sobą w parze, tworząc świetną mieszankę. Wielu projektantów mody zapożyczyło pomysły z ruchów artystycznych do swoich kolekcji, co pozwala nam interpretować modę jako formę sztuki. Sztuka służy nam głównie do wyrażania idei i wizji. Jako znakomita oda do historii sztuki, poniżej znajduje się dziewięć sztuk do noszenia, zaprojektowanych przez wizjonerskich projektantów mody zXX wiek.
Madeleine Vionnet: projektantka mody, która ukierunkowała starożytną historię
Skrzydlaty Zwycięstwo Samotraki , II wiek p.n.e., przez Luwr, Paryż
Urodzony w północno-środkowej Francji w 1876 roku, Madame Vionnet znany był jako architekt krawców.Podczas pobytu w Rzymie fascynowała się sztuką i kulturą cywilizacji greckiej i rzymskiej oraz inspirowała się starożytnymi boginiami i posągami.Na podstawie tych prac ukształtowała swój styl estetyczny i połączyła elementy greckiej rzeźby i architektury, aby nadać nowy wymiar kobiecemu ciału. Z jej mistrzowską umiejętnością sukienki drapowania i cięcia po bokach zrewolucjonizowała współczesną modę. Vionnet często zwracał się do dzieł sztuki, takich jak Skrzydlaty Zwycięstwo Samotraki za jej kreatywne kolekcje.
Podobieństwo między arcydziełemhellenistycznysztuka i muza Vionnet Jest uderzające.Głębokie drapowanie tkaniny w stylu greckiego chitonu tworzy pionowe pasy światła spływające po sylwetce.Rzeźba powstała jako hołd dla Nike, grecka bogini zwycięstwa i jest podziwiany za realistyczne przedstawienie ruchu. Płynna draperia projektu Vionnet przypomina ruch falującego materiału, który przylega do ciała Nike.Sukienki mogą być jak żywe istoty z duszą, tak samo jak ciało. Podobnie jak Skrzydlaty Zwycięstwo Samotraki Vionnet stworzyła sukienki, które budzą ludzi. Klasycyzm, zarówno jako filozofia estetyczna, jak i projektowa, zapewnił Vionnet możliwość przekazania swojej wizji w geometrycznej harmonii.
Sukienka z fryzem i płaskorzeźbą Madeleine Vionnet , sfotografowany przez George Hoyningen-Huene dla francuskiego Vogue, 1931, via Condé Nast
Vionnet był również zafascynowany współczesnymi ruchami artystycznymi, takimi jak Kubizm . Zaczęła włączać geometryczne kształty w jej dziełach i opracowali inną metodę ich cięcia, zwaną cięciem ukośnym. Oczywiście Vionnet nigdy nie twierdziła, że to ona wymyśliła cięcie ukośne, ale tylko rozszerzył jego zastosowanie . Gdy na początku XX wieku kobiety poczyniły ogromne postępy w walce o swoje prawa, Vionnet obroniła ich wolność, usuwając z codziennej garderoby kobiet długowieczny wiktoriański gorset. Dlatego stała się symbolem kobiet uwolnienie od ucisku gorsetów , orazzamiast tego wprowadził na rynek nowe, lżejsze tkaniny, które byłyunoszące się na kobiecych ciałach.
Czy podoba Ci się ten artykuł?
Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję
Dziękuję Ci!Valentino i Hieronim Bosch
Ogród rozkoszy ziemskich – Hieronymus Bosch , 1490 – 1500, przez Muzeum Prado, Madryt
Pierpaolo Piccioli jest głównym projektantem Valentino. Dzieła religijne z okresu średniowieczabardzo do niego przemawia.Punktem wyjścia dla niego inspiracji jest moment przejściowy od średniowiecza do północnego renesansu. Współpracował z Zandrą Rhodes i razem zaprojektowali inspirującą kolekcję wiosną 2017 roku. Piccioli chciał połączyć punkową kulturę późnych lat 70. z humanizmem i sztuką średniowieczną, więc poszedł z powrotem do jego korzenie i renesans, czerpiąc inspirację z Hieronima Boscha obraz Ogród rozkoszy ziemskich .
Słynny holenderski malarz był jednym z najbardziej znanych przedstawiciele północnego renesansu w XVI wieku. W Ogród rozkoszy ziemskich namalowany przez Boscha przed reformacją, artysta chciał przedstawić Niebo i stworzenie ludzkości, pierwszą pokusę z Adamem i Ewą oraz piekło, uprzedzające grzeszników. W panelu centralnym ludzie wydają się zaspokajać swoje apetyty w świecie poszukującym przyjemności. Ikonografia Boscha wyróżnia się oryginalnością i zmysłowością. Całość interpretowana jest jako alegoria grzechu.
