4 kultowe kolaboracje w dziedzinie sztuki i mody, które ukształtowały XX wiek

Trzy sukienki koktajlowe, hołd dla Pieta Mondriana autorstwa Erica Kocha , 1965, przez Vogue France

Związki sztuki i mody definiują konkretne momenty w historii. Oba te media odzwierciedlają zmiany społeczne, gospodarcze i polityczne od szalonych lat dwudziestych do ekstrawaganckich lat osiemdziesiątych. Oto cztery przykłady artystów i projektantów mody, którzy poprzez swoją pracę pomogli kształtować społeczeństwo.

1. Halston i Warhol: Drużyna Mody

Cztery portrety Halstona , Andy Warhol, 1975, Kolekcja prywatna

Przyjaźń Roya Halstona i Andy Warhol to taki, który zdefiniował świat artystyczny. Zarówno Halston, jak i Warhol byli liderami, którzy utorowali drogę do uczynienia artysty/projektanta celebrytą. Zdarli pretensjonalne piętno świata sztuki i przynieśli masom modę i styl. Warhol wielokrotnie wykorzystywał sitodruk do tworzenia obrazów. Chociaż z pewnością nie wymyślił tego procesu, zrewolucjonizował ideę masowej produkcji. Halston używał tkanin i wzorów, które były proste i eleganckie, ale efektowne dzięki użyciu cekinów, ultrazamszu i jedwabiu. Był jednym z pierwszych, którzy uczynili amerykańską modę dostępną i pożądaną. Oba wywarły decydujący wpływ na sztukę i styl w latach 60., 70. i 80., które trwają do dziś.

Współpraca i sukces komercyjny

Kwiaty przez Andy'ego Warhola , 1970, przez Princeton University Art Museum (po lewej); z Liza przez Andy'ego Warhola , 1978, via Christie’s (w środku); oraz Kwiaty przez Andy'ego Warhola , 1970, przez Muzeum Sztuki Tacoma (po prawej)

Zarówno Halston, jak i Warhol współpracowali przy wielu różnych projektach. Warhol tworzył kampanie reklamowe, w których pojawiały się ubrania Halstona, a nawet samego Halstona. W ramach bardziej bezpośredniej współpracy Halston użył kwiatowego nadruku Warhola na niektórych swoich elementach garderoby, od wieczorowej sukni po zestaw wypoczynkowy.

Halston używał w swoich ubraniach prostych wzorów, co czyniło je bardzo udanymi. Były proste i łatwe w noszeniu, ale nadal wydawały się luksusowe dzięki użyciu tkanin, kolorów lub nadruków. Warhol uprościł również swoje materiały i procesy, co ułatwiło powielanie jego prac i ułatwiło ich sprzedaż.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Suknia wieczorowa przez Halstona , 1972, przez Indianapolis Museum of Art (po lewej); z Sukienka i dopasowana peleryna przez Halstona , 1966, via FIT Museum, Nowy Jork (w środku); oraz Zespół wypoczynkowy przez Halstona , 1974, przez University of North Texas, Denton (po prawej)

Sukces komercyjny miał swoje wyzwania dla obu projektantów. Halston jako pierwszy współpracował z siecią sklepów JCPenney w 1982 roku, co miało dać klientom tańszą opcję na jego projekty. Nie odniosło to sukcesu dla jego marki, ponieważ wydawało się, że jest to tańsze, ale utorowało drogę przyszłym projektantom, by zrobili to samo. Warhol spotkał się również z krytyką, jego spektakl był postrzegany jako płytki i powierzchowny. Jednak obaj zmodernizowali wykorzystanie handlu i marketingu w swoich przestrzeniach, aby stworzyć marki do sprzedaży na rynku masowym.

Blask i glamour

Buty z diamentowego pyłu przez Andy'ego Warhola , 1980, via Monsoon Art Collection, Londyn (po lewej); z Sukienka damska, cekin przez Halstona , 1972, przez LACMA (po prawej)

Zarówno Warhol, jak i Halston byli częstymi gośćmi Studio 54. Imprezowali, projektowali i produkowali prace dla takich gwiazd jak Liza Minnelli, Bianca Jagger i Elizabeth Taylor. Te wycieczki znajdują odzwierciedlenie w ich pracach, ponieważ zainspirowały i zdefiniowały erę disco lat 70-tych.

