7 imponujących malarzy północnego renesansu i ich arcydzieła

Fragment zdjęcia Zejście z krzyża Rogier van der Weyden, przed 1443, via Muzeum Prado, Madryt

Kiedy mówimy o renesansie północnym, mamy na myśli innowacje techniczne i artystyczne, które miały miejsce na północ od Alp od połowy XIV wieku do początku XVI. Niemniej jednak postrzegana dychotomia między Północą a Włoscy malarze renesansu to w dużej mierze nowoczesny wynalazek. Do XVI wieku Niderlandy Burgundzkie można było z łatwością uznać za kulturowe jądro Europy.

Dzisiejsi miłośnicy sztuki mogą być zachwyceni domniemaną wyższością włoskich malarzy renesansowych, takich jak Leonardo da Vinci , Rafał , jakiśd Michał Anioł. Ale w XV wieku malarze północnego renesansu byli modni i korzystali z licznych zamówień od włoskich mecenasów. Szczególnie pożądana była zdolność malarzy Północy do naśladowania rzeczywistości z niezwykłą naturalizm – talent, który został dobrze udokumentowany w całej Europie.

Oryginalni malarze północnego renesansu: bracia Limbourg

Piękne godziny Jeana de France , duc de Berry (f.30r: Zwiastowanie) za pomocąBracia Limbourg ,1405-09 przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Herman, Paul i Jean de Limbourg – bardziej znani jako Bracia Limbourg – urodzili się w Nijmegen między 1385 a 1390 rokiem. Podczas gdy inni renesansowi malarze z tej listy specjalizowali się w oleju na drewnianych panelach, bracia Limbourg byli mistrzami iluminacji rękopisów. Byli niezwykle utalentowanymi iluminatorami, a nawet zlecono im zilustrowanie Biblii dla księcia Burgundii Filipa Śmiałego. Jednak najsłynniejsze zamówienia braci dotyczyły brata Filipa, Jeana de France, księcia de Berry (także brata króla Francji Karola V). To były Piękne godziny oraz Bardzo bogate godziny księcia Berry – niewątpliwie dwa z najbogatszych rękopisów, jakie przetrwały ze średniowiecza .

Bardzo bogate godziny księcia Berry (luty), ze szczegółem po prawej stronie, za pomocąBracia Limbourg ,1412-40, w Muzeum Condé, Château de Chantilly

Powyższy obraz pochodzi z sekcji kalendarza Bardzo bogate godziny, konkretnie miesiąc luty. Ta fantastycznie szczegółowa strona ilustruje wnikliwą obserwację świata przyrody przez braci Limbourg. Przed XV wiekiem iluminacje rękopisów nie zwracały uwagi na prawa natury, a symbolika religijna miała pierwszeństwo przed naturalizmem. W konsekwencji naturalistyczny obraz olejny, który rozkwitł w północnym renesansie w XV wieku, zawdzięcza swój wielki dług innowacjom braci Limbourg. Niestety Tres Riches Heures nigdy nie został ukończony – bracia mogli zginąć w wyniku epidemii dżumy w 1416 roku. Niemniej jednak na późniejszych artystów duży wpływ wywarli bracia Limbourg. obrazy.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Robert Campin lub mistrz Flémalle

Portret mężczyzny autor: Robert Campin , 1435, via The National Gallery, Londyn (po lewej); z Portret kobiety autor: Robert Campin , 1435, via The National Gallery, Londyn (po prawej)

Robert Campin (1378/9 – 1444) działał jako artysta w Tournai od 1406 roku. Campin i Mistrz Flémalle, kiedyś uważani za odrębne jednostki, obecnie są powszechnie uważani za jedno i to samo. Wraz z Janem van Eyckiem, Robert Campin jest często nazywany twórcą naturalistycznego stylu malarstwa panelowego, który kwitł w okresie północnego renesansu, szczególnie w burgundzkie Holandia .

