Surrealistyczny ruch artystyczny: okno w umysł

Syn człowieczy René Magritte, 1946, Quora

Sztuka surrealizmu pojawiła się w Europie w latach dwudziestych jako forma artystycznego i kulturowego buntu. Odrzucała oczekiwania estetyczne, zamiast używać ekspresji artystycznej jako sposobu na osiągnięcie większego samozrozumienia. Stworzyło to monumentalną zmianę dla społeczeństwa i jego interakcji ze sztuką. Dziś sztuka surrealizmu pozostaje jednym z najbardziej rozpoznawalnych stylów w historii sztuki współczesnej. Ten artykuł przedstawia historię i ideologię artystów surrealistów oraz ich słynne dzieła z tamtego okresu.

Sztuka surrealizmu: korzenie dadaizmu

Surrealizm narodził się z Ruch artystyczny Dada który rozwinął się po I wojnie światowej w Zurychu, Nowym Jorku i Paryżu. Dadaizm był odejściem od wszelkich dotychczasowych form sztuki czy ideologii. Zakwestionował tradycyjną estetykę, „sztukę wysoką” i piękno.

L.HO.O.Q. autorstwa Marcela Duchampa , 1919, Państwowe Muzeum Schwerin

Dadaiści wykorzystywali w swojej sztuce różnorodne media i techniki. Obejmują one dźwięki, pisanie, rzeźbę, malarstwo i kolaż. Ich praca wyrażała niezadowolenie z kultury burżuazyjnej, nacjonalizmu i wojny, co łączyło ich z radykalną skrajną lewicą polityczną. Starali się wyjaśnić ciemne podbrzusze kapitalizmu poprzez jego rozwiązanie logiki i racjonalności oraz użycie satyry.

Surrealizm, który powstał w latach 20. w Paryżu, wywodził się z tej samej szkoły myślenia, co dadaizm . Niektórzy dadaiści brali również udział w ruchu surrealistycznym, ponieważ oba opierały się na odrzuceniu zachodnich wartości, rozumu i norm społecznych. Jednak sztuka surrealizmu była bardziej skoncentrowana niż dadaizm. Był przesiąknięty psychoanalityczną twórczością Zygmunt Freud i skoncentrowane na zrozumieniu nieświadomości.

Freud i psychoanaliza

Le Double Secret René Magritte, 1927, Sotheby’s

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Surrealizm czerpał znaczącą inspirację z psychoanalizy opracowanej przez Zygmunta Freuda w celu leczenia zaburzeń psychicznych. Zestaw teorii i technik został stworzony, aby zagłębić się w nieprzytomny rozum. Jego celem było wyjaśnienie przyczyn nieprawidłowych i niezdrowych nawyków psychicznych. Według psychoanalizy umysł dzieli się na świadome i nieświadome. Terapia psychoanalityczna miała na celu wydobycie na powierzchnię stłumionych pragnień i lęków nieświadomego umysłu.

André Breton został wprowadzony do Psychoanaliza Freuda w 1916 r. pełniąc służbę medyczną w zakładzie psychiatrycznym w czasie I wojny światowej. Zaintrygowały go stany urojeniowe pacjentów, którzy przybyli z frontu. Kiedy wrócili, próbował zastosować teorię psychoanalityczną, aby zrozumieć ich warunki. W tym czasie rozwinął pismo automatyczne, które później rozszerzyło się na jedną z założycielskich dyscyplin sztuki surrealizmu.

Metamorfoza Narcyza Salvador Dali, 1937, Tate

Breton po raz pierwszy spotkał Freuda w 1921 roku i został założycielem surrealizmu w 1924 roku. Manifest surrealistyczny, Breton cytował psychoanalizę jako bramę do przywrócenia artystycznej tożsamości, wyzwolonej od konformizmu i społecznej normalności. Twierdził, że zastosowanie myśli psychoanalitycznej i automatyzmu w sztuce uczyni z kogoś prawdziwego surrealistę.

Sztuka surrealizmu: Manifesty surrealistów

Andre Breton napisał: Manifest surrealistyczny w 1924 r. Z wyraźnymi nawiązaniami do ruchu dadaizmu, którego Breton był również członkiem, manifest przedstawił genezę i cel surrealizmu. Podsumowuje również różnorodne zastosowania surrealizmu w różnych mediach artystycznych.

