Domy artystów: kreatywne przestrzenie i pracownie artystyczne znanych malarzy

Claude Monet w Giverny , 1920 (po lewej), Portret Fridy Kahlo , Florencja Arquin , 1948, Archives of American Art (w środku) oraz Georgia O’Keeffe , 1968, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution (po prawej)

Otoczenie artysty może ostatecznie splecić się z jego twórczością i dziedzictwem. Claude Monet jest związany z Giverny we Francji, tak jak Frida Kahlo ma Coyoacán, Meksyk. Spojrzenie na tych artystów przez pryzmat ich otoczenia może prowadzić do nowego spojrzenia na ich techniki artystyczne, procesy i przekonania. Odsuńmy zasłonę i zajrzyjmy do domów i pracowni artystycznych najbardziej wpływowych malarzy w historii.

Nowe meksykańskie domy i pracownia sztuki Georgia O’Keeffe

O’Keeffe otwiera zasłony swojego studia przez Tony'ego Vaccaro , 1960, Muzeum Georgia O’Keeffe

Szerokie okna w pracowni artystycznej Georgia O’Keeffe spójrz na rozległe krajobrazy Nowego Meksyku. To właśnie ten krajobraz po raz pierwszy urzekł O’Keeffe i ostatecznie stał się jej domem na resztę jej życia i kariery. Jej związek z ziemią zapewnił jej odnowione poczucie niezależności. Dało jej to możliwość stworzenia przestrzeni, która była jej charakterystyczna.

Ranczo duchów: dzikie tło południowego zachodu O'Keeffe

Ranczo duchów, patio autor: Todd Webb , 1955-1981, Muzeum Georgia O’Keeffe

W Nowym Meksyku są dwa miejsca, które Georgia O’Keeffe wykorzystywała jako swój dom/studio. Ghost Ranch, czyli Rancho de los Burros, było ranczem dla gości, gdzie ludzie mogli wynajmować pokoje i pracować na roli. O’Keeffe zostawała w lecie i wracała do Nowego Jorku, by odwiedzić swojego męża Alfreda Stieglitza, aż do jego śmierci.

Moje podwórko, lato autorstwa Georgii O’Keeffe , 1941, Muzeum Georgia O’Keeffe

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Ranczo położone jest pomiędzy chropowatymi warstwami mesy a płaską pustynią. Mesa jest pokryta rdzawym piaskowcem i osadami, które wahają się od fioletu, błękitu i żółci. Pustynia usiana jest zielonymi krzewami i drzewami, które rozsiane są po krajobrazie. Chociaż kraina zapiera dech w piersiach, Ghost Ranch było trudne do zarządzania. Był odizolowany, bez telefonu i miał kiepski system nawadniający. W poszukiwaniu domu, który byłby pod uprawą, ale piękny, zaprowadziła O’Keeffe do jej drugiego domu.

Gospodarstwo Abiquiú: miejsce, w którym natura spotyka się z architekturą

Abiquiu House, Vigas i Studio Door w Georgii O’Keeffe autorstwa Georgii O’Keeffe , 1964, Muzeum Georgia O’Keeffe

Wymagający wysiłek związany z prowadzeniem Rancza Duchów skłonił O’Keeffe do odkrycia domu Abiquiú. Był w kiepskim stanie i początkowo nie nadawał się do zamieszkania, ale O'Keeffe wiedziała, że ​​musi go mieć. Kiedy odwiedziła posiadłość, jej enigmatyczna obecność przyciągnęła ją. Remonty obejmowały włączenie architektury widzianej w regionie z wpływami rdzennych Amerykanów i Hiszpanii. Vigas z bali cedrowych pokrywają sufity, a cegły adobe zostały wykonane z własnej ziemi O'Keeffe.

Wnętrze domu i pracowni Georgia O’Keeffe przez Jacka Bouchera , Służba Parku Narodowego

Te motywy przewijały się również we wnętrzu jej domu. O'Keeffe miała świetliki, okna obrazowe i otwarte drzwi, aby wpuszczać do domu naturalne światło. Jej meble są dopasowane do gładkich, pozbawionych ozdób ścian z adobe i minimalistycznej dekoracji. Dom Abiquiú tworzy uspokajającą prezencję w porównaniu do dzikiej przyrody za jej drzwiami. Jest harmonijny z dzikim i rustykalnym krajobrazem amerykańskiego południowego zachodu.

