Oto 10 najbardziej wysublimowanych pejzaży wszech czasów

Wędrowiec nad morską mgłą Caspara Davida Friedricha, 1817, przez Kunsthalle Hamburg (po lewej); Biała noc Edvarda Muncha, 1901, przez Narodowe Muzeum Sztuki, Architektura Projektowania, Oslo (po prawej)

Wzniosłe obrazy pejzażowe to jeden z najbardziej teatralnych i emocjonalnych tematów w historii sztuki, łączący w równym stopniu piękno, dramat i dewastację. Termin „wzniosłość” został zdefiniowany przez filozofa Edmunda Burke’a Filozoficzne dociekanie pochodzenia naszych idei wzniosłości i piękna w 1757 jako piękno podszyte czymś dodatkowym, pewnym niebezpieczeństwem, lękiem lub przerażeniem, albo tym, co nazywał: cokolwiek jest straszne, lub co zna się na strasznych przedmiotach lub działa w sposób analogiczny do terroru. Burke nazwał również wzniosłość nie mniej niż najpotężniejszą emocję, jaką może odczuwać umysł – nic dziwnego, że artyści chętnie zaadoptowali ten styl!

Wzniosłe malarstwo pejzażowe przez historię

Chociaż termin wzniosłość może opisywać różne tematy, wzniosłe obrazy pejzażowe są jednymi z najbardziej trwałych i urzekających z nich wszystkich. Jeszcze przed słynnym tekstem Burke'a malarze od średniowiecza podnieśli wirujące chmury burzowe, ostre urwiska i poszarpane, ośnieżone góry, aby przekazać przytłaczające zdumienie i przerażenie zniewolonej publiczności. Zatraćmy się w jednych z najbardziej inspirujących, wysublimowanych pejzaży wszechczasów, od epoki renesansu po współczesność i współczesność.

1. Pieter Bruegel Starszy, Krajobraz z ucieczką do Egiptu, 1563

Krajobraz z ucieczką do Egiptu Pieter Bruegel Starszy , 1563, via The National Gallery, Londyn

Pietera Bruegla Starszego, Krajobraz z ucieczką do Egiptu, 1563 charakteryzuje wysublimowane malarstwo pejzażowe Renesans północny , łącząc zapierającą dech w piersiach scenerię z narracją religijną. Maleńkie postacie Marii i Józefa chwieją się po niebezpiecznej ścianie klifu na pierwszym planie, uciekając przed prześladowaniami w Betlejem. Sceneria jest ściśle związana z ich historią, ponieważ blada, odległa sceneria przedstawia znajomą krainę, którą opuszczają, podczas gdy ciemny, przerażający pierwszy plan, ku któremu zmierzają, jest spowity ciemnością i niebezpieczeństwem nieznanego. Breughel starał się skontrastować obszary bezruchu i ruchu na tym jednym obrazie, malując skały i góry jako stałą i nieruchomą stałą, w porównaniu z nieustannie płynącym ruchem wody, ludzi i ptaków. Ta równowaga przeciwieństw między ciemnością/światłem, kruchością/trwałością a bezruchem/ruchem sprawia, że ​​ten wysublimowany pejzaż stał się jednym z najtrwalszych obrazów wszechczasów.

2. Filip James de Loutherbourg, Lawina w Alpach, 1803

Lawina w Alpach Philip James de Loutherbourg , 1803, przez Tate, Londyn

Mieszkający w Wielkiej Brytanii, urodzony we Francji Philip James De Loutherbourg malował Lawina w Alpach w 1803 roku, w czasach malowniczych, ale niebezpiecznych francuskie Alpy były coraz bardziej popularnym ucieleśnieniem wysublimowanego krajobrazu. Oprócz malarza, De Loutherbourg pracował jako scenograf teatralny, rola, która pozwoliła mu zainwestować w swoje płótna przytłaczający dramat poprzez ostre oświetlenie, głębię i ruch. Tutaj odległe francuskie góry zaczynają się rozpadać w lawinę, rzucając na scenę przerażająco ogromne chmury kłębiącego się pyłu i dymu, zasłaniając niebo nad nimi. Błysk białego światła w centrum przyciąga wzrok do maleńkich, przerażonych gapiów, którzy są malutcy w obliczu spadających wokół nich skał, które wkrótce zostaną zniszczone przez żywiołowe siły natury.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

3. Joseph Mallord William Turner, Burza śnieżna: Hannibal i jego armia przekraczająca Alpy, 1812

Burza śnieżna: Hannibal i jego armia przekracza Alpy autorstwa Josepha Mallorda Williama Turnera , 1812, przez Tate, Londyn

J.M.W. Turnera Burza śnieżna: Hannibal i jego armia przekraczająca Alpy, 1812, uosabia dręczące piękno romantyzm był , z potwornymi, łukowatymi chmurami burzowymi, które szybują nad małymi ludźmi poniżej. Dedykowane Hannibalowi Barce, Komandorowi armia kartagińska w latach 200-100 pne obraz przedstawia żołnierzy Hannibala próbujących przekroczyć Alpy w 218 pne, z plemionami salasyjskimi walczącymi z tylną strażą Hannibala. Tutaj burza staje się potężną metaforą zagrażającej życiu walki, gdy czarne, gniewne chmury tworzą przerażający, wirujący wir, który odpycha się od maleńkich, bezradnych żołnierzy. W oddali słońce jest świecącą kulą hipnotyzującego światła, promykiem nadziei pośród tragedii wojny. Ale poza odniesieniami narracyjnymi ta wzniosłość… pejzaż Turnera jest ostatecznie refleksją nad czystą, destrukcyjną brutalnością natury, która grozi bezdusznym pochłonięciem ludzi poniżej.