Halston jest znany z tworzenia strojów wieczorowych z pełnymi cekinami. Cekiny układał poziomo na tkaninie. Tworzy to połyskujący efekt materiału, którego używał do tworzenia wzorów ombre lub patchwork. Jego projekty były prostymi sylwetkami, które zapewniały swobodę i ruch podczas tańca. Jego użycie cekinów było bardzo popularne wśród gwiazd, w tym Lizy Minnelli, która nosiła jego projekty na występy i wycieczki do Studio 54 .

Seria Diamond Dust Shoes Warhola jest również przykładem życia nocnego Studio 54 i wpływu celebrytów. Diamentowy pył jest tym, co wykorzystał na sitodrukach lub obrazach, tworząc dodatkowy element głębi dzieła. Odciski butów Warhola były początkowo pomysłem na kampanię reklamową dla Halstona. Wykorzystał nawet niektóre własne projekty butów Halstona jako inspirację.

Projektant, który stał się celebrytą, zaczął od Warhola i Halstona. Chodziło nie tylko o to, jakie rodzaje sztuki i ubioru tworzyli, ale także o ich życie społeczne. W dzisiejszych czasach istnieją projektanci mody i artyści, którzy są osobistościami celebrytów, a to przyczynia się do sukcesu ich marek.

2. Sonia Delaunay: Gdzie sztuka staje się modą

Sonia Delaunay z dwoma przyjaciółmi w pracowni Roberta Delaunay, 1924, via Bibliothèque Nationale de France, Paryż

Sonia Delaunay nie tylko zrewolucjonizowała nową formę Kubizm ale także przewidywał związki między sztuką a modą. Zarówno Delaunay, jak i jej mąż byli pionierami Orfizm i eksperymentował z różnymi formami abstrakcji w sztuce. Jako pierwsza w swoim rodzaju wykorzystała swój własny styl artystyczny i przeniosła się do świata mody, wykorzystując swoje oryginalne projekty tekstylne, nadruki lub wzory. Jest bardziej pamiętana ze względu na swoją sztukę i związek z mężem niż za modę. Jej ubrania były w czołówce zmian w odzieży damskiej w latach dwudziestych. Jej katalog strojów zapamiętywany jest bardziej w fotografiach i odniesieniach do jej sztuki, niż w samej fizycznej garderobie. Dla Delaunaya nie ma granicy między sztuką a modą. Dla niej są jednym i tym samym.

Moda symultaniczna i buntownicza

Sukienki symultaniczne (trzy kobiety, formy, kolory) Sonia Delaunay , 1925, przez Muzeum Narodowe Thyssen-Bornemisza, Madryt (po lewej); z Jednoczesna sukienka Sonia Delaunay , 1913, via Muzeum Narodowe Thyssen-Bornemisza, Madryt (po prawej)

Delaunay rozpoczęła swoją działalność modową w latach dwudziestych, tworząc ubrania dla klientów i projektując tkaniny dla producentów. Nazwała swoją wytwórnię Jednocześnie i dalej rozwijała swoje wykorzystanie koloru i wzoru na różnych nośnikach. Symultanizm odegrała ważną rolę w jej procesie projektowym. Jej zastosowanie tej techniki jest bardzo podobne do patchworku lub tekstyliów z Europy Wschodniej. Kolory nakładają się na siebie, a wzory służą do tworzenia harmonii i rytmu. Jej wspólne motywy to kwadraty/prostokąty, trójkąty i ukośne linie lub kule – wszystkie one nakładają się na siebie w różnych projektach.

