Mistrz Kwiatów: Georgia O’Keeffe

Portret Georgia O’Keeffe autorstwa Alfreda Stieglitza , 1918, za pośrednictwem Instytutu Sztuki w Chicago; wzdłuż Petunie autorstwa Georgii O’Keeffe , 1925, przez Muzeum Sztuk Pięknych w San Francisco; żółta kalia autorstwa Georgii O’Keeffe , 1926, za pośrednictwem Smithsonian American Art Museum; Jimson Weed/Biały kwiat nr 1 autorstwa Georgia O’Keeffe , 1932, via Muzeum Sztuki Amerykańskiej Crystal Bridges; Czerwona Canna przez Georgia O’Keeffe , 1925-28, Muzeum Uniwersytetu Arizony

Georgia O'Keeffe, znana przede wszystkim ze swoich obrazów przedstawiających kwiaty, jest pionierką sztuki amerykańskiej. Jej obrazy z kwiatami były kluczowym krokiem w ewolucji jej twórczości jako modernistycznej malarki. Od samego początku zbierają zarówno pochwały, jak i pogardę krytyków, którzy zastanawiali się nad prawdziwym znaczeniem tych kwiatów. Czytaj dalej, aby dowiedzieć się więcej o sztuce Georgii O'Keeffe i o tym, jak stała się współczesną mistrzynią kwiatów.

Początki Kwiatów Georgii O’Keeffe

Czerwona Kanna autorstwa Georgii O’Keeffe , 1915, za pośrednictwem Galerii Sztuki Uniwersytetu Yale, New Haven, Connecticut; obok Czerwona Kanna autorstwa Georgii O’Keeffe , 1925-28, przez Muzeum Uniwersytetu Arizony, Tucson, Arizona

Georgia O’Keeffebyła pod wpływem kwiatów od wczesnego dzieciństwa, mieszkając w wiejskim Wisconsin. Gdy chodziła do liceum w Milwaukee, jej nauczycielka w liceum przyniosła na lekcję roślinę typu jack-in-the-pulpit i był to kluczowy punkt dla O'Keeffe. To tam zaczęła badać kształty i faktury kwiatów, a także miała ochotę je malować. O'Keeffe wykorzystał później ten kwiat jako część serii obrazów w 1930 roku.

Sztuka Georgia O’Keeffe i jej styl artystyczny nie zaczynały się jako modernistyczne, ale raczej bardzo tradycyjne. Początkowo zaczęła malować martwe natury i kwiaty za pomocą akwareli. Powyższy obraz powstał w 1915 roku i chociaż ma większe i luźniejsze pociągnięcia pędzlem, nadal jest bliższy tradycyjnemu obrazowi martwej natury. W 1919 O'Keeffe zaczął malować czerwone kwiaty lilii kanna farbą olejną zamiast akwarelą. Zaowocowało to bogato i intensywnie pigmentowanymi czerwonymi liliami. Lilia canna była tematem kwiatowym, którego używała głównie w latach dwudziestych. To właśnie mieszkając w Nowym Jorku, rozpoczęła ten proces i to tam po raz pierwszy zadebiutowała tymi obrazami w galeriiwystawy. Miasto miało duży wpływ na sposób, w jaki przedstawiała lilię canna. Każdy kolejny obraz powiększał się i stawał coraz bardziej abstrakcyjny.

Życie z innego punktu widzenia

Manhattan autorstwa Georgii O’Keeffe , 1932, przez Smithsonian American Art Museum w Waszyngtonie

Wykorzystywanie przez Georgia O’Keeffe pustej/negatywnej przestrzeni i zbliżenia jest znakiem rozpoznawczym jej prac. Obrazy O'Keeffe podczas mieszkania w Nowym Jorku były jednymi z pierwszych, które badały to przybliżone podejście do malowania kwiatów. Skala między ogromnymi drapaczami chmur w porównaniu do małości pojedynczego kwiatu zainspirowała sztukę Georgia O’Keeffe. Chciała, aby jej kwiaty zostały zauważone tak samo jak te drapacze chmur, i zrobiła to, powiększając rozmiar płótna. Dzięki temu była w stanie dodać więcej samego kwiatu, zamiast dołączać inne przedmioty, które mogłyby przeszkadzać jego pięknu.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Rozwijając kwiaty stworzyła nowoczesne, minimalistyczne podejście do tej tematyki. Sztuka Georgia O’Keeffe jest eksploracją tego, jak postrzegała świat przez całe życie. O’Keeffe zawsze oglądał miniaturowe i zapomniane przedmioty wokół niej i sprawiał, że były zauważalne. Najlepiej powiedzieć to własnymi słowami O’Keeffe: Kiedy bierzesz do ręki kwiatek i naprawdę na niego patrzysz, to na chwilę jest Twój świat. Większość ludzi w mieście biega dookoła, więc nie mają czasu na oglądanie kwiatu. Chcę, żeby to zobaczyli, czy tego chcą, czy nie.

