Sztuka i moda: 9 znanych sukienek w malowaniu, które zaawansowany kobiecy styl

Portret Madame X Johna Singera Sargenta, 1883-84 (po lewej); z Muzyk autorstwa Tamary Łempickiej, 1929 (w środku); oraz Symfonia w bieli nr 1: Biała dziewczyna James McNeill Whistler, 1862 (po prawej)

Dla tych kobiet wszystko, od ich bogactwa, charakteru i postaw politycznych/społecznych, wskazywało na to, kim były oparte na tych obrazach. Czy wiedzieli o tym, czy nie, wpływali na trendy w modzie, oburzali krytyków i wykorzystywali modę, aby zaprezentować się otaczającemu ich światu. Poniżej znajduje się dziewięć obrazów ze słynnymi sukienkami, które wahają się od Renesans aż do czasów współczesnych .

Renesansowe obrazy ze słynnymi sukienkami

The renesans był czasem ożywienia kulturalnego i artystycznego, jak klasycyzm dokonał rewolucyjnego powrotu w społeczeństwach europejskich . Jednak w tym okresie nastąpiły również znaczące zmiany w modzie; spójrz, jak słynne sukienki na obrazach wpłynęły na modę w okresie renesansu.

Portret Arnolfini (1434) przez Jana Van Eyck

Portret Arnolfini Jan Van Eyck , 1434, via The National Gallery, Londyn

Jan van Eyck 's Portret ślubny Arnolfini jest podstawą w badaniu tkaniny w portretach. Technika Van Eycka nie pozostawia nic wyobraźni, ponieważ jego podejście do malowania tkanin tworzy realistyczne i trójwymiarowe doświadczenie. Szmaragdowo-szmaragdowa zieleń jej wełnianej odzieży i rękawy z gronostajami pokazują status rodziny, ponieważ tylko zamożni klienci mogli sobie pozwolić na tkaniny przedstawione powyżej.

Wełna, jedwab, aksamit i futro były rzadkie i droższe w produkcji w porównaniu z bawełną czy lnem i były symbolem statusu, na ile można było kupić. Pokazuje również bogactwo jej męża, ponieważ pokazuje, że mógł sobie pozwolić na zakup wielu metrów materiału, aby stworzyć jej suknię. Jednym z najbardziej dyskutowanych pytań dotyczących obrazu jest to, czy kobieta na zdjęciu (przypuszczalnie żona Arnolfini) jest w ciąży. Spódnice renesansowe były tak pełne i ciężkie, że kobiety podnosiły spódnice, aby łatwiej było się poruszać.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Bardzo bogate godziny księcia Berry Kwiecień przez braci Limbourg , 1412-16, w Musée Condé, Chantilly, za pośrednictwem The Web Gallery of Art, Washington DC (po lewej); z Bardzo bogate godziny księcia Berry Ogród Eden przez Bracia Limbourg , 1411-16, w Musée Condé, Chantilly, za pośrednictwem The Web Gallery of Art, Washington DC (po prawej)

Dodane zmysłowe fałdy jej sukni ujawniają również tendencję do przedstawiania kobiet z zaokrąglonymi taliami, ponieważ ukazują nadzieję na poczęcie dzieci podczas małżeństwa. Innym tego przykładem są bracia Limbourg Bardzo bogate godziny księcia Berry. Na obu obrazach samice mają zaokrąglone brzuchy. Obraz po lewej przedstawia ślub i jest porównywalny z portretem Arnolfini, ponieważ obie kobiety przedstawiają obraz macierzyństwa w oczekiwaniu na ciążę. Bez patrzenia na obraz nowoczesnym obiektywem można w nim odbierać jako zapis tego, co nosiły kobiety i co było ważne, aby ludzie ujawnili innym.

Obrazy barokowe i rokokowe

The Barok i Rokoko okresy mogą charakteryzować się wyszukaną dekoracją, dekadencją i żartobliwością. Trendy te widoczne były nie tylko w sztuce, ale także w modzie poprzez misterne zdobienia i bogate suknie. Rzuć okiem na niektóre ze słynnych sukienek inspirowanych dziełami sztuki.

