Surrealistyczne, feministyczne obrazy Leonory Carrington

Leonora Carrington była surrealistyczną malarką i pisarką, która w swoich pracach włączyła magię i mistycyzm. Od początku miała buntowniczego ducha, odrzucając narzucony jej w dzieciństwie katolicyzm i uprawiając sztukę wbrew pragnieniom rodziców. Od romansu ze znanym surrealistą Maxem Ernstem po ucieczkę do Meksyku w celu uniknięcia pobytu w sanatorium, jej wyjątkowa droga życiowa ukształtowała ją jako osobę i artystkę. Jej silna wiara w siłę kobiecości przekładała się na jej pracę, a wytrwałość pomagała jej w branży zdominowanej przez mężczyzn.

Tło Leonory Carrington

Leonora Carrington urodził się w 1917 roku w Lancashire w Anglii w zamożnej rodzinie rzymskokatolickiej. Dorastanie w rodzinnej posiadłości o nazwie Crookhey Hall inspirowało ją przez całą karierę. Irlandzka matka i niania Carrington zetknęły ją z mitologią celtycką, która miała duży wpływ wraz z jej otoczeniem pełnym koni. Leonora od najmłodszych lat buntowała się przeciwko kulturze swojej rodziny i wierzeniom religijnym. Po wyrzuceniu z dwóch szkół klasztornych została wysłana do Florencji, aby w 1927 roku uczęszczać do Akademii Sztuki pani Penrose. Jej rodzice sprzeciwiali się jej pogoni za sztuką, ale pozwolili jej studiować sztukę w Chelsea School of Art w Londynie w 1935 roku.

Dzięki koneksjom ojca artystka została przyjęta do Akademii Sztuk Pięknych Ozenfant, utworzonej przez francuską kubistkę Amédée Ozenfant. Leonora podczas pobytu tam głęboko zainteresowała się surrealizmem. Fascynowała ją również książka Sir Herberta Reada pt Surrealizm .

Carrington uczestniczył w Międzynarodowej Wystawie Surrealizm w 1936 roku, gdzie poczuła koleżeństwo z wieloma innymi uprzywilejowanymi artystami buntującymi się przeciwko angielskiej arystokracji. To tam zobaczyła dzieła niemieckiego surrealisty Maks Ernest , którą później poznała na imprezie i w której się zakochała. Obaj artyści przeprowadzili się razem do Saint Martin d’Ardèche w południowej Francji. Doprowadziło to do wyparcia się jej przez ojca.

W swoim domu Carrington i Ernst współpracowali nad rzeźbami i obrazami, zachęcając się nawzajem w miarę ich rozwoju surrealista praktyka artystyczna. Jednak gdy wybuchła I wojna światowa, Ernst został aresztowany za bycie wrogi obcy we Francji i za tworzenie zdegenerowany sztuka w oczach nazistów. Udało mu się uciec do Stanów Zjednoczonych, ale wyjechał ze swoją sponsorką sztuki Peggy Guggenheim. Dlatego odszedł Carringtona za. W następstwie tego rozdzierającego serce wydarzenia zdrowie psychiczne Leonory ucierpiało i została przyjęta do azylu po załamaniu psychotycznym. Jej rodzice chcieli wysłać ją do sanatorium w RPA, ale uciekła do Portugalii i udała się do ambasady meksykańskiej.

Życie w Meksyku

Leonora Carrington udało się zawrzeć porozumienie z poetą i ambasadorem Meksyku Renato Leducem, który tymczasowo ją poślubił, by zapewnić jej immunitet jako żonie dyplomaty. Od 1942 roku przez większość życia mieszkała w Meksyku. Ze względu na swoje dotychczasowe zaangażowanie w ruch surrealistyczny Carrington mogła zadomowić się w kręgu europejskich artystów, którzy również szukali azylu w Mexico City.

