Sztuka postmodernistyczna zdefiniowana w 8 kultowych dziełach

Dyptyk Marilyn Andy Warhol, 1962,przez Tate, Londyn (w lewo); z Autoportret przez Andy'ego Warhola , 1986,przez Christie’s (w środku); oraz Różowa Pantera autorstwa Jeffa Koonsa , 1988, via MoMA, Nowy Jork (po prawej)

Zastąpienie sztuki postmodernistycznejmodernizmi poprowadziła drogę do Sztuka współczesna . Pojawił się w połowie XX wieku i trwał do wczesnych lat. Jak w każdym okresie historii sztuki, nie jest łatwo podać bardzo jasną definicję postmodernizmu. Jednak niektóre powtarzające się atrybuty charakteryzują ten styl sztuki.

Czym jest sztuka postmodernistyczna?

Dwóch autorów odegrało kluczową rolę w ustanowieniu terminu „postmodernizm”, określającego naturę sztuki postmodernistycznej. Jednym z nich był Charles Jencks ze swoim esejem Powstanie architektury postmodernistycznej (1975). A po drugie Jean-Fraçois Lyotard ze swoim tekstem Stan postmodernizmu (1979). Nawet jeśli te pisma ukuły termin postmodernizm, należy w tym miejscu ponownie podkreślić, że sztuka postmodernistyczna nie może ograniczać się do jednego stylu czy teorii. Wiele form sztuki uważa się raczej za sztukę postmodernistyczną. Obejmują one Pop Art , Sztuka konceptualna , Neoekspresjonizm , Sztuka feministyczna ,lub sztuka Młodzi brytyjscy artyści około 1990 roku.

Wytnij kawałek przez Yoko Ono , 1964,przez The Lonely Palette

Sztuka postmodernistyczna: krytyka, sceptycyzm, ironia

Jean-Francois Lyotard i inni teoretycy określili następujące cechy sztuki postmodernistycznej: Przede wszystkim ruch artystyczny jest uważany za ruch, który odrzucił modernizm niezachwianą wiarę w postęp, którą zdyskredytowała polityka totalitarna XX wieku. Drugą ważną cechą jest wątpliwość o istnienie obiektywnie zrozumiałej rzeczywistości. Dlatego kluczową koncepcją sztuki postmodernistycznej jest pluralizm. Zgodnie z postmodernistycznymi ideami wszelka wiedza i wszelka percepcja podlegają względności. Wyrażało się to w sztuce poprzez krytykę, sceptycyzm i ironię. Dla wielu artystów pisma francuskiego filozofa Jacques Lacan zbudował ważny fundament filozoficzny. Przyjrzyjmy się teraz 8 ikonicznym przykładom sztuki postmodernistycznej.

1. Andy Warhol – Marilyn Dyptyk (1962) Godło wczesnej sztuki postmodernistycznej

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Praca Dyptyk Marilyn z 1962 jest sitodrukiem artysty Pop Art Andy Warhol . Dyptyk składa się z lewego i prawego panelu, przedstawiając raz w kolorze, raz w czerni i bieli portret artystki Marilyn Monroe. Portret Marilyn Monroe to fotografia prasowa z lat 50., którą Warhol wykorzystał tu dziesięć lat później w swojej sztuce.

Dyptyk Marilyn przez Andy'ego Warhola , 1962,przez Tate, Londyn

Dzieło sztuki Dyptyk Marilyn (1962) z różnych powodów można określić mianem sztuki postmodernistycznej. Andy Warhol bawi się tutaj estetyką typową dla branży reklamowej, a także typową dla sztuki Warhola. Grafika i technika Warhola również przypominają druk gazet. Wykorzystując to wszystko w swoim dyptyku artysta zakwestionował klasyczną formę przedstawienia znaną ze sztuki współczesnej.

Co więcej, powtórzenie portretu w dyptyku można odczytywać jako ironiczny komentarz do rosnącej masowej produkcji i autentyczności w sztuce. Andy Warhol często kwestionował tradycyjną ideę sztuki wysokiej w swoich grafikach i obrazach. Jego dzieła sztuki można uznać za zabawną odpowiedź na to pytanie.