Tablica 14 od Soni Delaunay: Jej obrazy, jej przedmioty, jej symultaniczna tkanina, jej moda Sonia Delaunay , 1925, via National Gallery of Victoria, Melbourne

Delaunay była młodą kobietą podczas Epoka edwardiańska gdzie normą były gorsety i konformizm. Zmieniło się to w latach dwudziestych, kiedy kobiety nosiły spódnice za kolano i luźne, dopasowane do pudła ubrania. Ten aspekt można zauważyć w projektach Delaunay, a jej pasją było tworzenie ubrań dopasowanych do potrzeb kobiet. Projektowała kostiumy kąpielowe, które pozwalały kobietom lepiej uczestniczyć w sportach, które wcześniej utrudniały ich uprawianie. Swoje tekstylia umieszczała na płaszczach, butach, czapkach, a nawet samochodach, czyniąc każdą powierzchnię jej płótnem. Jej projekty zapewniały swobodę ruchu i ekspresji poprzez kolor i formę.

Przejście Delaunaya do filmu i teatru

Le P'tit Parigot autor: René Le Somptier , 1926, za pośrednictwem IMDB (po lewej); z Kostium dla „Kleopatry” w produkcji Baletów Rosyjskich „Kleopatra” przez Sonię Delaunay, 1918, przez LACMA (po prawej)

Delaunay w trakcie swojej kariery przeszła do kina i teatru. Zaprojektowała kostiumy do filmu z 1926 r. Le P'tit Parigot („Mała paryska”) Rene Le Somptier. Zarówno Delaunay, jak i jej mąż przyczynili się do powstania filmu, a jej mąż współtworzył scenografię wykorzystaną w filmach. Po lewej rumuńska tancerka Lizicai Codreanu jest przedstawiona w jednym z kostiumów zaprojektowanych przez Delaunaya. Jej użycie sfer, zygzaków i kwadratów jest kolejnym przykładem symultanizmu. Zygzaki tła mieszają się z legginsami kostiumów. Dysk otaczający twarz tancerki był powracającym motywem w modzie Delaunaya.

Tworzyła również projekty dla „Kleopatra” , przez Baletów Rosjan. Podobnie jak w przypadku kolaboracji filmowych, stworzyła kostiumy, a jej mąż pracował nad scenografią. Obaj współpracowali ze sobą, aby stworzyć harmonijne doświadczenie dla widza. Kostium Kleopatry ma wielokolorowe paski i półkola, łącząc abstrakcyjny styl z lat 20. z tradycyjnym baletem.

3. Współpraca Elsy Schiaparelli i Salvadora Dalí

Buty w kształcie kapelusza Schiaparelli autorstwa Elsy Schiaparelli i Salvadora Dalí .a , 1937-38, przez Vogue Australia

Liderem sztuka surrealistyczna jest dopasowany do lidera w surrealistyczny sposób. Salvador Dali i projektantka mody Elsa Schiaparelli współpracowali i inspirowali się nawzajem przez całe swoje kariery. Stworzyli kultowe obrazy, takie jak Sukienka z homarem , Kapelusz do butów (żona Dalego, Gala widziana powyżej) i Sukienka z łez , który zaszokował i zainspirował publiczność zarówno w sztuce, jak i w modzie. Dalí i Schiaparelli utorowali drogę do przyszłej współpracy między projektantami mody i artystami, wypełniając lukę między tym, co uważa się za sztukę do noszenia, a modą.

Homar i Dalí

Kobieca suknia obiadowa autorstwa Elsy Schiaparelli i Salvadora Dali , 1937, przez Philadelphia Museum of Art (po lewej); Salvador Dali autor: George Platt Lynes , 1939, via Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork (po prawej)

Chociaż homar jest pozornie nieszkodliwy, w rzeczywistości jest przesiąknięty kontrowersją. Dalí używany homary jako powracający temat w jego twórczości i interesował się anatomią homara. Jego skorupa działa na zewnątrz jak szkielet, a wewnątrz ma miękkie wnętrze, będące przeciwieństwem człowieka. Homar w pracy Dalego również ma zabarwienie seksualne, wynikające z dynamiki żeńsko-męskiej.