Nowy meksykański krajobraz: gdzie sztuka odzwierciedla życie

Dom Abiquiu Georgii O’Keeffe, Patio autorstwa Georgii O’Keeffe , 1964 (po lewej) i Drzwi przez okno autorstwa Georgii O’Keeffe , 1956,Muzeum Georgia O’Keeffe (po prawej)

Otaczająca pustynia ziemia bardzo zainspirowała obrazy O’Keeffe w jej karierze. Jej domy, szczególnie w Abiquiú, są geometrycznie liniowe z jej vigas, gładkimi ścianami z cegły i ścieżkami. Otwarte drzwi i okna wpuszczają naturalne światło tworząc różne kształty, linie i odcienie. Te linearne obrazy przypominają jej obrazy przedstawiające eleganckie nowoczesne drapacze chmur Nowego Jorku. Różnica w Nowym Meksyku polega na wykorzystaniu naturalnych odcieni ziemi, które codziennie widywała za oknem.

Choć Nowy Meksyk wciąż przyciąga artystów, obecnie stał się synonimem Georgii O’Keeffe. To jej wizerunki majestatycznych płaskowyżów i rozległych krajobrazów nadal zadziwiają i wywołują dyskusje nad jej twórczością.

Jackson Pollock i Lee Krasner’s East Hampton Art Studio

Jackson Pollock i Lee Krasner na polu Wilfrid Zogbaum , 1949, Archives of American Art, Smithsonian Institution

Panoramę Nowego Jorku pominięto na rzecz spokojnych dolin i strumieni East Hampton przez Jackson Pollock oraz Lee Krasner . Pollock, który cierpiał na depresję i alkoholizm, wybrał życie na wsi z dala od wymagającego miasta. Otaczająca kraina była wypełniona łąkami i bagnami z różnorodną dziką przyrodą i kwiatami. Wybrali dom, który kiedyś należał do rybaka i przebudowali dom i stodołę na swoją pracownię artystyczną. Wieś dawała nie tylko więcej swobody w przestrzeni, ale także możliwość rozwijania ambicji twórczych obu artystom.

Art Studio: proces i materiały Pollocka

Jackson Pollock przez Hansa Namutha, 1950, National Portrait Gallery, Smithsonian Institution

Stodoła oferowała Pollockowi więcej miejsca do tworzenia obrazów na dużą skalę w porównaniu z Nowym Jorkiem. Przykładem tego jest sytuacja, gdy Peggy Guggenheim zleciła Pollockowi wykonanie muralu. Podobno zburzył ścianę w swoim mieszkaniu, aby pasowała do wielkoformatowego obrazu. Nowo zdobyta przestrzeń pozwoliła mu położyć płótno na podłodze i mieć możliwość poruszania się po obrazie. To studio artystyczne było przestrzenią, w której Pollock zaprezentował swoją technikę malarską dla fotografa Hans Namuth jak wyżej.

Jackson Pollock w swoim studio autor: Rudy Burckhardt , 1950, Archives of American Art, Smithsonian Institution

Przestrzeń była wypełniona różnymi zapasami, których używał. Są puszki po farbie, grube pędzle, szmaty i inne materiały, jak widać na powyższym zdjęciu. Farby do domu lub emalii, których używał, były bardzo płynne i rozpryskiwały się na podłodze pod nim. Nawet dzisiaj na drewnianej podłodze pozostają plamy z farby. Pollock do malowania używał niekonwencjonalnych materiałów, takich jak kije, stare pędzle lub bastery z indyka. Do malowania używał również kamieni, szkła, sznurka lub piasku.

Wpływ scenerii East Hampton

Jackson Pollock, Long Island autorstwa Marthy Holmes , 1949, Magazyn Życia

Dyskutowano o tym, jak bardzo świat przyrody zainspirował pracę lub procesy Pollocka. Jednak wiele z serii Pollock, które powstały mieszkając w East Hampton, ma tytuły inspirowane naturą. Ukończył prace takie jak: Jesienny rytm (Numer 30) i Lawendowa mgła (Numer #). Jego tytuły serii obejmują: Dźwięki w trawie i Zatoczka Accabonac serial, który został nazwany na cześć potoku, który biegł za jego domem.

Pory roku autorstwa Lee Krasnera , 1957, Whitney Museum of American Art, Nowy Jork

W porównaniu z Pollockiem bardziej wiadomo, że Krasner czerpał inspirację z natury. Lee Krasnera Pory roku był obrazem, który stworzyła po śmierci Pollocka. Krasner używał pracowni artystycznej w stodole po śmierci Pollocka, ale przyklejał płótno na ścianie, a nie na podłodze. Gestykulacyjne pociągnięcia pędzla i organiczne postacie prowadzą do idei zmieniających się pór roku, których byłaby świadkiem. Ukończyła prace takie jak Mlecz , Mowa ptaków , lub Prawy Ptak Lewy które mają obrazy lub tytuły inspirowane naturą.