Elizabeth Clarke Freake (Pani John Freake) i Mała Mary (1674)

Elizabeth Clarke Freake (Pani John Freake) oraz Mała Mary przez Nieznanego Artystę , 1674, Muzeum Sztuki Worcester

Dbałość o szczegóły tego nieznanego artysty i skupienie się na ubiorze sprawia, że ​​obraz ten jest ważnym zapisem życia dla Purytanie z Nowej Anglii . Na tym zdjęciu Elżbieta jest ubrana w piękne tkaniny i dodatki z XVII wieku w Ameryce. Jej biały koronkowy kołnierzyk wskazuje na popularną europejską koronkę spotykaną wśród arystokratek. Z jej sukienki wystaje złota, haftowana aksamitna halka, a rękawy ozdobione są wstążkami. Jest ozdobiona biżuterią z naszyjnika z pereł, złotego pierścionka i bransoletki z granatów. Ten obraz oferuje wyjątkowe spojrzenie na purytańskie życie Elżbiety i jej rodziny.

Artysta potrafi w skromnej oprawie łączyć obrazy ich bogactwa. Obraz wyraźnie pokazuje bogactwo Elżbiety, która decyduje się nosić najlepsze ubrania i biżuterię. Odzwierciedla również bogactwo jej męża, Johna Freake'a, który mógł sobie pozwolić na te luksusy i zlecić wykonanie zarówno tego, jak i własnego portretu. Obraz oznaczałby także ich purytańską postawę wdzięczności wobec Boga, bo bez Jego błogosławieństwa nie mogliby mieć tych luksusów.

Huśtawka (1767) przez Jean-Honore Fragonard

Huśtawka autor: Jean-Honore Fragonard , 1767, za pośrednictwem The Wallace Collection, Londyn

Jean-Honore Fragonard 's Huśtawka jest przykładem stylu rokoko we francuskich kręgach arystokratycznych. Obraz był prywatnym zleceniem, w którym francuski dworzanin poprosił Fragonarda o namalowanie tego obrazu jego i swojej kochanki. Umieszczony za zamkniętymi drzwiami obraz odsłania luksus, frywolność i tajność francuskiego dworu królewskiego.

Pastelowa różowa sukienka wyróżnia się wśród bujnego ogrodu i jest centralnym punktem tego utworu. Fragonard maluje sukienkę luźnymi pociągnięciami pędzla, które naśladują szerokie spódnice i marszczony gorset jej sukienki. Jego luźne pędzle pokrywają się z tematem tej idyllicznej sceny ogrodowej, która jest pełna zalotnych i kapryśnych obrazów. Ze wszystkimi zwężeniami gorsetów, kłębowisk i osłon kobiecych ubrań, jedynym miejscem, w którym ich nie było, był dolny rąbek kobiecej spódnicy. Fragonard wykorzystał to na swoją korzyść, przedstawiając kobietę kołyszącą się w idealnym miejscu, aby jej kochanek mógł zajrzeć do jej spódnicy. Prywatna komisja pozwoliła Fragonardowi eksperymentować z jego tematyką, a widzom pozwoliła odkryć, jak wyglądałoby życie najbogatszych ludzi na dworze.

Suknia francuska, suknia z XVIII-wiecznej Francji , 1770, przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Jego malarstwo pokazuje również trendy panujące na francuskim dworze w modzie. Rokoko przekroczyło modę, sztukę i architekturę, tworząc coś wyjątkowo francuskiego. Moda rokoko obejmowała najbardziej luksusowe tkaniny, w tym pastelowe jedwabie, aksamity, koronki i kwiatowe wzory. Zawierała również nadmierną ilość kokardek, klejnotów, falban i ozdobnych ozdób, aby stworzyć wygląd przyciągający uwagę na dworze. Styl określał różnicę między biednymi a bogatymi, ponieważ arystokracja mogła sobie pozwolić na luksusy szlachetnych tkanin i ozdób. Dla kobiet noszących takie rokokowe ozdoby obraz jest uosobieniem francuskiego dworu królewskiego przed rewolucją.

Słynne sukienki w obrazach z XIX wieku

W XIX wieku nastąpiło przesunięcie artystyczne od Neoklasycyzm we wczesny modernizm, ustępując miejsca stylom i szkołom myślenia. W tym stuleciu nastąpiły również zmiany w modzie; Czytaj dalej, aby zobaczyć, jak obrazy wpłynęły na wprowadzenie słynnych sukienek i stylów, które były znacznie bardziej nowoczesne niż wcześniej.