Modelki na wybiegu podczas pokazu mody Valentino Wiosna Lato 2017 podczas Paris Fashion Week , 2016, Paryż, via Getty Images
w świat mody obraz zyskał popularność, ponieważ jego motywy oczarowały różnych projektantów mody. Mieszanie epok i estetyki, Piccioli na nowo zinterpretowane Symbole Boscha poprzez pływające, przezroczyste suknie, podczas gdy Rhodes stworzył romantyczne nadruki i haftowane wzory, z subtelnym ukłonem w stronę oryginalnej grafiki. Kolory były zdecydowanie częścią przesłania, które chcieli przekazać projektanci mody. Tak więc kolekcja pływających, marzycielskich sukienek oparta jest na północnej palecie kolorów: zielonego jabłka, bladego różu i błękitu rudzika.
Dolce & Gabbana i barok Petera Paula Rubensa
Wenus przed lustrem – Peter Paul Rubens 1615, za pośrednictwem Zbiorów Książęcych Liechtensteinu w Wiedniu; z Kolekcja mody Dolce & Gabbana na jesień/zimę 2020 sfotografowana przez Nimę Benati , za pośrednictwem strony internetowej Nima Benati
Piotra Pawła Rubensa po mistrzowsku malowane kobiety, „ z miłością, stypendium i pracowitością .’ Przedstawił swoje Wenus przed lustrem jako ostateczny symbol piękna. Rubens wyjątkowo przedstawił jej jasną karnację i jasne włosy, które kontrastują z ciemnoskórą służącą. The lustro jest ostatecznym symbolem piękna , który kadruje kobietę jak portret, jednocześnie subtelnie podkreślając nagość postaci. Lustro, które Kupidyn trzyma przed boginią, ukazuje odbicie Wenus jako reprezentację pożądania seksualnego. Rubensa, który był jednym z założycieli Sztuka barokowa i jego koncepcja, w której kolory są ważniejsze niż linie, wpłynęły na kilku projektantów mody, w tym Dolce & Gabbana. The Styl barokowy odszedł od ducha renesans , porzucił spokój i gładkość, a zamiast tego dążył do elegancji, podniecenia i ruchu.
Peace Embracing Plenty autorstwa Petera Paula Rubensa , 1634, za pośrednictwem Yale Centre for British Art, New Haven; z Kolekcja mody Dolce & Gabbana na jesień/zimę 2020, sfotografowana przez Nimę Benati , za pośrednictwem strony internetowej Nima Benati
Projektanci modyDomenico Dolce i Stefano Gabbana chciałem stworzyć kampanię, która będzie wychwalać zmysłową, ale i romantyczną stronę kobiecego piękna. Peter Paul Rubens był najwłaściwszym źródłem inspiracji. Kreacje kultowego duetu doskonale współgrały ze sztuką flamandzkiego malarza. W tej kolekcji modelki pozowały z wielką szlachetnością, wyglądając jakby dopiero co wyskoczyły z jednego z obrazów Rubensa. Sceneria została zaprojektowana tak, aby przypominać barokowe lustra i detale haftu. Wdzięk postaci i pastelowa paleta kolorów doskonale podkreślały brokatową różową sukienkę. Wybór przez projektantów mody na uwzględnienie różnorodnych modeli jeszcze bardziej promował typ sylwetki tamtej epoki. Kręte linie, których używały Dolce i Gabbana, sprzeciwiały się dyskryminacji różnych typów ciała w branży modowej.
Portret Anny Austriaczki – Peter Paul Rubens , 1621-25, via Rijksmuseum, Amsterdam; z Modelka Lucette van Beek na wybiegu Dolce & Gabbana, jesień 2012 , sfotografowany przez Vittorio Zunino Celotto, via Getty Images
Damska kolekcja Dolce and Gabbana na jesień 2012 zawiera wiele cech włoskiej architektury barokowej. Ta kolekcja doskonale współgra z niezwykle ozdobnymi cechami kolekcji Sycylijski styl barokowy . Projektanci mody skupili się na architekturze barokowej widocznej w katolickich kościołach Sycylii. Punktem odniesienia był obraz Rubensa Portret Anny Austriaczki . W niej królewski portret , Anne z Austrii jest reprezentowana ubrana w hiszpańską modę. Anny czarna suknia jest ozdobiona , z pionowymi pasami zielonego haftu i złotymi detalami. Rękaw w kształcie dzwonu, znany jako Hiszpański Wielki Rękaw to również sygnatura w stylu hiszpańskim, a także marszczony kołnierzyk z koronki. Pomysłowo zaprojektowane sukienki i peleryny wykonane z luksusowych tkanin, takich jak koronki i brokat, skradły show Dolce and Gabbana.