Tryptyk Merode przy Pracowni Roberta Campin , 1427-32, przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Tryptyk Merode , związany z Warsztatem Roberta Campina, jest jednym z najważniejszych obrazów północnego renesansu. Był to jeden z najwcześniejszych obrazów tablicowych przedstawiający scenę biblijną (w tym przypadku Zwiastowanie) w naturalistycznym wnętrzu, które oczywiście nie było przestrzenią kościelną. Stało się to podstawowym motywem północnego renesansu. Rzeczywiście, tryptyk był niezwykle płodny przez cały XV wiek, a elementy obrazu były wielokrotnie kopiowane zarówno w malarstwie tablicowym, jak i rękopisach. Zakres, w jakim Campin pracował nad Tryptyk Merode sam jest nieznany. Zgodnie z konwencją malarzy północnego renesansu, Robert Campin nie pracował sam: kierował warsztatem zatrudniającym praktykantów i czeladników do pomocy przy pracach. Cenionym malarzem renesansowym, który rozpoczął karierę artystyczną jako uczeń Roberta Campina, był nie kto inny jak Rogier van der Weyden.

Rogier van der Weyden

Grawerowanie Autoportret Rogiera van der Weyden Cornelis Cort, wg van der Weyden , 1572, przez Muzeum Prado, Madryt

Rogier van der Weyden (ok. 1399-1464) służył jako uczeń Roberta Campina w Tournai w latach 1427-1432. Później prawdopodobnie zastąpił swojego mistrza i stał się jednym z największych malarzy północnego renesansu, a w 1435 r. Rogier van der Weyden der Weyden został oficjalnym malarzem miasta Brukseli. Wraz ze swoim współczesnym Janem van Eyckiem Rogier był bardzo chwalony przez Giorgio Vasari w swojej doniosłej książce, Życie artystów. Najbardziej udokumentowana na przestrzeni wieków była zdolność Rogiera do przekazywania ludzkich emocji na swoich obrazach i słynął ze swoich bolesnych przedstawień Męki Chrystusa. Nawet w rytowanym portrecie Rogiera, zaprojektowanym długo po jego śmierci, artysta widnieje na tle wzruszającego portretu Matki Boskiej tulącej zmarłego Chrystusa.

Zdjęcie z krzyża autorstwa Rogiera van der Weyden , przed 1443 przez Muzeum Prado, Madryt

Rogera Zejście z Krzyża s, stworzony dla Gildii Łuczników w Leuven, był monumentalnym i imponującym dziełem sztuki. Obecnie przechowywany w Museo del Prado w Madrycie, został kupiony przez Filip II z Hiszpanii w 1555 za monumentalną sumę – oczywiście ceniony przedmiot kolekcjonerski nawet w XVI wieku! Obraz przedstawia Chrystusa niesionego z krzyża po Ukrzyżowaniu i jest wzniosłym przykładem zdolności emocjonalnych Rogiera. Dziewica Maryja (po lewej stronie Chrystusa) mdleje, pogrążona w smutku z powodu utraty syna. Jej cierpienie emocjonalne dorównuje fizycznemu cierpieniu Chrystusa poprzez ich fizyczne formy: zobacz, jak pozycje ciała matki i syna naśladują się nawzajem, a postacie, które zaludniają obraz, ronią bolesne łzy. Nazywany w ostatnich latach Mistrzem Namiętności, naturalistyczne zdolności Rogiera van der Weydena przewyższył jedynie Jan van Eyck.

Jan van Eyck

Portret mężczyzny (Autoportret?) Jan van Eyck , 1433, przez The National Gallery, Londyn.