Sukienka Lobster to efekt współpracy dwóch artystów z Dalí, który szkicuje homara, który ma być użyty na sukience. Kiedy po raz pierwszy zadebiutował w Indonezji, wzbudził wiele kontrowersji Moda . Po pierwsze, ma przezroczysty gorset i spódnicę z białej organzy. Ta przezroczystość, ukazująca ledwie widoczny obraz sylwetki modelki, była czymś zupełnie nowym w modzie widzianej na masową skalę. Zastosowanie białej tkaniny kontrastuje również z czerwienią homara. Biel można uznać za dziewiczą lub oznaczającą czystość w porównaniu z czerwienią, co może oznaczać seksualność, władzę lub niebezpieczeństwo. Homar jest wygodnie umieszczony na spódnicy, aby zakryć obszar miednicy kobiety. To miejsce jest podobne do powyższego zdjęcia Dalego, co dodatkowo wskazuje na seksualność kobiet w porównaniu z reakcją mężczyzn na nią.

Model, który nosił ubranie w Moda była Wallis Simpson, żona Edwarda VIII, która abdykowała z angielskiego tronu, by ją poślubić. To kolejny przykład na przekształcenie kontrowersyjnej postaci lub obrazu w kulturze w coś, co należy czcić.

Mrożący krew w żyłach styl

Kobieta z głową róż Salvador Dalí , 1935, przez Kunsthaus Zurich (po lewej); z Szkieletowa sukienka autorstwa Elsy Schiaparelli , 1938, przez Victoria and Albert Museum, Londyn (po prawej)

Szkielety to kolejny motyw widziany w sztuce surrealistycznej i były wykorzystywane w większej liczbie kolaboracji między Dali i Schiaparellim. Szkieletowa sukienka był pierwszym tego rodzaju ze względu na tematykę, ale także ze względu na technikę. Schiaparelli zastosował technikę zwaną pikowany gdzie dwie warstwy tkaniny są ze sobą zszyte tworząc kontur. W obrys wstawiana jest watolina, tworząca wypukły efekt. Ta technika tworzy teksturowaną powierzchnię na płaskiej tkaninie, dając złudzenie, że ludzkie kości wystają przez sukienkę. Wywołało skandal, ponieważ sukienka została wykonana z przylegającego do skóry materiału. Wyobrażenia obrazów i rysunków Dalego zrealizowały w fizycznym, trójwymiarowym świecie szaty Schiaparelli. Dali, jak wspomniano wcześniej, interesował się anatomią, co przekłada się również na jego pracę.

4. Yves Saint Laurent: Gdzie zderzają się sztuka i inspiracja

Sukienka inspirowana Picasso autorstwa Yves Saint Laurent przez Pierre'a Guillaud , 1988, przez Times LIVE (po lewej); z Ptaki Georges Braque, 1953, w Luwrze, Paryż (po prawej)

Gdzie przebiega granica między naśladownictwem a uznaniem? Krytycy, widzowie, artyści i projektanci starali się określić, gdzie ta linia jest narysowana. Jednak podczas dyskusji Yves Saint Laurent jego intencje były niczym innym jak pochlebstwem i podziwem dla artystów i obrazów, które wykorzystał jako inspirację. Patrząc na swoje obszerne portfolio, Saint Laurent zainspirował się kulturami i sztuką z całego świata i włączył to do swoich ubrań.

Chociaż Yves Saint Laurent nigdy nie spotkał artystów, którzy go zainspirowali, nie przeszkodziło mu to w tworzeniu dzieł jako hołdu dla nich. Laurent czerpał inspirację od takich artystów jak Matisse , Mondrian, Van Gogh, Georges Braque ,oraz Picasso . Był kolekcjonerem sztuki i miał we własnym domu obrazy Picassa i Matisse'a. Przyjmowanie wyobrażeń innego artysty jako inspiracji może czasami być postrzegane jako kontrowersyjne. Saint Laurent wykorzystał jednak podobne motywy jak ci artyści i włączył je do noszenia. Wziął dwuwymiarowy motyw i przekształcił go w trójwymiarową odzież, która składa hołd niektórym z jego ulubionych artystów.

Pop Art i rewolucja lat 60.

