Definiowanie modernizmu poprzez 5 faktów i 12 dzieł sztuki

Taniec przez Henri Matisse .a , 1909-10, za pośrednictwem Ermitażu, Sankt Petersburg; z Kompozycja z czerwienią, błękitem i szarością Piet Mondrian, 1927; oraz Kobiety II. autorstwa Willema de Kooninga, 1952

Jak każdy inny opis epoki w sztuce, „modernizm” i „sztuka nowoczesna” są trudne do precyzyjnego zdefiniowania. Powodem jest to, że takie kategorie są w pewnym sensie subiektywne i dlatego zawsze będą kontrowersyjne. Posługując się terminem „modernizm”, zwykle mówimy o globalnym ruchu, który nastąpił zarówno społecznie, jak i kulturowo pod koniec XIX i na początku XX wieku w krajach świata zachodniego. Zwłaszcza w sztukach plastycznych termin ten oznaczał zerwanie z prawie wszystkim, co wydarzyło się wcześniej w sztuce. I opisuje poszukiwania nowych środków wyrazu.

Numer 14 przez Jacksona Pollocka , 1951, przez Tate, Londyn

Otoczony wielkimi wstrząsami społecznymi, kulturowymi i politycznymi „modernizm” uważany jest za okres innowacji i eksperymentów. Z grubsza rzecz biorąc, termin „modernizm” w sztuce rozciąga się od realizmu artystów takich jak Gustave Courbet po abstrakcję lat 60. XX wieku. W dalszej części wyjaśnimy Ci „modernizm” bardziej szczegółowo, wykorzystując 5 faktów i 12 dzieł sztuki.

1. Modernizm nie opisuje jednego stylu

Kładka japońska przez Claude'a Moneta , 1899, przez Narodową Galerię Sztuki w Waszyngtonie

Przeważnie opis epoki dokonywany jest zgodnie z jej podobieństwami w dziełach sztuki powstałych w szczególnym okresie. Sztuka współczesna nie tak łatwo jednak zawęzić – wręcz przeciwnie. Zamiast jednego stylu w okresie modernistycznym pojawiło się wiele różnych stylów i form sztuki. Wiele nowych form i stylów sztuki ma jedną wspólną cechę: wiele z nich nosi sufiks -izm w ich imieniu. Należą do nich m.in. Impresjonizm , po którym nastąpiło Ekspresjonizm . Ale również Kubizm oraz Fowizm należą do kategorii „modernizmu”.

Skrzypce i dzban autorstwa George'a Braque .a , 1910, za pośrednictwem Archiwum Sztuki

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

W tej sekcji możesz zobaczyć jedną pracę każdego z artystów Claude Monet oraz George Braque . Na pozór te dzieła sztuki nie mogłyby się bardziej różnić. Technika, a także kolory i motywy są zasadniczo różne. Jednak te dwie prace mają ze sobą więcej wspólnego, niż mogłoby się wydawać na początku. Oba obrazy powstały w okresie modernizmu w sztuce. To, co ich jeszcze łączy, zostanie pokazane w poniższych wyjaśnieniach.

2. Artyści modernistyczni kwestionowani, a nawet odrzucani wartości konserwatywnych

Era modernizmu w sztuce była zwiastunem, kiedy coraz więcej artystów odrzucało klasyczne zasady sztuki i coraz bardziej odrzucało tradycyjne idee dotyczące sztuki. Artyści tacy jak Claude Monet powstrzymywali się od przedstawiania świata na swoich obrazach tak realistycznie, jak to było możliwe, czego nauczano w renesans zanim. Zamiast tego, jak wielu innych artystów, zajmował się subiektywną ekspresją percepcji. Oznaczało to również, że artyści tacy jak Monet kwestionowali postrzeganie jako takie. Obiektywna idea widzenia została poddana próbie i była coraz częściej zastępowana subiektywną ideą widzenia.

Krzyk przez Edvarda Muncha , 1893, przez Muzeum Muncha w Oslo

Przyjrzyjmy się Edvard Munch słynny obraz Krzyk (1893). Dzięki tej pracy Edvard Munch pokazuje, jak nagłe podniecenie zmienia wszystkie nasze wrażenia zmysłowe. Wszystkie linie na obrazie prowadzą do krzyczącej głowy pośrodku obrazu. Dzika mieszanka jasnych kolorów i organicznych linii potęguje wrażenie wybuchu emocji. W tym obrazie norweskiego artysty coś staje się bardzo jasne: malarstwo w „modernizmie” nie dotyczy ani prawd natury, ani prezentacji idealnych piękności. Liczy się czysta ekspresja emocji, nawet jeśli oznacza to zniekształcenie postaci do punktu brzydoty.

3. Modernizm oznacza innowacje i eksperymenty

Sztuka współczesna pozostawała pod silnym wpływem wydarzeń społecznych i politycznych końca XIX i początku XX wieku. Przełom wieków to jeden z największych wstrząsów historycznych dla społeczeństw zachodnich. W tym okresie uprzemysłowienie naprawdę nabrało rozpędu, kapitalizm dominował coraz bardziej, były wynalazki takie jak kolej i I wojna światowa. Wszystko to konfrontowało ludzi z nieprzewidzianym. To przebudzenie i przewrót dało się odczuć także w sztuce. Było wiele innowacji, a ludzie eksperymentowali z kształtami, kolorami, liniami i motywami, jak nigdy wcześniej.