Symfonia w bieli nr 1: Biała dziewczyna (1862) przez Jamesa McNeilla Whistlera

Symfonia w bieli nr 1: Biała dziewczyna autorstwa Jamesa McNeilla Whistlera , 1862, za pośrednictwem Narodowej Galerii Sztuki w Waszyngtonie

Sztuka dla sztuki stała się połączona z Symfonia w bieli nr 1: Biała dziewczyna jak James McNeill Whistler chciał, aby obraz miał duchowe znaczenie. Krytycy jednak nie widzieli tego w ten sposób, ponieważ sportretowana kobieta to Joanna Hiffernan (wówczas jego kochanka). Co ważniejsze, to właśnie ubranie, które Whistler wybrał do namalowania Hiffernana, przypieczętowało umowę i sprawiło, że ta sukienka wyróżniała się spośród innych jego obrazów.

Ten portret był wówczas skandaliczny, ponieważ Whistler przedstawił czysto białą sukienkę kobiet. W XIX wieku strój kobiecy często zawierał klatka na krynolinę halka wykonana ze stali, aby utrzymać spódnice na powierzchni. Kobiety nosiły również gorsety wśród wielu innych bielizny, aby móc tworzyć szersze spódnice.

Kobieta w bieli jest dokładnym przeciwieństwem ówczesnego standardu szacownego ubioru. Jej suknia herbaciana to ubranie, które tylko jej mąż (lub kochanek) mógłby zobaczyć, ponieważ można go łatwo zdjąć. Był to strój dzienny noszony prywatnie i nie stał się bardziej popularny aż do początku XX wieku do codziennego noszenia.

Dla Whistlera jego muza miała być częścią ogólnej sceny, która jest przyjemna dla oka. Przedstawił Hiffernan tak, jak ją widział, a dla widzów w tym czasie obraz był zarówno mylący, jak i nieco nieprzyzwoity.

Portret panny Lloyd (1876) i Lipiec: Okaz portretu (1878) przez Jamesa Tissot

Portret panny Lloyd przez Jamesa Tissota , 1876, przez The Tate, Londyn (po lewej); z Lipiec: Okaz portretu przez Jamesa Tissota , 1878, via Cleveland Museum of Art (po prawej)

James Tissot stworzył liczne obrazy przedstawiające modę kobiecą pod koniec XIX wieku. Wyprzedzał europejską modę i jest dobrze znany z malowania swoich przedmiotów najnowszymi trendami w modzie. Moda damska zaczęła się zmieniać wśród młodych dam w Paryżu i Londynie pod koniec XIX wieku. Szerokie i ciężkie spódnice ich wiktoriańskich poprzedników zostały zastąpione węższymi spódnicami i pełnymi buszami z tyłu. Tym, co wyróżnia tę sukienkę, jest nieustanne wykorzystywanie jej przez Tissota w swoich obrazach. Tissot używa go na innym swoim obrazie Galeria HMS Calcutta (Portsmouth) a we wszystkich trzech używa go w zupełnie innych kontekstach.

Panna Lloyd po lewej ma na sobie sukienkę, która byłaby noszona w społeczeństwie. Ta sukienka byłaby wtedy modna, ponieważ jej sukienka podkreśla ciasną talię i figurę klepsydry. Proste linie jej sukienki również pokazują sztywność jej pozy, w przeciwieństwie do portretu po prawej stronie.

Po prawej portret Kathleen Newton (jego ówczesnej towarzyszki) widziany w intymnej scenerii latem. W porównaniu z pierwszym portretem, wszystko w sposobie, w jaki przedstawił suknię, emanuje ociężałością i uwodzicielstwem. Newton jest widziany wylegując się na kanapie, a jej sukienka wydaje się rozczochrana i rozpięta. Jej spódnice swobodnie układają się na kanapie, a różne kokardki i zapięcia są rozpięte.