Przejście do abstrakcji

Ciemna tęczówka nr III autorstwa Georgii O’Keeffe , 1927, via Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe, Nowy Meksyk; obok Abstrakcja Biała Róża autorstwa Georgii O’Keeffe , 1927, via Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe, Nowy Meksyk

Wiele kwiatowych obrazów Georgii O'Keeffe staje się tak abstrakcyjnych, że prawie niemożliwe jest stwierdzenie, czy jest to kwiat. O’Keeffe był tradycyjnie szkolony w Instytut Sztuki w Chicago oraz Art Students League w Nowym Jorku. Później zainspirował ją artysta Arthur Wesley Dow. To jego sztuka jako pierwsza wprowadziła ją do tworzenia sztuki abstrakcyjnej. Przed malowaniem kwiatów stworzyła również serię abstrakcyjne rysunki węglem drzewnym . Te rysunki były jednymi z jej pierwszych eksperymentów w próbach uchwycenia istoty przedmiotu, a nie tylko malowania jego cech fizycznych.

W latach dwudziestych namalowała także cykle Muzyka obrazy olejne które są inspirowane tą teorią. Obrazy te bardzo przypominają jej kwiat i obrazy pejzażowe ze względu na nakładające się kształty, faliste formy i płynną mieszankę kolorów. Jej użycie koloru dodaje element emocjonalny do jej prac, a jej zastosowanie farb olejnych tworzy gładkie faktury powierzchni i dynamiczne formy. To dzięki umiejętnościom malarskim i rysunkowym O’Keeffe jej obrazy odniosły taki sukces.

Kwiaty w całej Ameryce

Kukurydza, nr 2 autorstwa Georgii O’Keeffe , 1924, via Georgia O’Keeffe Museum, Santa Fe, Nowy Meksyk; obok Hibiskus z Plumeria autorstwa Georgii O’Keeffe , 1939, przez Smithsonian American Art Museum w Waszyngtonie

Georgia O’Keeffe podróżowała i mieszkała w wielu różnych miejscach podczas swojego życia i kariery. Każde miejsce, które odwiedziła, inspirowało rodzaje kwiatów, które malowała. O’Keeffe spędziła wiele lat w rodzinnej posiadłości męża w pobliżu jeziora George. Będąc tutaj, O'Keeffe namalowała kwiaty w kształcie jack-in-the-pulpit, które po raz pierwszy widziała w liceum, a także obrazy łodyg kukurydzy (widoczne powyżej) i zbliżenia liści klonu.

Atmosfera wokół jeziora oferowała bogatą roślinność, a paleta kolorów odzwierciedla ten nastrój, ciemniejszymi kolorami i bogatymi tonami fioletów, czerwieni, zieleni i błękitów. Namalowała ponad 200 dzieł sztuki w swojej pracowni Lake George i było to wspaniałe źródło inspiracji dla jej pejzaży i obrazów kwiatowych.

Jimson Weed/Biały Kwiat nr 1 autorstwa Georgii O’Keeffe , 1932, przez Crystal Bridges Museum of American Art, Bentonville, Arkansas

W 1939 roku Georgia O’Keeffe wyjechała na Hawaje i tam znalazła więcej inspiracji do malowania kwiatów, z którymi nie dorastała. Z tej podróży do jej obrazów należą: Hibiskus z Plumeria, Heliconia: Crabs Claw Imbir, Biały Rajski Ptak i Pączek Ananasa. W tych obrazach używa jaśniejszych odcieni różu, żółci i zieleni w porównaniu z żywymi kolorami i bogatymi tonami jej nowojorskich obrazów kwiatowych. Te obrazy kwiatowe są łatwiej rozpoznawalne niż niektóre z jej wcześniejszych obrazów kwiatowych.