2. Roy Lichtenstein – Łam! (1963)

Roy Lichtenstein 's Łom! to wielkoformatowy obraz składający się z dwóch części. Obraz w formie przypomina komiks, gdyż zarówno motywy, jak i dymki oraz onomatopeje obrazu wywodzą się z estetyki komiksu. Trzeba przyznać, że ta estetyka zasadniczo różni się od przedstawionych powyżej prac Andy'ego Warhola.

Niemniej jednak dzieło Lichtensteina można również uznać za postmodernistyczne, ponieważ zaciera granice między kulturą wysoką a popkulturą. W przeciwieństwie do Warhola, Lichtenstein konfrontuje tu klasyczną metodę malowania z motywami, które wcześniej w sztuce współczesnej nie istniały.

Łom! autor: Roy Lichtenstein , 1963,przez Tate, Londyn

Skład pracy Łom! pochodzi z panelu stworzonego przez artystę komiksowego Irva Novicka. To jest część komiksu All-American Men of War (1962). W sztuce postmodernistycznej powracała także dyskusja o dwóch wojnach światowych, których ludzie musieli doświadczyć w XX wieku. Praca Roya Lichtensteina nie jest wyraźną konfrontacją z II wojną światową. Jednak wybór motywu i przedstawienie go w estetyce pop można interpretować jako ironiczny komentarz do gloryfikacji wojny.

3. Joseph Kosuth – jedno i trzy krzesła (1965)

Józef Kosuth jest znanym artystą konceptualnym. Jego praca Jedno i trzy krzesła pochodzi z 1965 roku i jest czymś w rodzaju wzorcowego przykładu sztuki konceptualnej. Praca jest formą artystycznego spojrzenia na filozofię Platona i refleksją Alegoria jaskini Platona . W tej alegorii idea przedmiotu reprezentuje najwyższą ze wszystkich rzeczywistości.

Jedno i Trzy Krzesła przez Josepha Kosutha, 1965, przez MoMA, Nowy Jork

Swoją pracą Jedno i trzy krzesła Joseph Kosuth zareagował również na założenie współczesnych artystów, że dzieło sztuki musi być zawsze przedmiotem. Dla Kosutha idea ta stoi ponad dziełem sztuki jako przedmiotem. W tym sensie, Jedno i trzy krzesła można też czytać jako krytyczny komentarz do idei prawdy uniwersalnej.

4. Carolee Schneemann - Wewnętrzny Zwój (1975)

Z performansami jako nową formą sztuki, wielu artystów w latach 50. i 60. kwestionowało relacje między dziełem sztuki a widzem. Występujący artysta Carolee Schneeman zrobił to w radykalny sposób. W jej występie Przewiń do wnętrza , artysta rozbierał się przed publicznością. Potem czytała nago ze swojej książki Cézanne, była wielką malarką (1967). Następnie Snowman pomalował jej ciało i po chwili powoli wyciągnęła pasek papieru z pochwy. Następnie przeczytała na głos tekst zapisany na pasku papieru.

Przewiń do wnętrza autor: Carolee Schneemann , 1975, via Tate, Londyn

Spektakl Carolee Schneemann jest tu oczywiście skierowany przeciwko wszystkim klasycznym ideom sztuki i kultury wysokiej, które istniały jeszcze w połowie XX wieku. Spektakl jest aktem feminizmu, który kwestionuje sens i klasyczną (re-)prezentację kobiecego ciała. Wraz z wykonaniem książki Schneemanna o artyście Cézanne, Carolee Schneemann również tutaj otwarcie zadaje modernizmowi cios uboczny, ponieważ Paul Cézanne był ważną postacią we współczesnym malarstwie.