W 1947 roku Carrington wzięła udział w międzynarodowej wystawie surrealizmu w Galerii Pierre Matisse w Nowym Jorku, a dwa lata później miała swoją pierwszą indywidualną wystawę w Galerii Clardecor w Meksyku. W latach 60. mieszkała w Nowym Jorku, ale wróciła do Meksyku, gdzie w 1973 r. zlecono jej namalowanie muralu i stworzenie plakatu dla ruchu Wyzwolenia Kobiet.

Jej pasja do mistycyzmu połączyła ją z surrealistyczną grupą teatralną Poesia en Voz Alta i surrealistycznym malarzem Remedios Varo. Relacje, które nawiązała oprócz nauk buddyjskich, meksykańskiego folkloru i filozofii Carla Junga, przyczyniły się do jej praktyki artystycznej.

Oprócz jej grafiki, napisała wiele artykułów i opowiadań w Meksyku, w tym jej powieść Słysząca Trąbka (1976). Znacząca retrospektywa jej prac odbyła się w Museo Nacional de Arte Moderno w Meksyku w 1960 roku. W późniejszych latach, dzieląc swój czas między Meksyk a Stany Zjednoczone, Carrington stworzyła rzeźby z brązu przedstawiające ludzi i zwierzęta, wraz z obrazy i rysunki.

Kobieca seksualność: autoportret (1937-8)

Autoportret (Gospoda Świtu) powstała po separacji od rodziny po jej romansie z Maxem Ernstem. Na tym autoportrecie Carrington maluje się w androgynicznym ubraniu, siedząc w niebieskim fotelu obok hieny. Za nią na ścianie jest biały koń na biegunach, równoległy do ​​białego konia galopującego za oknem na sąsiedniej ścianie. Jej ręka sięga do hieny, co odzwierciedla pozycja stworzenia. Carrington często zawierała hienę, aby reprezentować siebie, ze względu na jej buntowniczy charakter.

Ten utwór przedstawia kontrast między niewolą a wyzwoleniem. Jako nastolatka czuła się ograniczona i pragnęła wolności, co ilustruje spojrzenie konia na biegunach przez okno, marzącego o przyszłości, w której będzie mógł biegać swobodnie. Oprócz wyzwolenia spod kontroli rodziców, jako silna niezależna kobieta dążyła do wyzwolenia seksualnego. Tradycyjnie w surrealistycznych dziełach sztuki istnieje stereotyp, że kobiety istnieją wyłącznie po to, by służyć jako obiekt pożądania mężczyzn. Zamiast wyrażać kobiecą seksualność z perspektywy mężczyzny, Carrington odzyskała władzę i namalowała ją tak, jak jej doświadczała. Nie zintegrowała tego tematu, aby zadowolić męskich widzów, ale aby przedstawić osobisty opis swojej kobiecości.

Senność, która kwestionowała rzeczywistość w jej obrazach, odpowiadała jej kwestionowaniu norm w kontekście jej bogatego wychowania. W tym przypadku absurdalność sytuacji, którą namalowała, rzuca światło na jej kontrkulturowe przekonania na temat kobiecej seksualności i siły dążenia do niezależności.

Tożsamość i transformacja: Olbrzymka (Strażniczka jajka)

Malowane przez Carringtona Gigantka pięć lat po zostaniu mieszkańcem Meksyku. Główną postacią jest gigantyczna kobieta, która stoi na polu pszenicy, a za nią morze. Jej złote włosy są również zrobione z pszenicy, a jej twarz przypomina księżyc. Ubrana jest w biały płaszcz i czerwoną sukienkę z wyrysowanymi na przodzie postaciami ptasich głów. Poniższe postacie ludzkie odzwierciedlają wczesne kolonialne interpretacje Irlandczyków. Utwór jako całość jest zgodny z estetyką irlandzkiego ludu.