Les Demoiselles d'Avignon Pabla Picassa, 1907, via MoMA, Nowy Jork

Dobrym przykładem tego rozwoju jest dzieło Pabla Picassa Panie z Awinionu (1907). Jeśli spojrzeć na ten obraz dzisiaj, można by prawie pomyśleć, że Picasso namalował to dzieło, aby odmienić zachodnie malarstwo od podstaw. Tutaj artystka nie tylko bawi się kształtem kobiecego ciała, łącząc go z geometrycznymi formami, ale twarze kobiet zostały inspirowane sztuką afrykańską . Oba mogą być postrzegane jako elementy rewolucji obrazowej.

Dorosłość Hilmy af Klint , 1907, via Heart & Art

Abstrakcja trafiła również do sztuki w czasach modernizmu. Szwedzki artysta Hilma z Klintu jest dziś uważany za pioniera Sztuka abstrakcyjna , wspólnie z artystami takimi jak Wassily Kandinsky . W swojej sztuce przeszła malarski rozwój od sztuki naturalistycznej do sztuki abstrakcyjnej. Hilma af Klint namalowała swoje pierwsze abstrakcyjne obrazy już około 1906 roku.

4. Często koncentrowano się na materiale, kolorze, technice i procesie

Kompozycja z czerwienią, błękitem i szarością autorstwa Pieta Mondriana , 1927, via Sotheby’s

Czy to pociągnięcia pędzla Claude'a Moneta, obszary koloru na pracy przez Piet Mondrian lub plamy farby na malowaniu akcji autorstwa Jackson Pollock – w dobie modernizmu materiał, kolor, technika i zabieg malarski wysunął się na pierwszy plan w pracach wielu artystów.

Obrazy nie muszą być jednak w żaden sposób przeładowane. Często nawet całkowita redukcja tworzy szczególny nacisk. Dobrymi tego przykładami są monochromatyczne prace francuskiego artysty, Yves Klein .

Bez tytułu Niebieski Monochromatyczny (IKB 239) przez Yves Klein , 1959, via Sotheby’s

Yves Klein jest uważany za artystę awangarda . Szczególną sławę zyskały monochromatyczne kompozycje obrazów, które stworzył w opracowanym przez siebie ultramarynie błękicie. Kolor nosi oficjalną nazwę International Klein Blue. W takim niebieskim obrazie kolor staje się jedynym motywem i od razu przyciąga uwagę widza.

5. Clement Greenberg: ważny teoretyk (abstrakcyjnego) modernizmu

Jednym z nazwisk, które na pewno warto poznać w związku ze sztuką współczesną, jest Clement Greenberg. Krytyk sztuki Klemens Greenberg jest czymś w rodzaju głowy późnego nowoczesnego malarstwa. Greenberg był przekonany, że sztukę trzeba sprowadzić do najbardziej podstawowych elementów: do powierzchni i koloru. W ten sposób amerykański teoretyk propagował przede wszystkim Abstrakcyjny ekspresjonizm i kolorowe malowanie powierzchni.

Szlachetny bohaterski człowiek autor: Barnett Newman , 1950/51, przez MoMA, Nowy Jork

Artyści tacy jak Jackson Pollock, Willem de Kooning oraz Barnett Newman swoją sławę i międzynarodowe uznanie zawdzięczają wpływom i wsparciu Klemens Greenberg . Jednym z najsłynniejszych pism Clementa Greenberga jest: W kierunku nowszego Laokoona (1940). Tytuł już to ujawnia: Swoim tekstem Greenberg nawiązuje do słynnego tekstu Gottholda Ephraima Lessinga. Podobnie jak Lessing, Greenberg również chciał podzielić sztukę na swoje dyscypliny. Za sztukę najwyższą deklaruje sztuki wizualne. Siła malarstwa, wyjaśnia w swoim eseju, staje się widoczna dopiero wtedy, gdy wyrzeka się wszelkiej narracji. To właśnie postawiła sobie awangarda w swoim malarstwie, jak widać na wcześniejszych obrazach.

Kobiety II. autor: Willem de Kooning , 1952, przez MoMA, Nowy Jork

Zwróćmy więc uwagę: „modernizm” to określenie na okres końca XIX i początku XX wieku. W tym czasie wielkie zmiany społeczne i kulturowe przyczyniły się do tego, że sztuka miała się zmienić. Sztuka współczesna nie może być w żaden sposób sprowadzona do kilku podobnych cech. Istnieją jednak pewne cechy, dzięki którym można zdefiniować sztukę współczesną. Był duch nowych początków w sztuce i odwaga do eksperymentowania. W epoce modernizmu artyści kwestionowali konserwatywne wartości i tradycyjne pojęcia sztuki. Wyrażali się kolorem, formami, liniami i technikami, torując w ten sposób drogę do abstrakcji. Ważną postacią teoretyczną w rozwoju sztuki nowoczesnej jest amerykański krytyk sztuki Clement Greenberg. Jego pisma dostarczają zdecydowanych odpowiedzi na pytanie, jak powinna wyglądać sztuka współczesna.