Obie kobiety mają swój odrębny urok i otaczającą je tajemniczość. Sama sukienka oznacza różnice w kulturze popularnej w tamtych czasach. Jeden jest tradycyjny i konwencjonalny, podczas gdy drugi jest rażąco intymny, ale skandaliczny dla widzów w XIX wieku.

Portret Madame X (1883) przez Johna Singera Sargent

Portret Madame X autorstwa Johna Singera Sargenta , 1883-84, przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Ktokolwiek stoi przed Pani X jest zaskoczona powagą i blaskiem jej portretu. John Singer Sargent stworzył obraz kobiety, który, choć nie do przyjęcia dla jego czasów, stał się jednym z jego najbardziej rozpoznawalnych i szanowanych obrazów. Jest to portret Madame Pierre Gautreau, amerykańskiej piękności zmieszanej z francuskim elitaryzmem. Wywołało to taki skandal, że sam John Singer Sargent musiał wyjechać z Paryża do Londynu.

Chociaż sukienki podobne do jej byłyby noszone jako kostiumy lub na przyjęcia, nie były noszone w codziennym życiu. Są pewne szczegóły, które sprawiają, że ta sukienka jest tak skandaliczna. Jej gorset jest wyjątkowo skierowany w stronę dolnej połowy brzucha. Ostry, głęboki dekolt w szpic i wysadzane koralikami ramiączka ledwo zakrywają jej ramiona i odsłaniają to, co uważano za intymne części kobiety, dlatego nie należy pokazywać publicznie.

Suknia wieczorowa zaprojektowany przez Hoschedé Rebours , 1885, przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Po zgłoszeniu przez Sargenta obrazu do Salonu Paryskiego w 1884 r. wzbudził on oburzenie wśród krytyków i widzów. Publicznie postrzegana zamężna kobieta z jej klasy w tak prowokacyjny sposób budziła kontrowersje. Dla widzów Salonu wyglądało to tak, jakby miała na sobie bieliznę, a nie prawdziwą sukienkę. Obraz był szkodliwy dla Mme. Reputacja Gautreau jako ludzi postrzegała jej portret jako odbicie lubieżnej osobowości.

Pierwotnie nie miało to być dosłowne tłumaczenie Mme. Charakter Gautreau. Sam Sargent wybrał suknię i jej postawę, a rekwizyty przypominają starożytne Posągi rzymskie nawiązując do Diana, bogini łowów i księżyca . To stworzenie zaszkodziłoby obu ich reputacji. Sargent ostatecznie usunął jej imię z portretu, zmieniając je Pani X .

Słynne sukienki w obrazach z XX wieku

Sztuka w XX wieku skupiony na abstrakcji i ekspresji, ulegający znaczącym zmianom wraz z nowymi stylami i tematami. Przyniosło to również eksplorację nowych form i syntezy mody i sztuki . Oto słynne suknie widoczne na obrazach w ciągu innowacyjnego stulecia.

Portret Adele Bloch-Bauer I (1907) Gustave Klimt

Adele Bloch-Bauer I przez Gustava Klimta , 1907, via New Gallery, Nowy Jork

Pokazuje się złota sukienka Adele Bloch-Bauer Gustav Klimt portret kobiety nieskrępowanej otaczającym ją światem. W porównaniu z innymi portretami kobiet z wyższych sfer z jej czasów, ten portret wyróżnia się spośród innych. Zamiast malować kobietę z wyższych sfer wylegującą się w ogrodach lub czytającą na kanapie, Klimt przekształca Adele w postać z innego świata. Jej sukienka to wirująca postać wypełniona trójkątami, oczami, prostokątami i ikonografią. Nie ma śladów prostych gorsetów ani warstw na warstwach odzieży. Zamiast tego jest przykładem tak nieskrępowanej, jak unosi się w swoim świecie złota. Art Nouveau zawiera motywy natury i mityczne obrazy. Odnosi się również do artystycznej mody, którą Klimt nosił i używał w różnych innych obrazach.

