12 współczesnych artystów, którzy osiągnęli wielkość

Według artysty Honoré Daumiera bycie nowoczesnym oznacza bycie w swoim czasie. Przełomowa sztuka nowożytna XIX i XX wieku weszła już do kanonu historii sztuki, mimo oburzenia i zamieszania, jakie wywołała w czasach swoich narodzin. Świat szybko się zmieniał, zmieniały się też trendy w sztuce. Zwykle zmiany te początkowo wywołują przerażenie i odrazę w konserwatywnej opinii publicznej. Oto 12 współczesnych artystów, których musisz znać!

12. Ojciec współczesnych artystów: Gustave Courbet (1819 – 1877)

Chociaż eksperci wciąż zastanawiają się, kto był pierwszym współczesnym artystą, nazwa Gustawa Courbeta pojawia się bardzo często. Wyjątkowość Courbeta przejawiała się w jego bezkompromisowej szczerości. Odmówił upiększania rzeczywistości i zwracania się do mitycznych, wyidealizowanych królestw. Jego głównym tematem był świat taki, jaki był: brutalny, bezpośredni i piękny na swój sposób.

Choć współcześni widzowie raczej nie uznaliby prac Courbeta za wysoce nowatorskie, decyzja o ukazaniu realnego świata i prawdziwych ludzi była przełomowa w czasach artysty. Odmiana realizmu Courbeta nie stroniła od niuansów fizycznych ciał, ubóstwa, nierówności oraz kwestii społecznych lub politycznych. Jego legendarne dzieło Pogrzeb Ornanesa spotkało się z konsternacją, gdy oderwani od robotniczego życia krytycy sztuki z wyższych sfer wzięli biedny tłum żałobników za wędrownych wykonawców.

11. Salvador Dali (1904-1989)

Najsłynniejszy artysta surrealistyczny Salvador Dali zawsze budziła kontrowersje. Jednych to fascynuje, innych odrzuca. Niemniej jednak hiszpański mistrz pozostawił trwały ślad w historii świata i popkulturze. Opracował własny symboliczny język wizualny składający się z cienkich słoni, topniejących zegarów i latających kotów, które są natychmiast rozpoznawalne dziesiątki lat po śmierci Dali.

Życie i twórczość Dali są również ważne w kontekście rodzącej się wówczas kultury celebryckiej. Był znany z wygłaszania kontrowersyjnych i obraźliwych wypowiedzi, noszenia śmiesznych strojów i trzymania egzotycznych zwierząt jako zwierząt domowych. Nie wstydził się komercjalizacji swojego nazwiska, występów w telewizji i opracowywania logo marki. Chociaż te działania ugruntowały jego reputację w opinii publicznej, zraziły go również do reszty artystów.

10. Georgia O’Keeffe (1887 – 1986)

Imię matki amerykańskiego modernizmu Georgia O’Keeffe nie wymaga szczegółowego wprowadzenia. Nalegała na to nic nie było mniej realne niż realizm , a prawdziwe odwzorowanie świata mogło powstać tylko dzięki starannemu doborowi elementów, a nie po prostu skopiowaniu sceny przed tobą. O'Keeffe był genialnym kolorystą. Gama i kombinacje barw w jej pracach hipnotyzują i ożywiają płaskie płótna.

Wbrew powszechnemu przekonaniu, kwiatowe obrazy O’Keeffe nie miały kojarzyć się z kobiecymi genitaliami. Jak stwierdziła artystka, jej kompozycje były punktem wyjścia do oderwania się od rzeczywistości w kierunku abstrakcji. W przeciwieństwie do wielu innych abstrakcjonistów, O'Keeffe wybrała nie geometryczne, ale czysto organiczne formy jako swoje podstawowe instrumenty. O’Keeffe odmówiła też bycia kojarzoną ze sztuką feministyczną, twierdząc, że jej sztuka nie ma nic wspólnego z jej płcią.

9. Frida Kahlo (1907-1954)

Legendarny współczesny artysta Frida Kahlo wywarł ogromny wpływ na świat sztuki. Z biegiem lat stała się ikoną surrealizmu, sztuki queer, feminizmu, mody i wielu, wielu innych. Podczas gdy jej mąż Diego Rivera również osiągnął sukces, jego sława nie mogła osiągnąć tego samego poziomu co Frida.