Jan van Eyck (ok. 1390 – 1441): jeden z najbardziej wzniosłych malarzy północnego renesansu swoich czasów i na pewno najbardziej sławny dzisiaj. Powyższy obraz ma być autoportretem Jana van Eycka, a w jego ramę wpisana jest fraza Als Ich Can. W tłumaczeniu Jak (najlepiej jak potrafię) czy Jak Eyck Can, to zarówno skromne motto o naturze sztuki, jak i sprytna gra z nazwiskiem artysty. Van Eyck, oficjalny malarz dworski księcia Burgundii, wykonywał wiele zleceń dla osób zamożnych. Wiele obrazów Van Eycka było niezwykle wpływowych i wywołało bogactwo kopii i hołdów. Wśród arcydzieł takich jak Ołtarz Gandawski ,jedno z najbardziej wpływowych dzieł Van Eycka było jego Portret Arnolfini.

Portret Arnolfini, ze szczegółem po prawej stronie, Jan van Eyck , 1434, via The National Gallery, Londyn

Obraz Giovanniego Arnolfini, bogatego kupca z Lukki, mieszkającego w Brugii, i jego żony, przez lata przyciągnął wiele uwagi. Słynny historyk sztuki Erwin Panofsky myślał, że przedstawia małżeństwo, a obraz jest często błędnie zatytułowany „Wesele Arnolfini”. Jednak teoria ślubu jest ogólnie dyskredytowana, a praca jest uważana za wizualne stwierdzenie znacznego bogactwa postaci. Kobieta nie jest w ciąży, jak się często sądzi, ale jako symbol statusu trzyma nadmierną ilość luksusowych i drogich tkanin. Uważa się, że portret podwójny jest pierwszym portretem świeckim – ponieważ nie przedstawia na pierwszym planie tematu biblijnego. Ponadto nad lustrem swoje nazwisko podpisał Jan van Eyck. Van Eyck i jemu współcześni byli jednymi z pierwszych artystów, którzy podpisali swoje prace, zapoczątkowując w ten sposób tradycję, która trwa do dziś.

Dieryczne napady

Portret Dierycznych ataków przez Cornelisa Cort , 1572, przez The British Museum, Londyn

Dieric Bouts (ok. 1400-1475) jest prawdopodobnie najbardziej niedocenianym z wczesnych mistrzów niderlandzkich. Niemniej jednak był niezwykle wpływowy na przyszłość Holenderski Złoty Wiek malarstwa i był w równym stopniu inspiracją dla jego włoskich współczesnych. Pod koniec życia Bouts został oficjalnym malarzem miasta Leuven – naśladując swojego współczesnego, Rogiera van der Weydena, który miał warsztat niecałe dwadzieścia mil dalej w Brukseli.

Ołtarz Najświętszego Sakramentu Dieryczne napady , 1464-1468 , przez Muzeum Leuven (po lewej); z Portret mężczyzny (Jan van Winckele?) przez Dierica Bouts , 1464, via The National Gallery, Londyn (po prawej)

Jedną z wielu innowacji Dierica Boutsa było zastosowanie perspektywy jednopunktowej w jego Ostatnia Wieczerza ołtarz w Leuven. Perspektywa jednopunktowa była już podstawą włoskich malarzy renesansowych, ale Bouts jako pierwszy naprawdę z nią eksperymentował na północ od Alp. Jednak Bouts jest chyba najbardziej godny uwagi ze względu na jego postępy w gatunku portretu i malarstwa pejzażowego. Jego dbałość o szczegóły w jego naturalnym środowisku utorowała drogę pejzażystom holenderskiego złotego wieku. Ponadto jego 1462 Portret mężczyzny , uważany za Jana van Winckele, jest najwcześniejszym datowanym portretem przedstawiającym krajobraz z okna. Ta szybko stała się płodną kompozycją w XV i XVI wieku i została spopularyzowana przez renesansowych malarzy niderlandzkich i włoskich.

