8 wspaniałych rzeźbiarek, które musisz znać

Przez wieki artystki nie cieszyły się dużym wsparciem. Często tłumaczono to rzekomą niezdolnością kobiet do konkurowania z męską kreatywnością. W szczególności rzeźbę uważano za męską formę sztuki, ponieważ wymagała pracy fizycznej. Lekceważenie ich dokonań nie powstrzymało wszystkich rzeźbiarek przed tworzeniem zadziwiających i nowatorskich dzieł. Poniżej osiem wielkich nazwisk rzeźbiarek, które zapewniły sobie miejsce w historii sztuki.

1. Camille Claudel: Zapomniana rzeźbiarka (1864 – 1943)

Urodzony w zamożnej rodzinie rolników, Kamil Claudel Już od najmłodszych lat wykazywał zainteresowanie rzeźbą. Choć jej matka, konserwatywna chrześcijanka, sprzeciwiała się chęci Camille do podjęcia studiów, ojciec przeniósł się z rodziną do Paryża, aby ich córka mogła zostać jedną z pierwszych kobiet, które zdobyły profesjonalną edukację artystyczną we Francji. Camille, zapalona czytelniczka, czerpała inspirację z mitów, legend, popularnych powieści i publikacji filozoficznych. Jej wyjątkowy talent artystyczny szybko został dostrzeżony przez miłośników sztuki i kolekcjonerów.

Podczas gdy kariera Claudel rosła, jej zdrowie psychiczne uległo pogorszeniu, w dużej mierze z powodu emocjonalnego i pełnego przemocy związku z innym legendarnym rzeźbiarzem, Augusta Rodina . Jej matka, wciąż nieaprobująca ścieżki kariery Claudela, postanowiła wziąć sprawy w swoje ręce i siłą umieściła córkę w szpitalu psychiatrycznym. Wielka artystka ostatnie trzydzieści lat swojego życia spędziła w całkowitej izolacji, przez dziesięciolecia po śmierci odchodząc w zapomnienie. Przez lata wymieniana była wyłącznie jako muza i kochanka Auguste’a Rodina. Jednak w ostatnich dziesięcioleciach historycy sztuki zaczęli podkreślać wyjątkowość stylu i umiejętności Claudela.

2. Edmonia Lewis (1844 – 1907)

Edmonii Lewis był pierwszym artystą pochodzenia afroamerykańskiego i indiańskiego, który zdobył międzynarodową sławę pomimo barier rasowych i klasowych. Wcześnie tracąc oboje rodziców, Lewisem opiekowały się ciotki. Od najmłodszych lat musiała także pracować. Zarabiała na życie sprzedając haftowaną odzież. Po tym, jak jej bratowi udało się zarobić wystarczająco dużo pieniędzy podczas gorączki złota, opłacił edukację Edmonii Lewis w Oberlin College w Ohio. Oberlin był dobrze znany jako instytucja liberalna o dominujących poglądach abolicjonistycznych, która opowiadała się za koedukacją zamiast segregacji.

Jednak postępowa fasada nie pomogła Lewisowi ukończyć edukacji. W 1962 roku jako amerykańska wojna domowa ciągnęła dalej, została fałszywie oskarżona o otrucie dwóch swoich białych kolegów z klasy. Nawet udowodnienie swojej niewinności w sądzie nie uchroniło Edmonii przed brutalnym pobiciem przez wściekły rasistowski tłum lokalnych mieszkańców. Następstwem tego było wyrzucenie jej z uczelni.

Edmonia Lewis kontynuowała naukę samodzielnie. Pierwszy sukces finansowy osiągnęła, gdy zaczęła tworzyć popiersia znanych abolicjonistów, którzy ponieśli straty na wojnie. Jednak jej prawdziwe osiągnięcia rozpoczęły się w latach 70. XIX w., kiedy przeprowadziła się do Europy i osiedliła się w Rzymie. Po studiach w zakresie rzeźby klasycznej stworzyła tam swoje najsłynniejsze dzieła, w tym także dramatyczne Śmierć Kleopatry .