Jednak popularność Kahlo ma ciemniejszy ton, czasami prowadząc ludzi do popełniania ohydnych czynów. W listopadzie 2022 roku meksykański kolekcjoner sztuki i entuzjasta NFT, Martin Mobarok, kupił rysunek Kahlo, by później spalić go na oczach wiwatującego tłumu. Mobarok twierdził, że już uwiecznił dzieło, zamieniając je w NFT, eliminując w ten sposób potrzebę posiadania oryginału.

8. Cindy Sherman (1954-)

Wielka współczesna fotografka swoich czasów i prawdziwa zmiennokształtna, Cindy Sherman radykalnie zmieniły rozumienie fotografii jako medium artystycznego. Większość jej prac to autoportrety, w których Sherman przymierza różne tożsamości i płcie, takie jak kostiumy. Nigdy jednak nie dokonuje przypadkowych wyborów. Wszystkie jej postacie są odzwierciedleniem osobowości medialnych, postaci fikcyjnych lub przedstawicieli określonych grup społecznych.

W kontekście płci Sherman jej praktyka artystyczna dotyka także piętna próżności związanego z fotografowaniem się kobiet. Jednocześnie autoportret jako gatunek artystyczny jest zasadniczo aktem samopoznania i szacunku dla siebie. Mieszając te dwa konteksty, Sherman otwiera dyskusję na temat płynności i niestabilności norm społecznych i płciowych.

7. Louise Bourgeois (1911 – 2010)

Louise Bourgeois jest prawdziwą legendą sztuki nowoczesnej, choć uznanie zyskała stosunkowo późno w swojej karierze. Od małych obiektów tekstylnych po wielkoformatowe instalacje, głównym zajęciem Bourgeois była jej własna pamięć: jej prace eksplorują poczucie ochrony, koncepcję domu, a także mechanizmy traumy i nieświadome pragnienia.

Prace Bourgeois opierają się na jej własnej mitologii i powtarzających się symbolach. Najbardziej rozpoznawalny z nich Pająk , nie jest stworzeniem wywołującym koszmary, ale symbolem matki Bourgeois i jej miłości. Nie powinien grozić, ale kochać, troszczyć się i troszczyć się o ochronę swojej rodziny i tkać sieć. Rodzina artysty prowadziła firmę zajmującą się restauracją gobelinów, co z pewnością przyczyniło się do symboliki i zainteresowania mieszczan tekstyliami.

6. Leonora Carrington (1917 – 2011)

Wielki brytyjski surrealista Leonora Carrington był jednym z wielu artystów, którzy uciekli z Europy w czasie II wojny światowej. Najbardziej produktywne lata spędziła w Meksyku, studiując lokalną sztukę ludową i tworząc własną. Carrington była jedną z aktywistek ruchu wyzwolenia kobiet w Meksyku w latach 70.

Podobnie jak inne surrealistki, Carrington wniosła wielką różnorodność konceptualną do ruchu zdominowanego przez mężczyzn. Świat Carringtona zamieszkują wiedźmy, czarodziejki i wróżki, ale te mistyczne kobiety są dalekie od fetyszystycznych postaci swoich męskich odpowiedników. Postacie Carringtona są właścicielami swojej przestrzeni, każdego królestwa i każdego jego aspektu. W przeciwieństwie do innych surrealistów nie interesowała się tym pisma Zygmunta Freuda , preferując opierać swoją pracę na osobistych doświadczeniach.

5. Henri Rousseau (1844 – 1910)

Celnik, który został malarzem, Henryka Rousseau był naprawdę wybitną postacią. Krytycy wyśmiewali jego naiwny, dziecinny styl, a niektórzy z najbardziej postępowych artystów go chwalili. Pablo Picasso znalazł kiedyś prace Rousseau sprzedające się na ulicy. Zaskoczony stylem od razu znalazł autora i urządził na jego cześć bankiet, koronując go na króla malarzy.