Hieronim Bosch

Portret Hieronima Boscha przez Cornelisa Cort , 1572 przez The British Museum, Londyn

Hieronymus Bosch urodził się w połowie XV wieku w miasteczku niedaleko Antwerpii, na terenie dzisiejszej Belgii. Spośród wszystkich mistrzów niderlandzkich Bosch miał prawdopodobnie najbardziej dalekosiężny i nieoczekiwany wpływ. Jego prace zostały odnotowane jako główne wpływy na ruch surrealistyczny ponad 400 lat po ich stworzeniu. Bosch wymyślił fantastyczne panoramy wypełnione tłumami postaci, w tym osobliwymi, często groteskowymi stworami. Jednym z takich przykładów jest jego Ogród rozkoszy ziemskich .

Ogród rozkoszy ziemskich przez Hieronymusa Boscha , 1490-1500 przez Muzeum Prado, Madryt

The Ogród rozkoszy ziemskich to najbardziej rozbudowane i skomplikowane dzieło Boscha: tak wiele dzieje się w obrazie, trudno zdecydować, gdzie najpierw spojrzeć! Lewy panel przedstawia raj w Edenie, z Adamem i Ewą z Bogiem Ojcem na pierwszym planie. Prawy panel przedstawia piekielny krajobraz, w którym jednocześnie odbywa się wiele kar. Centralny panel przedstawia to, co na pierwszy rzut oka wydaje się być rajem. Jednak panel jest przesiąknięty wizjami pożądania, grzesznego czynu. We wszystkich trzech panelach Bosch stworzył dziwaczne, niehumanoidalne postacie i dziwną architekturę, które mogą oszukać oko, myśląc, że oglądamy pracę autorstwa Surrealista malarz, Salvador Dali.

Jan Gossaert: Ostatni z malarzy północnego renesansu?

Portret mężczyzny (Autoportret?) przez Jana Gossaerta, 1515-20, w The Currier Museum of Art, Manchester, za pośrednictwem Web Gallery of Art

Jan Gossaert (1478-1532), francuskojęzyczny malarz z Niderlandów, jest często uznawany za twórcę włoskiego renesansu w Europie Północnej. W 1508 Gossart rozpoczął pracę jako malarz nadworny dla Filipa Burgunda. W październiku tego roku Filip udał się z wizytą dyplomatyczną do Watykanu, więc Gossart udał się ze swoim patronem do Rzymu. Będąc we Włoszech, Jean Gossart był niewątpliwie inspirowany włoskim zamiłowaniem do starożytności.

Adam i Ewa Jan Gossaert , 1520, przez The National Gallery, Londyn (po lewej); z Św. Łukasz malujący Madonnę Jan Gossaert , 1520, via Kunsthistorisches Museum, Wiedeń (po prawej)

Jana Gossaerta Adam i Ewa bliższe są formą figurom malarzy włoskiego renesansu niż, powiedzmy, figurom Jana van Eycka w latach 90-tych XX wieku Ołtarz z Gandawy. Rzeczywiście, akty Gossaerta ukazują posągowe, muskularne formy kojarzące się bardziej z starożytnością, a długie, płynące loki Ewy znacznie bardziej przypominają Botticellego Wenus niż jakikolwiek portret Północy.

Podobnie w jego Św. Łukasz malujący Madonnę , architektura Gossaerta trzyma się ścisłej perspektywy kompozycyjnej, która była popularna w kręgach włoskich (podobnych do tych, które artyści północnego renesansu w większości ignorowali). Co więcej, mocno zdobione i zaokrąglone łuki wewnętrznego pokoju przypominają kolumny i świątynie starożytności bardziej niż wyszukaną gotycką architekturę, która wciąż kwitła w Europie Północnej w tym czasie.

Tak więc, po Janie Gossaert, średniowieczne sentymenty, które zdominowały ekspresję północnego renesansu, prawdopodobnie osłabły, przewrócone na korzyść ożywione zainteresowanie klasycznymi formami starożytności . Niemniej jednak spuścizna malarzy północnego renesansu przetrwała przez następne stulecia.