Historia sztuki i mody: manieryzm El Greco i Cristobal Balenciaga
Fernando Nino de Guevara autorstwa El Greco (Domenikos Theotokopoulos), 1600, przez The Met Museum, Nowy Jork
Krzysztof Balenciaga można określić mianem prawdziwego mistrza mody, który w XX wieku zreformował modę kobiecą. Urodzony w małej wiosce w Hiszpanii, przeniósł esencję hiszpańskiej historii sztuki do swoich współczesnych projektów. W całej swojej karierze Balenciaga był pod wrażeniem Hiszpański renesans . Często szukał inspiracji w hiszpańskiej rodzinie królewskiej i członkach duchowieństwa. Balenciaga przekształciła kościelne elementy i monastyczne szaty epoki w arcydzieła mody, które można nosić.
Jedną z jego wielkich inspiracji był manierystyczny El Greco, znany również jako Dominikos Theotokopoulos. Patrzeć na El Greco Kardynał Fernando Nino de Guevara , istnieje podobieństwo między peleryną kardynała a projektem Balenciagi. Obraz przedstawia hiszpańskiego kardynała Fernando Niño de Guevarę z czasów El Greco w Toledo. Idee El Greco wywodziły się z neoplatonizmu włoskiego renesansu, a na tym portrecie on przedstawia kardynała jako symbol łaski Bożej” . Manieryzm jest obecny w całym obrazie. Widać to w wydłużonej sylwetce z małą głową, w pełnych gracji, ale dziwacznych kończynach, w intensywnych barwach i odrzuceniu klasycznych miar i proporcji.
Modelka w czerwonym wieczorowym płaszczu Cristóbal Balenciaga, Paris Fashion Week, 1954-55, za pośrednictwem Google Arts and Culture
Pasja Balenciagi do ubrań historycznych jest widoczna w tym ekstrawaganckim płaszczu wieczorowym z jego kolekcji z 1954 roku. Miał wizję i zdolność do przemień kształty we współczesną modę . Przesadny, wyrazisty kołnierz tego płaszcza naśladuje luźność peleryny kardynała. Czerwony kolor w stroju kardynała symbolizuje krew i gotowość umrzeć za wiarę. Intensywna czerwień została uznana przez słynnego projektanta za niezwykłą, ponieważ często wolał odważne zestawienia kolorystyczne i jasne odcienie. Jego wielką innowacją było wyeliminowanie talii i wprowadzenie płynnych linii, prostych krojów i rękawów 3/4. W ten sposób Balenciaga zrewolucjonizowała modę kobiecą.
Projektantka wprowadziła również rękawy o długości bransoletki, które pozwalały kobietom pochwalić się biżuterią. W latach 60., podczas gdy stopniowe wprowadzanie kobiet do branży pracy się działo, Balenciaga wpadł na pomysł zapewnienia komfortu, wolności i funkcjonalności kobietom, które ubierał. Promował luźne, wygodne sukienki, które kontrastowały z obcisłymi sylwetkami tamtych czasów.
Symbolika Alexandra McQueena i Gustava Klimta
Realizacja przez Gustava Klimta , 1905, via MAK – Muzeum Sztuki Stosowanej, Wiedeń; z Sukienka z kolekcji resort by Alexander McQueen , 2013, za pośrednictwem magazynu Vogue
Malarz austriacki, mistrz Symbolizm , i założyciel wiedeńskiego Secesja ruch, Gustav Klimt naznaczyły historię sztuki XX wieku. Jego obrazy i estetyka artystyczna od dawna inspiracja dla projektantów mody . Między innymi Aquilano Rimoldi, L’Wren Scott i Christian Dior, projektantem, który bezpośrednio odniósł się do Klimta, był Alexander McQueen. W kolekcji resort do kolekcji wiosna/lato 2013 zaprojektował unikatowe dzieła, które wydają się inspirowane twórczością malarza . Patrząc na lejącą się czarną sukienkę z powtarzającym się złotym wzorem na górze – może przyjść na myśl konkretny obraz. McQueen przyjął abstrakcyjne, geometryczne i mozaikowe wzory w odcieniach brązu i złota, włączając je do swoich projektów.