Na Dom O’Keeffe w Nowym Meksyku , znalazła kwiaty/rośliny, w tym chwastów, malwy i róże. Ziele jimson (widoczne powyżej) jest rodzimą rośliną Nowego Meksyku i rosło dziko obok domu O'Keeffe. Umieszczała również róże i malwy, zwłaszcza róże perkalowe, w swoich obrazach czaszki i kości. W tych obrazach odwraca skalę kwiatu z obejmującego całe płótno do bycia mniejszym niż kości na jej obrazach. To zmniejszenie rozmiaru kwiatu nie zmniejsza jego obecności, ale raczej uwydatnia uproszczoną scenerię, z której była znana w swoich pustynnych krajobrazach.

Czy to tylko kwiaty?

Orchidea autorstwa Georgii O’Keeffe , 1941, za pośrednictwem The Museum of Modern Art, Nowy Jork, Nowy Jork

Za jej życia obrazy kwiatowe Georgii O'Keeffe były postrzegane jako abstrakcyjne obrazy kobiecych genitaliów. Jednym z powodów był sposób, w jaki jej sztuka była krytykowana w latach 20. XX wieku. Zwłaszcza męscy krytycy uznali jej obrazy za wulgarne przedstawienia seksu, zwłaszcza że zostały namalowane przez kobietę. Jej mąż, Alfred Stieglitz , a jego wpływ na ich artystyczne środowisko tylko jeszcze bardziej promował ten pogląd na jej sztukę. Intencje O’Keeffe, by zostać radykalną modernistyczną malarką, zostały zatem osłabione przez otaczających ją mężczyzn, którzy patrzyli na jej sztukę przez seksistowskie i zseksualizowane soczewki.

Bardziej współcześni krytycy rozpoznają teraz własne zalety O'Keeffe jako abstrakcyjną modernistkę, która wyprzedziła swoje czasy, zamiast po prostu czytać poglądy otaczających ją mężczyzn. Możemy również dzisiaj zrozumieć, że O'Keeffe chciała nasycić swoje obrazy kwiatowe subtelnymi, a nie jawnymi odniesieniami seksualnymi. Mają znacznie więcej wspólnego z uchwyceniem esencji kwiatu, jego faktur, kolorów i kształtów. Ale to był jej wybór, aby malować kwiaty, w tym irysy, orchidee lub lilie, które już mają z nimi skojarzenia seksualne.

Freudowska kontra feministka: sztuka Georgii O’Keeffe przez dziesięciolecia

żółta kalia autorstwa Georgii O’Keeffe , 1926, przez Smithsonian American Art Museum w Waszyngtonie

Wydaje się, że każde nowe pokolenie widzi twórczość Georgii O’Keeffe w nowy sposób. Za jej życia na jej sztukę patrzyły dwie przeciwstawne strony feministycznego spektrum. W czasie, gdy O'Keeffe po raz pierwszy zadebiutowała swoimi kwiatami w latach dwudziestych XX wieku i przez następne pół wieku, powszechnie uważano je za obrazy seksualne, pożądliwe, a czasem wulgarne. Wiele krytyki, które zebrała w tym czasie, można przypisać freudowski punkty widzenia, które w tym czasie zyskiwały na popularności.

Kobiece skojarzenia z kwiatami również zaczęły być postrzegane jako związek z wyrażaniem ukrytych pragnień seksualnych. W latach dwudziestych kobiety zaczęły bardziej niż w poprzednich dekadach wyrażać swoją seksualność i niezależność. Z powodu tych zmian w społeczeństwie wielu jej współczesnych widziało jej obrazy kwiatowe jako kobiece genitalia, które są przytulnie zawoalowane w formie kwiatu.

W latach 70. grupy feministyczne wspierały jej pracę i uważały ją za ikonę feministyczną. Świętowali jej pracę myśląc, że reprezentują niezależność seksualną kobiet. działaczka feministyczna, Gloria Steinem próbował nawet odwiedzić O’Keeffe, przynosząc jej bukiet róż, ale podobno O’Keeffe nie pozwolił jej wejść do swojego domu. Bycie reklamowanym jako ikona feminizmu było czymś, co zostało umieszczone na O'Keeffe, a nie tym, jak sama siebie nazywała. Chociaż mocno wierzyła w równe prawa dla kobiet, w swojej sztuce O'Keeffe po prostu chciała być postrzegana jako jednostka i mieć niezależność dla siebie i swojej twórczości.