Sukienka koktajlowa noszona przez Muriel, hołd dla Pieta Mondriana, kolekcja haute couture jesień-zima 1965 Yves Saint Laurent, sfotografowany przez Louisa Dalmas , 1965, via Musée Yves Saint Laurent, Paryż (po lewej); z Suknia wieczorowa Elsa, Hołd dla Toma Wesselmanna, kolekcja haute couture jesień-zima 1966 przez Yves Saint Laurent, sfotografowany przez Gerarda Pataa, 1966 , przez Yves Saint Laurent Museum, Paryż (po prawej)

Lata 60. były czasem rewolucji i komercji, a także nową erą mody i sztuki. Projekty Saint Laurenta odniosły sukces komercyjny, gdy zaczął czerpać inspirację z Pop Art i abstrakcji. W 1965 stworzył 26 sukienek inspirowanych abstrakcyjnymi obrazami Pieta Mondriana. Suknie ucieleśniały wykorzystanie przez Mondriana uproszczonych form i odważnych podstawowych kolorów. Saint Laurent zastosował technikę, w której między warstwami tkaniny nie widać żadnych szwów, dzięki czemu ubranie wydaje się być jednym kawałkiem. Saint Laurent wziął sztukę Mondriana z lat dwudziestych XX wieku i sprawił, że można ją nosić i odnosić do lat sześćdziesiątych.

Sukienki w stylu mod są klasycznymi przykładami stylu lat 60., w których praktyczność stawała się coraz większym problemem dla kobiet. Były one podobne do ubrań z lat 20., które były mniej ciasne i miały rękawy i rąbek odsłaniający więcej skóry. Pudełkowate sylwetki Saint Laurenta pozwalały kobietom na swobodę i ruch. To również doprowadziło go do inspiracji artystami pop-artu, takimi jak Tom Wesselmann i Andy'ego Warhola. Stworzył linię projektów inspirowanych pop-artem, które zawierały sylwetki i wycięcia na jego odzieży. Chodziło o przełamanie ograniczeń, czym jest abstrakcja w sztuce i komercjalizacji designu. Laurent połączył te dwa pomysły, aby stworzyć odzież dla kobiet, która byłaby wyzwalająca i atrakcyjna dla współczesnej kobiety.

Artyzm w modzie Haute Couture

Zespoły wieczorowe, hołd dla Vincenta van Gogha, noszone przez Naomi Campbell i Bess Stonehouse, kolekcja haute couture wiosna-lato 1988 Yves Saint Laurent, sfotografowany przez Guy Marineau , 1988, via Yves Saint Laurent Museum, Taken

The Vincent van Gogh Kurtki Saint Laurent są przykładem tego, jak Saint Laurent połączył inspirację innych artystów z własnymi talentami projektowymi. Podobnie jak w innych jego szatach, tematy związane z artystami nie były kopiowane i wklejane na szaty Saint Laurenta. Zamiast tego zdecydował się wziąć je jako inspirację i stworzyć dzieła, które odzwierciedlają jego własny styl. Kurtka jest reprezentatywna dla stylu lat 80. z mocnymi ramionami i bardzo uporządkowanym, pudełkowym wyglądem. Jest to kolaż słoneczników haftowanych w malarskim stylu Van Gogha.

Słonecznikowa kurtka-detal Yves Saint Laurent , 1988, via Christie’s (po lewej); z Słoneczniki-detal autorstwa Vincenta Van Gogha , 1889, przez Muzeum Van Gogha w Amsterdamie

Yves Saint Laurent współpracował z domem Dom Dzierżawski , lider w haute couture. Słonecznikowy żakiet jest haftowany koralikami rurowymi wyścielającymi brzegi żakietu oraz płatkami i łodygami słonecznika. Kwiaty wypełnione są różnymi odcieniami pomarańczowych i żółtych cekinów. Tworzy to wielowymiarowy kawałek tekstury podobny do techniki nakładania grubej farby na płótno Van Gogha. Szacuje się, że jest to jeden z najdroższych elementów haute couture, który można wyprodukować, sprzedając go za 382 000 euro w Christie's. Saint Laurent stworzył pomost dla tego, jak można nosić modę jako samo w sobie dzieło sztuki.