W 1905 Gustav Klimt malował Spełnienie , przedstawienie pary złapanej w czułym uścisku, która stała się symbolem miłości. Austriacki malarz słynie ze swoich złotych obrazów, ale także z doskonałego połączenia abstrakcji i koloru obecnego w tych pracach. Wszystkie mozaiki mają bogate złote odcienie z kalejdoskopowymi lub naturalnymi dekoracjami, które wywarły ogromny wpływ na modę. Obraz ten jest żywy dzięki kontrastującym geometrycznym kształtom między szatami dwojga kochanków. Strój mężczyzny składa się z czarnych, białych i szarych kwadratów, natomiast suknię kobiecą zdobią owalne koła i motywy roślinne. W ten sposób Klimt po mistrzowsku ilustruje różnicę między męskością a kobiecością .
Christian Dior, The Projektant Snów, I Claude'a Moneta Obrazy impresjonistyczne
Ogród artysty w Giverny – Claude Monet , 1900, via Muzeum Sztuk Dekoracyjnych, Paryż
Założyciel Impresjonizm i jeden z najwybitniejszych francuskich malarzy w historii sztuki, Claude Monet pozostawił po sobie duży dorobek artystyczny. Wykorzystując swój dom i ogród w Giverny do inspiracji, Monet uchwycił naturalny krajobraz na swoich obrazach. W szczególności w obrazie o nazwie Ogród Artysty w Giverny, udało mu się manipulować naturalnym krajobrazem do swoich potrzeb. Całość uzupełnia kontrast brązowej błotnistej ścieżki z żywym kolorem kwiatów. Słynny impresjonista często wybierał kwiat tęczówki ze względu na jego fioletowy kolor, aby uzyskać efekt jasnego słońca. Ten obraz jest pełen życia, ponieważ kwiaty kwitną i obejmują wiosnę. Płatki róż i bzu, irysów i jaśminu są częścią kolorowego raju, odtworzonego na białym płótnie.
Sukienka Miss Dior autorstwa Christiana Diora Haute Couture , 1949, via Muzeum Sztuk Dekoracyjnych, Paryż
W tym samym duchu Christian Dior , pionier francuskiego couture, odcisnął ogromny ślad w świecie mody, który jest odczuwalny do dziś. W 1949 zaprojektował kolekcję Haute Couture na sezon wiosna/lato. Jedną z głównych atrakcji tej wystawy była kultowa panna Dior suknia, w całości wyszywana płatkami kwiatów w różnych odcieniach różu i fioletu. Dior doskonale zilustrował dwa światy sztuki i mody i naśladował estetykę Moneta w tej funkcjonalnej sukience. Dużo czasu spędzał na wsi, rysując swoje kolekcje w swoim ogród w Granville , tak jak zrobił to Monet. W ten sposób on… zdefiniował elegancki styl „Dior” , włączając do swoich kreacji paletę kolorów i kwiatowe wzory Moneta.
Yves Saint Laurent, Mondrian i De Stijl
Kompozycja z czerwonym, niebieskim i żółtym autorstwa Pieta Mondriana, 1930, przez Kunsthaus Zürich Museum; z Sukienka Mondrian autorstwa Yves Saint Laurent , kolekcja jesień/zima 1965, via Met Museum, Nowy Jork
Mondrian był jednym z pierwszych artystów, którzy malowali sztukę abstrakcyjną w XX wieku. Urodzony w Holandii, w 1872 roku, zapoczątkował cały ruch artystyczny zwany the Styl . Celem ruchu było: połączyć sztukę współczesną i życie . Styl, znany również jako neoplastycyzm, był formą sztuki abstrakcyjnej, w której przy użyciu tylko zasad geometrycznych i podstawowych kolorów, takich jak czerwony, niebieski i żółty łączono z neutralnymi (czarnym, szarym i białym). Innowacyjny styl Mondriana z początku XX wieku sprawił, że projektanci mody replikowali ten czysty rodzaj sztuki abstrakcyjnej. Najlepszym przykładem obrazu De Stijl jest Kompozycja z czerwonym niebieskim i żółtym .
Jako miłośnik sztuki francuski projektant mody Yves Saint Laurent włączył obrazy Mondriana do swoich kreacji haute couture. Po raz pierwszy zainspirował go Mondrian, czytając książkę o życiu artysty, którą dostał od matki na Boże Narodzenie.
sukienki Mondrian w Muzeum Sztuki Nowoczesnej autorstwa Yves Saint Laurent, 1966, przez Khan Academy
Yves Saint Laurent powiedział nawet: „Mondrian to czystość, a w malarstwie nie można iść dalej. Arcydziełem XX wieku jest Mondrian.