5. Cindy Sherman – Film bez tytułu nr 21 (1978)

Film bez tytułu nr 21 przez Cindy Sherman , 1978, via MoMA, Nowy Jork

Ta czarno-biała fotografia jest częścią Cindy Sherman Niezatytułowane fotosy filmowe cykl, który artysta stworzył w latach 1977-1980. Widzimy tu bohaterkę filmu, młodą kobietę kariery, w kostiumie iz kapeluszem. W niej Niezatytułowane fotosy filmowe, Cindy Sherman wcieliła się w szereg stereotypowych postaci kobiecych: wampirzycę, ofiarę, kochankę, kobietę zawodową itp.

The fotografia Seria pojawia się na tej liście postmodernistycznych dzieł nie bez powodu: fotografie Shermana dotyczą fragmentarycznej, postmodernistycznej tożsamości. Cindy Sherman reprezentuje tę fragmentaryczną tożsamość, ponieważ sama jest zawsze fotografką i fotografką jednocześnie. Motywy fotografii można też odczytywać jako krytyczny komentarz do kobiecych taśm filmowych z lat 50. XX wieku.

6. Gilbert i George – Gordon upija nas (1972)

Gordon’s sprawia, że ​​jesteśmy pijani przez Gilberta i George'a , 1972, via Tate, Londyn

Ta praca pary artystów Gilbert & George jest przykładem sztuki postmodernistycznej, która szczególnie charakteryzuje się ironią. W tym krótkim filmie, początkowo przypominającym reklamę, Gilbert i George nie robią nic poza piciem najlepszego ginu lat 70. (jak Gordon's Gin był wtedy sławny). Brak ekspresji artystów w teledysku, a także surowa i pozbawiona napięć fabuła oraz powtarzające się stwierdzenie Gordona upija nas, tworzy absurdalny film. W swojej pracy Gilbert i George oczywiście naśmiewają się z branży reklamowej, ale także z tradycyjnych pojęć tożsamości i elitarnego zachowania.

7. Guerilla Girls – Czy kobiety muszą być nagie, aby dostać się do Met. Muzeum? (1989)

Czy kobiety muszą być nagie, aby dostać się do Met. Muzeum? autorstwa Guerilla Girls , 1989, via Tate, Londyn

Druga fala feminizmu również wpada w epokę postmodernizmu. Wiele artystek, a także grup artystycznych, takich jak Partyzanckie dziewczyny włączyli swoje poglądy polityczne i walkę o więcej praw kobiet do dzieł sztuki postmodernistycznej. Z ich pracą graficzną Czy kobiety muszą być nagie, aby dostać się do Met. Muzeum? (1989) Partyzantki wyraźnie skrytykowały instytucje sztuki. Zwrócili oczywiście uwagę na to, że kobiety jako (nagie) motywy są mile widziane w dużych i renomowanych muzeach, ale jako artystki mają trudności z wejściem do tych domów z własnymi dziełami.

8. Damien Hirst – Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle kogoś żyjącego (1991)

Fizyczna niemożliwość śmierci w umyśle kogoś żyjącego autorstwa Damiena Hirsta , 1991, przez Fineartmultiple

Damien Hirst 's Fizyczne niemożliwości śmierci w umyśle kogoś żyjącego (1991) jest również znany jako Rekin. Powodem tego jest treść tego dzieła sztuki, którym jest rekin tygrysi w formaldehydzie. Artysta Damien Hirst był częścią tzw Młodzi brytyjscy artyści , którzy zasłynęli z prowokacyjnych, a także szokujących dzieł sztuki. W tej pracy Damien Hirst konfrontuje widzów swoich prac z ich własną śmiercią, która objawia się w rekinie tygrysim.

Notatka o sztuce postmodernistycznej

Ten wybór dzieł sztuki postmodernistycznej powinien pomóc ci zrozumieć, co oznacza termin postmodernizm. Dobór pokazuje jednak również, że sztuka postmodernistyczna jest terminem nieuchwytnym. Sztuka postmodernistyczna może mieć nieskończone odmiany, bo odchylenie od normy stało się wówczas czymś w rodzaju „programu” tej sztuki.