3. Niki de Saint Phalle (1930 – 2002)

Niki de Saint Phalle karierę artystyczną rozpoczęła w latach 50. XX wieku, kiedy powojenny świat był szczególnie wrogo nastawiony do kobiet, które odrzucały tradycyjne role. Urodziła się we Francji w rodzinie francusko-amerykańskich bankierów, jednak zamożne wychowanie nie wniosło wiele radości w życie początkującej artystki. Od najmłodszych lat Niki de Saint Phalle i jej rodzeństwo doświadczali przemocy fizycznej, emocjonalnej i seksualnej ze strony rodziców. Aby uciec od rodziny, poślubiła przyjaciela rodziny, ale wkrótce znalazła się w pułapce tych samych obowiązków domowych i obowiązków, których nienawidziła jako dziecko.

Wkrótce po uwolnieniu się od życia rodzinnego Niki de Saint Phalle znalazła się w kręgach artystycznych zarówno europejskich, jak i amerykańskich. Jej śmiałe eksperymenty z materiałami, technikami i formatami szybko przyciągnęły uwagę zarówno młodych, jak i uznanych artystów, m.in Roberta Rauschenberga Do Marcela Duchampa . Naiwny i zabawny styl Niki de Saint Phalle był tylko przykrywką, aby zrobić miejsce na rozmowy na niewygodne i drażliwe tematy, takie jak Kryzys AIDS , nierówność rasowa i płciowa oraz zmiana klimatyczna.

4. Augusta Savage (1892 – 1962)

Augusta Savage, wielka amerykańska rzeźbiarka Renesans Harlemu , zaczęła eksperymentować z gliną już jako nastolatka, ku gniewowi swojego ojca, pastora metodystów, który uważał tworzenie sztuki za coś grzesznego. Pomimo lat pobić i znęcania się, pozostała nieustępliwa, później przeprowadziła się do Nowego Jorku i otrzymała stypendium w Cooper Union College. Prestiżowa szkoła artystyczna we Francji również przyjęła Savage na swoją uczennicę, jednak strona amerykańska odmówiła jej tam wysłania, twierdząc, że inni studenci czuliby się niekomfortowo, ucząc się z czarną kobietą.

Mimo to, z pomocą swoich patronów i innych rzeźbiarzy, Augusta Dzika udało mu się przepłynąć ocean i na kilka lat osiedlić w Paryżu. Nie tylko badała tam sztukę europejską, ale aktywnie prezentowała i sprzedawała własne dzieła, zdobywając nawet prestiżowe nagrody. Wróciła do Stanów Zjednoczonych na początku lat trzydziestych XX wieku, kiedy Wielka Depresja wstrzymać produkcję artystyczną. Zdeterminowana, aby pomóc swojej społeczności, otworzyła pracownię artystyczną i dwie galerie sztuki, ucząc dzieci i dorosłych malowania i rzeźbienia. Choć zachowała się stosunkowo niewielka liczba jej dzieł, jej wpływ na rosnącą afroamerykańską scenę artystyczną był wyraźny i trwały.

5. Wangechi Mutu (1972 –)

Wangechi Mutu to współczesna kenijska rzeźbiarka badająca tożsamość kulturową i kobiecość przez pryzmat afrykańskiej kultury i historii. Często nazywany afrofuturystą, Mutu tworzy fantastyczne rzeźby łączące science fiction z afrykańską tradycją, obalając narracje kolonialne i wyobrażając sobie nową przyszłość.

W 2019 roku Muzeum metropolitalne w Nowym Jorku zamówił u Wangechi Mutu serię rzeźb fasadowych. Nisze wychodzące na Piątą Aleję były puste od czasu budowy muzeum, a Mutu był pierwszym artystą, którego poproszono o wypełnienie ich nowymi dziełami. Artysta najpierw pomyślał o kariatydach, starożytnych greckich rzeźbach kobiet trzymających budynki w miejscu kolumn. Połączyła tę koncepcję z tradycyjną afrykańską rzeźbą siedzących kobiet, zamieniając je w obce postacie witające gości. Do najbardziej niezwykłych cech postaci należały płytki na wargach, tradycyjnie noszone przez kobiety należące do klas wyższych w niektórych plemionach etiopskich. Mutu zamieniła je w lustra, odbijające światło i wchodzące w interakcję z widzem, gdy zbliżał się do budynku muzeum. Po początkowym zaangażowaniu Mutu Met zdecydowało się zmienić rzeźby na fasadzie rocznie , zamawiając dzieła różnych współczesnych rzeźbiarzy.