Pomimo tego, że Rousseau był znany ze swoich obrazów przedstawiających sceny z dżungli, nigdy nie opuścił Francji i nigdy nie widział swoich onirycznych krajobrazów w rzeczywistości. Cała jego wiedza o tropikalnej florze i faunie pochodziła z relacji podróżników i wizyt w ogrodach zoologicznych i botanicznych. Co ciekawe, Rousseau nigdy nie zdawał sobie sprawy, jak bardzo różni się od innych, widząc siebie jako kolejnego spadkobiercę tradycji malarstwa akademickiego.

4. Gustaw Klimt (1862 – 1918)

Mimo mitycznych konotacji i onirycznej atmosfery swoich dzieł, Klimt nie był daleko od ideału osiągnięcia naukowe swoich czasów . Klimt, częsty gość intelektualnych salonów wiedeńskich, żywo interesował się psychiatrią i naukami medycznymi swojej epoki. Jego prace zawierały idee m.in darwinizm i psychoanalizy w swoich pracach. Jego prace były znacznie bardziej złożone i intelektualne, niż się wydawało na pierwszy rzut oka.

Innowacje Klimta, jak jego uczeń Egona Schielego , często przedstawiana kobieca seksualność. W przeciwieństwie do wielu innych artystów tamtych czasów, Klimt nie ograniczał swoich kobiecych postaci do bycia wyłącznie fetyszystycznymi symbolami. Kobiety Klimta wydają się asertywne i sprawcze, doskonale świadome swojej seksualności i kontroli nad nią.

3.Vincent Van Gogh (1853-1890)

Głęboko zmartwiony i niedoceniony za życia Vincent van Gogh był nie tylko przełomowym artystą. Miał też duży wkład w tzw mit o nierozpoznanym genialnym artyście. Jego historia była historią udręczonej duszy, niezrozumianego talentu i miażdżącej samotności.

Niedawne odkrycie dokonane przez zespół konserwatorsko-restauracyjny Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina w Moskwie może wiele wyjaśnić niespokojny stan psychiczny artysty. Analiza chemiczna pigmentów w malarstwie Czerwona winnica w Arles pokazał, że farba zawiera ślinę artysty. Za życia van Gogha niektóre rodzaje farb były bardzo toksyczne i zawierały takie pierwiastki jak ołów i arsen. Najwyraźniej van Gogh lizał swoje pędzle, podczas gdy malowanie i zatrucie metalami ciężkimi mogło przyczynić się do jego rozpadającego się stanu psychicznego.

2. Henri Matisse (1869 – 1954)

Jeden z kluczowych artystów związanych z fowistyczny ruchu, wyjątkowe podejście Matisse'a do koloru i linii uczyniło go legendą sztuki współczesnej za życia. Pomysł Matisse'a, aby oddzielić kolor od tematu, był wówczas przełomowy. Innymi słowy, trawa nie musiała być pomalowana na zielono, a niebo niekoniecznie musiało być pomalowane na niebiesko. Matisse był pod wpływem nie tylko francuskiej tradycji malarstwa, ale także sztuki północnoafrykańskiej. Jego podróż do Maroka w 1912 roku wywarła trwały wpływ na jego twórczość, wpływając zarówno na jego styl, jak i wybór tematów.

W późnych latach zły stan zdrowia Matisse'a przykuł go do wózka inwalidzkiego. Praca z płótnami i pędzlami była prawie niemożliwa, więc Matisse znalazł alternatywną ścieżkę. Rozpoczął malowanie nożyczkami układając kolorowy papier wycinanki i przypinania ich do drewnianych paneli.

1. Współczesny artysta: Pablo Picasso (1881 – 1973)

Gniewny geniusz o destrukcyjnych nawykach i wyjątkowej wizji, Pablo Picasso stał się planem dla wielki współczesny artysta . Był pionierem wielu ruchów i technik artystycznych. Pracował jako malarz, rzeźbiarz, pisarz, a nawet kurator sztuki, organizując w 1932 roku własną retrospektywę.

Chociaż Picasso był prawdziwym innowatorem, jego artystyczne osiągnięcia nie pojawiły się same. Był artystą bardzo wykształconym, który nie ograniczał się do wiedzy swoich poprzedników. Picasso uczył się od otaczającego go świata, będąc jednym z pierwszych europejskich artystów, na których zwrócono ich uwagę Sztuka niezachodnia . Był też zapalonym kolekcjonerem sztuki, kupującym dzieła niedocenianych mu współczesnych.