W dłoniach trzyma jajko, a gęsi latają wokół niej i wyłaniają się z jej peleryny. Jajko jest powracającym motywem w pracach Carringtona, który jest fizyczną reprezentacją własnych doświadczeń oraz przeszłej i przyszłej historii Wszechświata . Oprócz jej własnej symbolicznej definicji, jajko jest uniwersalnym ucieleśnieniem nowego życia. Sposób, w jaki postać ostrożnie trzyma jajko, pokazuje jej opiekuńczą naturę nad swoją tożsamością i miłość, jaką darzy swoją ewoluującą jaźń w odniesieniu do przewodnictwa wszechświata. Jajko przypomina Hieronima Boscha dzieło, które posłużyło jako inspiracja dla ruchu surrealistycznego.

Trzy kobiety lekko narysowane między stopami Giantessy przedstawiają mały szczegół, który uważa się za bardzo znaczący. Pojawienie się razem trzech kobiet często pojawia się w twórczości Carringtona. Jedną z interpretacji tego powtórzenia jest przedstawienie jej i jej przyjaciół surrealistycznych artystów, Remedios Varo i Kati Horna. Potrójne boginie bóstw są również charakterystyczne dla mitologii celtyckiej, na którą była pod silnym wpływem. Połączenie grupy kobiet i Giantess ilustruje siłę i moc boska kobiecość .

Mistycyzm i alchemia: dom naprzeciwko (1945)

Carrington przełożyła swoje studia nad alchemią na swoje dzieła sztuki. Dom Naprzeciwko przedstawia scenę wypełnioną fantastycznymi istotami praktykującymi mistycyzm. W prawym dolnym rogu trzy postacie poruszają kociołkiem, nawiązując do alchemicznego procesu topienia metali na złoto. Tradycyjni alchemicy wierzyli, że ta procedura może stworzyć Kamień Filozoficzny, który podarował życie wieczne tym, którzy go wypili. Aby uniemożliwić innym udział, jeśli osiągnęli ten cel, alchemicy używali alegorii, aby wyrazić swoje teorie. Podobnie Carrington stworzył przedstawienie alchemii z surrealistycznymi obrazami, które są otwarte na interpretację.

Pośrodku kobieca postać siedzi przy czymś, co wydaje się być stołem kuchennym i używa go jako swojego laboratorium do wymyślenia enigmatycznego dzieła. Kilka otaczających ją kobiecych istot zmierza w kierunku stołu, przynosząc składniki do jej rytuału. Poza przedstawieniem praktyki alchemicznej, ta scena odzwierciedla koncepcję domowych obowiązków kobiety i ceremonialną akcję wypełniania tej roli. Carrington odnajdywała duchowe znaczenie w każdej dziedzinie swojego życia, a przede wszystkim w kobiecej energii, która była w niej iw otaczających ją kobietach.

Jej wiara w okultyzm i ezoteryzm przejawia się również w tym utworze. Rytualna natura katolicyzmu zawsze ją intrygowała, ale mizoginia definiująca tę religię była dla niej niepokojąca. Poprzez okultyzm i poznawanie starożytnych kultur, które wychwalały boginie, uhonorowała duchowość kobiet i nasyciła swoją pracę mocą wyzwolenia. Zastępując postacie męskie w sztuce surrealistycznej obecnością silnych kobiet, odzyskała prawdziwą kobiecość, która została udaremniona przez zdominowane przez mężczyzn społeczeństwo.

Carrington pomogła ustanowić surrealizm w latach po drugiej wojnie światowej, a jej osobiste listy i pisma pomogły zdefiniować teorię surrealizmu. W 2013 roku jej prace były prezentowane na retrospektywnej wystawie zatytułowanej The Celtic Surrealist w Irish Museum of Modern Art. Jej wizualna i pisemna ekspresja feminizmu zainspirowała wiele artystek, takich jak Louise Bourgeois i Kiki Smith. Jej trwający całe życie buntowniczy duch i odwaga to cechy, które określają ją jako jedną z najbardziej wpływowych surrealistycznych artystek w historii.