Pokrywa Manifest surrealizmu André Breton, 1924

Manifest stwierdzał, że surrealizm jest nie tylko ruchem artystycznym i literackim, ale także kulturową epifanią, którą można zastosować do wielu różnych aspektów życia. Na jej czele stała eksploracja wyobraźni i odkrywanie pragnień nieświadomego umysłu. Breton podkreślał również znaczenie snów i ich cennego wglądu w nieświadomość. Stał się ważnym źródłem inspiracji dla artystów surrealistów. Książka kończy się potwierdzeniem, że ruch opierał się na nonkonformizmie i odchodzeniu od konwencji.

Automatyzm i nieświadomość

Automatyczne rysowanie André Masson, 1924, MoMA

Breton opisuje surrealizm jako formę automatyzm , który w swoim czystym stanie, za pomocą którego proponuje się wyrazić… werbalnie, za pomocą słowa pisanego lub w jakikolwiek inny sposób… rzeczywiste funkcjonowanie myśli… bez jakiejkolwiek kontroli rozumu i wolnej od wszelkich estetycznych lub troska moralna. Metoda ta wykorzystywała swobodne skojarzenia w sztuce i piśmie. Zachęca artystę do stłumienia świadomego umysłu i raczej pozwalania, by kierował nim umysł nieświadomy. Ta technika improwizacji była szczególnie praktykowana przez artystów takich jak André Masson, Joanna Miro oraz Salvador Dali . Pomimo znacznej ekspansji ruchu na różne media i style, surrealizm był mocno zakorzeniony w automatyzmie.

Grupa Paryska

Artyści paryskich surrealistów (od lewej: Tristan Tzara, Paul Éluard, André Breton, Max Ernst, Salvador Dalí, Yves Tanguy, Jean Arp, René Crevel i Man Ray), via Widewalls

Podczas gdy surrealizm rozprzestrzenił się w Europie i Ameryce Łacińskiej, najbardziej znana zmowa artystów powstała w Paryżu w latach dwudziestych. Ta współpracująca grupa powstała dzięki sieci modernistów, którzy spotykali się w kawiarniach i eksperymentowali z hipnozą i nieświadomą kreatywnością. Grupa paryskich surrealistów obejmowała André Bretona, Max Ernest , Marcel Duchamp , Joan Miró, Salvador Dalí, André Masson i René Magritte pośród innych.

Sztuka surrealizmu: malarstwo

Malarstwo było chyba najbardziej rozpoznawalnym medium nurtu surrealistycznego. Nieograniczeni granicami rzeczywistości malarze surrealistyczni byli w stanie stworzyć mnóstwo obrazów w sceneriach od intensywnych pejzaży snów po przyziemne życie codzienne. W malarstwie często pojawiały się niespójne elementy lub ikonografia, próbując oderwać się od rzeczywistości. Artyści bawili się także perspektywą, kolorem i głębią, aby stworzyć dezorientujący efekt.

Trwałość pamięci Salvador Dalí, 1931, MoMA

Okres ten określały dwa różne style malarskie, choć czasami były używane w połączeniu. Jeden z nich wykorzystywał hiperrealistyczny, trójwymiarowy styl z dziwacznymi i sprzecznymi obrazami, przedstawiając często fantastyczne krajobrazy z żywymi szczegółami. Artyści tacy jak Salvador Dalí i René Magritte słynęli z tego stylu, tworząc kilka niesławnych motywów, w tym topniejące zegary, fajkę do tytoniu i zasłonięte twarze.

Narodziny Świata Joan Miró, 1925, MoMA

Druga technika charakteryzująca malarstwo surrealistyczne była bardziej abstrakcyjna. Ten styl koncentrował się na automatyzmie i zawierał bezsensowne, często nierozpoznawalne obrazy. Czasami zawierał również elementy z innych mediów, w tym rysunku i kolażu. Artyści, w tym Max Ernst i Joan Miró, tworzyli prace przy użyciu tej techniki, często umieszczając w swoich pracach doodling lub elementy zewnętrzne.

Artyści surrealistyczni w rzeźbie

Rzeźba surrealistyczna w szczególności porzuciła tradycyjne figury rzeźbiarskie. Rzeźbiarze usunęli przedmioty lub formy z ich pierwotnego kontekstu i dodali do nich nieoczekiwane lub zestawione ze sobą elementy. Często używali również nietradycyjnych materiałów artystycznych, kwestionując wcześniejsze wyobrażenia o tym, co oznaczało „rzeźba”.