Emilie Flöge i Gustav Klimt w ogrodzie Villa Oleander w Kammer nad jeziorem Attersee , 1908, via The Leopold Museum, Wiedeń

Klimt często malował projekty stworzone przez projektanta mody Emilie Flöge . Nie jest tak znana w świecie mody jak jej rówieśniczki czy poprzedniczki, ale podjęła zdecydowane kroki w tworzeniu mody dla kobiet swoich czasów. Czasami był to wspólny wysiłek, ponieważ Klimt używał swoich słynnych sukienek również w wielu innych swoich obrazach. Suknie Flöge mają luźne fasony i szerokie rękawy, które nie zawierały gorsetów czy innej ograniczającej bielizny. Prace Klimta i Flöge'a rozwijały artystyczny styl życia z zatartymi granicami między tradycyjnym a niekonwencjonalnym, jak widać na portrecie Adele Bloch-Bauer.

Muzyk (1929) Tamara Łempicka

Muzyk by Tamara de Lempicka , 1929, via Christie’s

Tamara Łempicka stworzył portrety, które badały kobiecość i niezależność w latach dwudziestych. Malarka art deco stała się znana z portretów celebrytów, które badały stylizowaną i wypolerowaną formę Kubizm to stało się jej znakiem rozpoznawczym. Ira Perrot (bliski przyjaciel i miłośnik Łempickiej) jest postrzegany jako dosłowna manifestacja muzyki w Muzyk . Tym, co wyróżnia obraz, jest jej oddanie niebieskiej sukienki. Technika Łempickiej rzucania ostrych cieni za pomocą nasyconej palety barw nadaje sukience ruch tak, że wydaje się, że unosi się w powietrzu. Krótki dół sukienki i kaskadowe plisy wciąż przypominają Moda lat dwudziestych , który był punktem zwrotnym w modzie damskiej. Kobiety nosiły słynne sukienki, które eksponowały nogi i ramiona, a jednocześnie nosiły plisowane spódnice, które ułatwiały taniec.

Lempicka inspirowała się i studiowała dzieła mistrzów renesansowych artystów i wykorzystywała podobne motywy w nowoczesnym podejściu. Tradycyjnie kolor niebieski można zobaczyć na szatach Marii Panny na obrazach średniowiecznych lub renesansowych. Błękit ultramarynowy był rzadki i był oszczędnie używany do znaczących obrazów. Lempicka nie boi się tutaj, aby kolor był dominującym punktem centralnym portretu. To właśnie ten błękit, wraz z wyjątkowo mocnym użyciem gładkiej farby, wzmacnia świetlistość i wdzięk jej zwiewnej sukni.

Dwie Fridy (1939) przez Fridę Kahlo

Dwie Fridy przez Fridę Kahlo , 1939, w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Meksyku, za pośrednictwem Google Arts and Culture

Kolorowe i ręcznie tkane tkaniny z Meksyku są splecione z dziedzictwem Frida Kahlo . Przyjęła te ubrania jako część swojego dziedzictwa i nosi je na wielu autoportretach i fotografiach. Słynne sukienki pokazane u Fridy Kahlo Dwie Fridy symbolizują jej związki z obiema stronami jej europejskiego i meksykańskiego dziedzictwa.

Frida po lewej jest odzwierciedleniem jej wychowania w rodzinie z wyższej klasy średniej. Jej ojciec pochodził z Niemiec, a jej rodzinne życie w dzieciństwie zawierało zachodnie zwyczaje. Biała koronka jej sukni symbolizuje styl popularny w modzie europejskiej. Ta westernizowana wersja kontrastuje z pragnieniem właściwej Fridy, by objąć swoje meksykańskie dziedzictwo, nosząc tradycyjną sukienkę tehuana. Ta odzież to coś, do czego zachęcał jej mąż Diego Rivera , zwłaszcza w walce o zmiany w swoim kraju. Pokazał jej dumę z noszenia rdzennej i tradycyjnej odzieży z Meksyku.

Ubrania Kahlo to ważny aspekt jej życia i pracy. Po zachorowaniu na polio jako dziecko jedna z jej nóg była krótsza od drugiej. Jej kolorowe spódnice stały się dla niej sposobem na ukrycie nogi w sposób, który chronił ją przed wzrokiem. Jej garderoba zawierała sukienki Tehuana, bluzki huipil, rebozo, kwieciste nakrycia głowy i antyczną biżuterię. Te ubrania są ważne, aby zauważyć, patrząc na prace Kahlo, ponieważ są ilustracją jej miłości, bólu i cierpienia, które włącza do swojej pracy.