6. Louise Bourgeois (1911 – 2010)

Rzeźbiarz francuski Ludwika Bourgeois przez całą swoją długą karierę zbudowała własną mitologię. Większość prac Bourgeois ma swoje korzenie w doświadczeniach z dzieciństwa. Udokumentowała pocieszającą, choć krótkotrwałą obecność swojej matki, tworząc pająki. Dla Bourgeois, A pająk to przyjazne stworzenie, zapewniające ochronę przed komarami przenoszącymi choroby. Motyw pajęczyny był dla artystki równie istotny, gdyż jej matka była tkaczką gobelinów i konserwatorką.

Sposób traktowania postaci ojca w twórczości Bourgeois odzwierciedlał uczucia strachu, wstrętu i nieufności. Jej ojciec miał szereg romansów, które ledwo ukrywał przed żoną i córką. Bourgeois w swojej instalacji przedstawiła jego toksyczną i przygnębiającą obecność Zniszczenie Ojca . Kompozycja zrodziła się z dziecięcego snu, w którym Bourgeois wraz z rodzeństwem rozczłonkowali i zjedli ojca. Liczne romanse jej ojca wywarły wpływ na sposób traktowania przez Bourgeois seksualności w sztuce, co stało się tematem wielu prac naukowych i esejów krytycznych. Seksualność w jej pracach nie jest romantyczna czy radosna, ale zniekształcona, często odrażająca i na zawsze naznaczona wczesną traumą.

7. Kara Walker (1969 –)

Współczesna artystka Kara Walker jest jedną z czołowych Afroamerykanin głosy w świecie sztuki. Jest znana z bezkompromisowego podejścia do tematów dotyczących niewolnictwa, systemowego rasizmu i przemocy. Choć Walker jest artystką multidyscyplinarną, rzeźba pozostaje znaczącą częścią jej twórczości. Jedna z kluczowych cech Praca Walkera jest jej obaleniem prestiżowy , zdominowane przez białych rodzaje sztuki i rzemiosła, które były popularne w czasach kolonialnych. Mieszając konteksty i symbole, wskazuje na hipokryzję i okrucieństwo pewnych momentów historii.

Monumentalna rzeźba Subtelność, zbudowany, a następnie rozebrany w 2014 r., przedstawiał sfinksa o długości 75 stóp zbudowanego z bloków cukru w ​​dawnej cukrowni. Rzeźby z cukru były popularną ozdobą stołów w arystokratycznych zachodnich domach. Jednocześnie produkcja cukru wiązała się z pracą niewolniczą, a niewolnicy mieli niewielki dostęp do wytwarzanego przez siebie produktu. Cechy sfinksa nie mają wiele wspólnego ze słynną egipską postacią. Jej sfinks przedstawia stereotypowy obraz czarnej kobiety, matki i służącej z epoki poprzedzającej Ruch na rzecz Praw obywatelskich .

8. Feministyczna rzeźbiarka: Judy Chicago (1939–)

Najbardziej znane dzieło Judy Chicago jest monumentalny Przyjęcie . Jej rzeźbiarska twórczość to jednak znacznie więcej niż słynny trójkątny stół. Chicago znane jest przede wszystkim jako feminista artysta. Artystka na początku swojej kariery zajmowała się rzeźbą minimalistyczną. Upraszczając słownictwo formy, skupiła się na niuansach koloru i tonu. Tytuł utworu wziął się od nazwiska popularnego w latach 60. piosenkarza soulowego Wilsona Picketta. Krytycy, m.in Klemens Greenberg , spotkała się z uznaniem wczesnej minimalistycznej twórczości Judy Chicago, jednak jej dalsze sukcesy przyćmiły te prace.