Rzeźba do zgubienia w lesie Jean Arp, 1932, Tate

Istniały dwa główne typy rzeźby surrealistycznej: biomorficzny oraz ZGUBIONY I ZNALEZIONY . Rzeźba biomorficzna składała się z uproszczonych form abstrakcyjnych. Choć nie dosłowne przedstawienia, rzeźby biomorficzne przypominały rozpoznawalne kształty. Ta technika została uznana za formę automatyzmu, ponieważ zawierała replikację form organicznych w abstrakcyjnym kontekście. Artyści, w tym Joan Miró, Henry Moore i Jean Arp byli znani z wykorzystywania rzeźby biomorficznej.

Homar telefon Salvador Dali, 1936, Tate

ZGUBIONY I ZNALEZIONY, czyli „znaleziony przedmiot”, skupiony na połączeniu nieoczekiwanych lub nawet pozornie przypadkowych obiektów. Technika ta była również formą automatyzmu, ponieważ polegała na nieświadomym kojarzeniu obiektów bez zdecydowanej strategii. Często pojawiał się element satyryczny ZGUBIONY I ZNALEZIONY rzeźby, ponieważ użyte przedmioty uznano za „niskie”. Artyści m.in. Marcel Duchamp,Pablo Picassoa inni byli pionierami tego stylu rzeźby podczas ruchów dadaistycznych i surrealizmu.

Fotografia surrealistyczna

Umiejętność wywoływania scenariuszy sennych w fotografii stała się centralnym elementem surrealizmu. Efekty fotograficzne, takie jak podwójna ekspozycja, rozmycie i zniekształcenie, pomogły stworzyć obrazy, które były sugestywne, halucynacyjne, a czasem denerwujące. Celem tych efektów było stworzenie obrazu wyobcowanego z rzeczywistości, jakby był oknem do innego wymiaru.

Skrzypce Ingresa (Skrzypce Ingresa) Man Ray, 1924

Surrealistyczna fotografia obejmowała także uchwycenie nietypowych lub szokujących tematów. Ten rodzaj fotografii często zawierał portrety o przerysowanych rysach, dziwaczne pejzaże lub sprzeczne martwe natury. Wszystkie te łączyły rozłączne lub nie na miejscu elementy. Mężczyzna Ray , Lee Miller, Claude Cahun i inni surrealistyczni fotografowie wykorzystali zarówno efekty fotograficzne, jak i niezwykłą tematykę, aby stworzyć wstrząsające obrazy.

Artyści surrealistyczni w filmie

Filmy surrealistyczne, w przeciwieństwie do swoich kinowych poprzedników, nie opierały się na linearnej czy tradycyjnej narracji. Skupili się raczej na eksploracji mentalnej, zawierającej nagłe i często dezorientujące zmiany narracji i zmiany ustawień, jakby były częścią strumienia świadomości. Przedstawiały także szokujące obrazy, próbując wywołać instynktowną reakcję publiczności.

Klip z Pies andaluzyjski Luis Buñuel, 1929, BFI

Filmy były również często motywowane tęsknotą seksualną i instynktownymi skłonnościami do wyjaśniania pragnień nieświadomego umysłu. Breton nazwał to szalona miłość, lub „szalona miłość”. Element szalona miłość domagał się, aby widzowie używali filmu jako narzędzia do konfrontacji z własnymi ukrytymi pragnieniami. W tym wybitni surrealistyczni filmowcy Jean Cocteau , Luis Bunuel i Germaine Dulac.

Dziedzictwo sztuki surrealizmu

Surrealizm wywarł monumentalny wpływ na kulturę współczesną i postmodernistyczną i pozostaje obecny w sztuce, filmie i literaturze. Pop-surrealizm, czyli ruch „lowbrow” rozwinął się w latach 70., łącząc elementy surrealistycznych artystów z obrazami z kultury popularnej, tworząc satyryczne, często szokujące, a czasem niepokojące obrazy.

Kreatrix, Mark Ryden, 2005

Chociaż trwa debata na temat końca okresu surrealistycznego, istnieje wiele odniesień do sztuki surrealistycznej oraz we współczesnej telewizji, filmie i literaturze. Łatwo rozpoznawalne motywy widoczne w pracach artystów takich jak Salvador Dali , René Magritte oraz Frida Kahlo przenikają nowoczesne media.

Kino i fotografia również nadal wykorzystują elementy i techniki surrealistyczne. Zaawansowana technologia obróbki zdjęć pozwala na tworzenie niepokojących obrazów charakterystycznych dla fotografii surrealistycznej. Filmowcy, tacy jak Tim Burton, stworzyli również całe dzieła skupione na baśniowych, fantastycznych scenariuszach, które przypominają kręcenie surrealistycznych filmów.