Zarówno Pollock, jak i Krasner stworzyli jedne z najbardziej pamiętnych obrazów w East Hampton. Sceneria przyciągnęła również artystów takich jak Willem de Kooning , Roy Lichtenstein , oraz Marek Rothko . Do dziś jest atrakcją dla zwiedzających ze względu na związek ze złożonym życiem Jacksona Pollocka.

Niebieski dom Fridy Kahlo

Portret Kahlo siedzącej na patio Niebieskiego Domu, jej domu w Coyoacán w Meksyku przez Florence Arquin, 195-?, Archives of American Art, Smithsonian Institution

Azul de anil to jasna kobaltowa farba tradycyjnie używana do odpędzania złych duchów i ochrony jej mieszkańców. To jest to, co obejmuje Frida Kahlo Casa Azul, raj, który stworzyła. Jego kolorowe ściany skrywają bujny tropikalny ogród pośrodku. Dom jest wypełniony przedmiotami, roślinami, zwierzętami i sztuką, które zebrała Frida. Te przedmioty i jej dom są reprezentacją jej dziedzictwa i miłości do jej domu, Meksyku.

Sypialnia: portret rzeczywistości

Frieda Kahlo w swojej sypialni autorstwa Bernarda G. Silbersteina , 1940, Instytut Sztuki w Detroit

Sypialnia Fridy była miejscem, w którym spędziła dużą część swojego życia. W dzieciństwie zachorowała na polio i jako młoda kobieta doznała wielu obrażeń, gdy została ranna w wypadku autobusowym. Ojciec i matka Fridy dali jej przybory plastyczne i specjalną sztalugę do wykorzystania w łóżku, gdzie studiowała i praktykowała swoją sztukę. Nad jej łóżkiem znajdowało się lustro, w którym malowała swoje autoportrety.

Sen (Łóżko) przez Fridę Kahlo , 1940,Prywatna kolekcja

Pod koniec życia znów była przykuta do łóżka. Te czasy izolacji skłoniły Kahlo do malowania obrazów otaczających ją rzeczy. Należą do nich jej rodzina, przedmioty we własnej sypialni i oczywiście ona sama. W rzeczywistości szkielet Judasza spoczywał nad łóżkiem Kahlo i pojawia się na obrazie Sen . Był używany nie tylko jako przypomnienie śmierci, ale także jako symbol ciągle zmieniających się cykli życia.

Kolekcje Diego i Frida

Frieda Kahlo w salonie Diego Rivery z postacią Judasza autorstwa Bernarda G. Silbersteina , 1940, Instytut Sztuki w Detroit

Frida i jej mąż, Diego Rivera , zebrane artefakty i sztuka ludowa Meksyku. Należą do nich małe figurki, zabawki, ołtarze (małe obrazy ołtarzowe), gliniane figurki z Metepeca, figurki Judasza (lub figurki fiesty) z papierowej maki. Te postacie i ich umiejscowienie w domu odzwierciedlają ich pasję do budowania dumy z rdzennej sztuki i kultury. Kolekcja tych przedmiotów odzwierciedla Meksykańska lub dumny akt uczczenia ich przodków i dziedzictwa. Obiekty te stworzyły również połączenie dla Fridy ze światem zewnętrznym.

Ogród: odrodzenie domu

Piramida przez Miguela Tovara, Muzeum Fridy Kahlo

Kiedy Casa Azul stał się własnością Fridy i Diego, został poddany renowacji, w tym ogród. Frida zbierała również rośliny i umieszczała je na dziedzińcu Casa Azul. Wybitną pozycją jest piramida znajdująca się w ogrodzie. To jeden z nielicznych elementów, które wyraźnie reprezentują obecność Diego w domu. Piramida oparta jest na piramidzie w Teotihuacan i służy do wyświetlania prehiszpańskich artefaktów. Inne rośliny znajdujące się w ogrodzie to nagietki, kaktusy, palmy liściaste i inne rośliny tropikalne pochodzące z Meksyku i Ameryki Środkowej / Południowej.