Projektant pokazał swoje uznanie dla Mondriana w swojej jesiennej kolekcji z 1965 roku, znanej jako Kolekcja Mondriana . Zainspirowany geometrycznymi liniami i odważnymi kolorami malarza, zaprezentował sześć sukienek koktajlowych, które zaznaczył jego kultowy styl i ogólnie era lat sześćdziesiątych. Każdy z Sukienki Mondrian trochę się różniły, ale wszystkie miały wspólny prosty kształt w kształcie litery A i długość do kolan bez rękawów, która podkreślała każdy typ sylwetki.
Elsa Schiaparelli i Salvador Dali
Trzy młode surrealistyczne kobiety trzymające w ramionach skóry orkiestry Salvadora Dalí .a ,1936, przez Muzeum Dali, St. Petersburg, Floryda
Urodzony w 1890 w arystokratycznej rodzinie z Rzymu, Elsa Schiaparelli wkrótce wyraziła swoją miłość do świata mody. Zaczęłaby rozwijać swój rewolucyjny styl inspirowany futuryzmem, Dadaista , oraz Surrealizm . W miarę rozwoju swojej kariery, ona połączony ze znanymi surrealistami i dadaistami, takimi jak Salvador Dali, Man Ray, Marcel Duchamp i Jean Cocteau. Współpracowała nawet z hiszpańskim artystą Salvadorem Dali. Jego estetyczny i surrealistyczny absurd sprawił, że Dali stał się najsłynniejszym malarzem Ruch surrealistyczny .
Suknia łez autorstwa Elsy Schiaparelli i Salvadora Dali , 1938, via Victoria and Albert Museum, Londyn
Jeden z największych współpraca w historii mody był to Dali i Elsa Schiaparelli. Ta suknia została stworzona wspólnie z Salvador Dali , jako część kolekcji Schiaparelli Circus z lata 1938. Suknia nawiązuje do obrazu Dalego, na którym przedstawiał kobiety z rozdartym ciałem.
Zdjęcie Salvadora Dalií i Elsy Schiaparelli , ok. 1949, przez Muzeum Dalego
Dla artystów surrealistów poszukiwanie idealnej kobiety było skazane na niepowodzenie , ponieważ ideał istniał tylko w ich wyobraźni, a nie w rzeczywistości. Intencją Dali nie było jednak: przedstawiać kobiety realistycznie, więc ich ciała wcale nie są estetyczne. Schiaparelli chciał poeksperymentować z tą grą ukrywania i odsłaniania ciała, dając iluzję wrażliwości i odsłonięcia. Sukienka z łez iluzji został wykonany z jasnoniebieskiej jedwabnej krepy, a nadruk został zaprojektowany przez Dalego, aby przypominał trzy kobiety z jego obrazu. Łzy odsłaniają różowy spód materiału, z ciemniejszym różem w dziurach.
Projektanci mody i pop-art: Gianni Versace i Andy Warhol
Dyptyk Marilyn autorstwa Andy'ego Warhola , 1962, przez Tate, Londyn
The Pop Art Era była prawdopodobnie najbardziej wpływowym okresem dla projektantów mody i artystów w historii sztuki. Andy Warhol był pionierem w połączeniu popkultury i wysokiej mody, dzięki czemu stał się ikoną symbol ruchu Pop Art . W latach sześćdziesiątych Warhol zaczął praktykować swoją charakterystyczną technikę, znaną jako sitodruk.
Jednym z jego najwcześniejszych i niewątpliwie najsłynniejszych dzieł był: Dyptyk Marilyn . Do tego dzieła inspirował się nie tylko popkulturą, ale także historią sztuki i malarzami abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Warhol zdobył dwa światy Marily Monroe, życia publicznego gwiazdy Hollywood i tragicznej rzeczywistości Normy Jeane, kobiety zmagającej się z depresją i uzależnieniem. Po lewej stronie dyptyk wzmacnia żywiołowość, po prawej zaś rozpływa się w ciemności i mroku. W próbie przedstawić społeczeństwo konsumpcjonizmu i materializmu przedstawiał jednostki jako produkty, a nie istoty ludzkie.
Linda Evangelista w sukni „Warhol Marilyn” autorstwa Gianniego Versace , 1991
Włoski projektant Gianni Versace miał długotrwała przyjaźń z Andym Warholem. Obaj panowie byli oczarowani kulturą popularną. Aby upamiętnić Warhola, Versace zadedykował mu swoją kolekcję wiosenno-letnią z 1991 roku. Jedna z sukienek zawierała nadruki Warhola Marilyn Monroe. Do spódnic i sukienek maxi włączył jaskrawo kolorowe, sitodrukowe portrety Marilyn i Jamesa Deana, pochodzące z lat 60. XX wieku.