Martwa natura: Pitahayas przez Fridę Kahlo , 1938, Muzeum Sztuki Współczesnej Madison

Rośliny, kwiaty i owoce/roślinność były stałymi obrazami widzianymi na obrazach Kahlo. Wykorzystywano je do martwych natur, tła jej autoportretów lub jako hybrydy ludzko-roślinne. Jej obrazy roślin wyrastających z ludzi i odwrotnie pokazują przeplatający się związek między życiem a śmiercią. Stale odwołuje się do tego tematu w różnych swoich obrazach, takich jak obraz pokazany powyżej.

Obrazy Fridy i kolekcje przedmiotów są przykładem jej miłości do rodzimej i współczesnej kultury meksykańskiej. To pragnienie połączenia się z jej więzami z Meksykiem definiuje Casa Azul. To tam rozpoczęło się jej życie i kariera, a jej dziedzictwo nadal kwitnie.

Dom Vanessy Bell i Duncana Granta w Charleston

Duncan Grant przez Godfreya Argenta , 1968, National Portrait Gallery, Londyn (po lewej) oraz Vanessa Bell przez Duncana Granta , 1917, National Portrait Gallery, Londyn (po prawej)

The Grupa Bloomsbury powstała w oparciu o zbiorowy ideał odrzucenia ograniczeń społecznych ustanowionych przez ich rodziców z epoki wiktoriańskiej. Sztuka tych członków nie jest lepsza niż w Charleston Home w Sussex w Anglii. Żadna ściana, rama łóżka, kominek ani wanna nie pozostały niepomalowane w domu. Dwóch członków, którzy mieszkali i malowali w domu, byli Vanessa Bell oraz Duncan Grant . Ich dom jest dosłowną manifestacją ich pomysłów projektowych, a także wyrazem ich poglądów na ich styl życia. Dom jest sanktuarium, które zostało oddzielone od ograniczeń tradycyjnego społeczeństwa, które odrzucili.

Malowane powierzchnie i wystrój Charleston

Malowane drzwi w gabinecie Clive Bell , The Charleston Trust (po lewej) i Sala Ogrodowa, Charleston Trust (po prawej), East Sussex, Anglia

Marzeniem dzieci jest bezkarne rysowanie na ścianach swoich domów. To marzenie realizuje grupa Bloomsbury, ponieważ nie bała się odkrywać ujścia artystycznej wolności. Styl artystyczny Bella i Granta jest widoczny w dekoracjach domu. Pokoje i przedmioty w domu są urządzone w prostych formach, odważnych kolorach i wyrazistych pociągnięciach pędzla. Tematy wahały się od martwej natury owoców, kwiatów lub ludzkiej postaci. Krzesła, dywaniki, sofy, poduszki i lampy zostały nawet zaprojektowane przez Bell and Grant, a następnie wyprodukowane przez Warsztaty Omega .

Duncan Grant Studio, Kominek, Charleston Trust, East Sussex, Anglia

Bell i Grant wykorzystali wzory paisley lub w kratkę oraz kombinacje kół, pasków i kropek, aby stworzyć rytm między różnymi częściami domu. Ich użycie kolorów waha się od musztardowej żółci, bladego błękitu nieba, bogatych rdzawych pomarańczy lub bladej miętowej zieleni. Mimo że w domu występuje wiele różnych kolorów, wszystkie one zbiegają się ze sobą w jedności. Wynika to z ich spójnego, ekspresyjnego stylu i jest świadectwem ich mistrzowskiego wykorzystania teorii koloru.

Zaczarowany ogród: pełen spotkań i kwiatów

Duncan Grant i Angelica Garnett w ogrodzie w Charleston , Charleston Trust, East Sussex, Anglia (po lewej) oraz Lilie Arum autorstwa Vanessy Bell , 1919, The Courtauld Institute of Art (po prawej)

Angielska wieś Sussex z drzewami i sadami przyciągnęła Vanessę Bell do posiadłości. Ostatecznie Bell wypełniła ogrody kwiatami, które stały się źródłem inspiracji dla jej obrazów. Ogród jest miejscem spotkań członków Bloomsbury. Stworzenie ogrodu jest podobne do ogrodu Moneta Giverny lub ogrodu Fridy w Casa Azul. Był źródłem artystycznej inspiracji, ale też wytchnienia. Ogród wpłynął na malarstwo Bella Lilie Arum , który przedstawia martwą naturę z przedmiotami podobnymi do tych znalezionych w ich domu w Charleston.

Dom i ogród Charleston to zbiór ludzi zbierających się razem, aby stworzyć coś, co było dla nich wyjątkowo identyfikowalne. Od ciągłych przychodzących i wychodzących ludzi i ciągle zmieniającego się wystroju, dom Charleston jest nadal domem dzielonym przez wielu.

Ogrody Claude'a Moneta: pracownia artystyczna na świeżym powietrzu

Claude Monet przed swoim domem w Giverny , 1921, Musée d'Orsay, Paryż

Po przeprowadzce z miejsca na miejsce w trakcie swojej artystycznej kariery, to Giverny stał się… Claude'a Moneta ostatni dom. Przed domem Giverny porastają pnące róże i pnącza. Jasnozielone drzwi kontrastują z jaskrawą czerwienią rabatek róż na pierwszym planie. Front jego domu to dopiero początek zdolności Moneta do stworzenia arcydzieła ziemi i ogrodu. Giverny stał się źródłem inspiracji dla niektórych z jego najbardziej rozpoznawalnych dzieł, które do dziś zachwycają widzów.

Ogrody kwiatowe Giverny

Claude Monet w Giverny , 1908, Muzeum Sztuki w Denver

Monet bardzo zwracał uwagę na to, jakie rodzaje kwiatów sadził i gdzie je posadził. Układał swoje kwiaty według kolorów, łącząc rzadkie gatunki z najczęstszymi kwiatami, od róż, tulipanów, stokrotek, słoneczników czy naparstnic. Jego ogrody mogły obficie zarastać drzewami okrywającymi jego rabaty kwiatowe i różami pnącymi rosnącymi wzdłuż ścian jego domu. Monet traktował swój ogród tak, jakby tworzył obraz. Kolor rządził przede wszystkim, a kombinacje tych kolorów byłyby zaplanowane tak drobiazgowo jak jego impresjonistyczne obrazy .

Ogród artysty w Giverny przez Claude'a Moneta , 1900, Musée d'Orsay, Paryż

Ogrody Moneta dają poczucie zanurzenia widzów w jego świecie, tak jak robią to jego obrazy. Podobnie jak w mglistych pociągnięciach pędzla jego obrazów, nie można powiedzieć, gdzie kończy się dom, a zaczyna ogród, łącząc je w jedno. Przykładem jest obraz Ogród artysty w Giverny . Jasne fioletowe kwiaty na tym obrazie stoją w centrum uwagi na rozmytym zielonym tle jego domu i drzew. Nawet na tym obrazie widz może zobaczyć celowe rozmieszczenie jego kwietników, aby stworzyć wyraźne kształty i kolory na obrazie.

Most Japoński i Staw Lilii Wodnych

Fotografia bez tytułu, Archiwum Duranda-Ruela, album nr. III , Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Monet zbudował most w japońskim stylu, który był otoczony glicyniami, bambusami, irysami i stawem z liliami wodnymi pod spodem. Tworzenie własnych scen w ogrodach pozwoliło mu mieć stałą przestrzeń, w której mógł skupić się i studiować konkretną scenę. Obrazy Moneta przedstawiające staw skupiały się raczej na odbiciach wody niż na samych obiektach fizycznych. Idea odbić i immersji doprowadziła Moneta do stworzenia wielu reprezentacji tej jednej sceny.

Kładka japońska przez Claude'a Moneta , 1920-22, MoMA

Jedną z tych interpretacji japońskiego mostu widać na powyższym obrazie. W latach dwudziestych XX wieku w Giverny zmieniło się użycie koloru i nakładanie farby przez Moneta. Jego kolory przeszły od uspokajających zieleni i błękitów do energetycznych czerwieni i żółci. Jego pociągnięcia pędzlem były mniej kontrolowane, a linie były swobodnie umieszczane na płótnie. Może to być spowodowane starzejącym się wzrokiem Moneta, ale mimo to nadal jest widoczna zmiana w tej pracy w porównaniu z wcześniejszymi.

Art Studio: Stworzenie serii „Lilie wodne” Moneta

Claude Monet w swoim studio w Giverny Henri Manuel, 1920

Monet jest znany z tworzenia swoich obrazów w na dworze styl. Spacerował po francuskich wsiach lub pływał w pracowni łodzi po Sekwanie, aby tworzyć swoje plenerowe obrazy. Jednak dla swoich wielkoformatowych obrazów panelowych swoich lilii wodnych musiał przenieść się do pracowni artystycznej. Monet miał sześćdziesiąt lat, kiedy zaczął serię, i są jednymi z największych, nad którymi kiedykolwiek pracował.

Giverny rosła przez lata, a Monet wraz z nią. Nieustannie powiększał istniejące ogrody i sady, co pozwalało mu nigdy nie podróżować daleko od domu. Jego inspiracja była zawsze na wyciągnięcie ręki i doprowadziła do powstania jego najsłynniejszych dzieł.