4. Caspar David Friedrich, Wędrowiec nad morską mgłą, 1817

Wędrowiec nad morską mgłą Caspar David Friedrich , 1817, przez Kunsthalle Hamburg

Jeden z najbardziej kultowych i wysublimowanych pejzaży wszechczasów, niemieckiego malarza Caspara Davida Friedricha, Wędrowiec nad morską mgłą, 1817, zawiera sennego idealistycznego ducha Europejski romantyzm . Samotna postać stojąca samotnie na wysokiej, ciemnej skale kontempluje swoje miejsce we wszechświecie, podczas gdy mglista mgła roi się nad odległymi dolinami i górami. Friedrich przekazuje tu wysublimowany krajobraz jako niegościnny i niepoznawalny teren, odzwierciedlający dziewiętnastowieczną fascynację dziką, nieokiełznaną naturą.

W przeciwieństwie do innych artystów epoki, którzy tworzyli małe postacie, aby podkreślić wielkość krajobrazu, Friedrich przypisuje swojej postaci centralną rolę, ale widziany z tyłu zachowuje swoją anonimowość jako abstrakcyjnego „wędrowca”, działającego jako symbol wszyscy tęskniący marzyciele dziewiętnastego wieku i nie tylko. Scena jest wyimaginowanym spojrzeniem na górzysty krajobraz Niemiec; by stworzyć takie mistyczne miejsca, które Fryderyk szukał w swoim wnętrzu, pisząc: Zamknij swoje fizyczne oko, abyś mógł najpierw zobaczyć swój obraz duchowym okiem. Następnie przynieś to, co widziałeś w ciemności, do światła, aby mogło to mieć wpływ na innych, świecąc do wewnątrz z zewnątrz.

5. Karl Eduard Biermann, Wetterhorn, 1830

Wetterhorn Karl Eduard Biermann , 1830, via Alte Nationalgalerie, Berlin

Karla Eduarda Biermanna Wetterhorn, 1830, zawiera wysublimowany styl malarstwa pejzażowego niemieckiego malarza, z rozległym, nierównym terenem otoczonym dramatycznym oświetleniem teatralnym. Skalisty pierwszy plan jest starannie pomalowany w głębokich ciemnych odcieniach zieleni i brązu, co prowadzi nas do pasma drzew i skał, które znikają w czarnym cieniu. W tle epickie pasmo górskie oświetla snop światła słonecznego, podkreślając jego lodowate, spiczaste iglice jako mistyczne i nieosiągalne miejsce, podczas gdy nad głową roją się chmury, jakby grożąc wybuchem burzy. Jak wielu malarzy romantyków, Biermann podkreśla grozę, zachwyt i przerażającą skalę sceny, umieszczając na pierwszym planie dwie malutkie postacie, które pozwalają nam wyobrazić sobie siebie w środku sceny. Próbują wspinać się po nierównych skałach i bagnistej trawie, podczas gdy gniewny wodospad przepływa obok nich i łapie światło jak błyskawica, rozdzielając ich niebezpieczną podróż.

6. Arnolda Bocklina, Wyspa Umarłych, 1880

Wyspa Umarłych autor: Arnold Bocklin , 1880, przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Jeden z najbardziej zniewalająco wysublimowanych pejzaży, jakie kiedykolwiek powstały, niemieckiego malarza Arnolda Bocklina Wyspa Umarłych, 1880 przedstawia wyimaginowaną wyspę wznoszącą się z morza na ciemnym, ponurym niebie. Obraz powstał na zamówienie niedawno owdowiałej Marii Berny, która poprosiła tylko o obraz do snu. Odpowiadając na jej prośbę, Bocklin umieścił w swoim wizerunku aluzje do śmierci i żałoby. Na pierwszym planie upiorna biała postać jest kierowana w stronę wyspy na małej łodzi wiosłowej obok obiektu przypominającego trumnę. Wioślarz został porównany ze starożytnym greckim charakterem Przewoźnik Charon , który przewoził dusze zmarłych przez rzekę Styks do Hadesu. Wyspę otaczają rzędy groźnie ciemnych cyprysów, tradycyjnie kojarzonych z cmentarzami, a poszarpane, świecące skały za nimi pocięte są grobowymi drzwiami i oknami. W przeciwieństwie do wielu wysublimowanych krajobrazów, scenę przenika upiorna cisza, nadając jej niesamowitą ciszę; Sam Bocklin nawet opisał pracę jako tak cichą, że można by się przestraszyć, gdy ktoś zapukał do drzwi.

7. Edvarda Muncha, Biała noc, 1901

Biała noc Edvard Munch , 1901, przez Narodowe Muzeum Sztuki, Architektury i Wzornictwa, Oslo

Edvard Munch zrobiony Biała noc, 1901 w jego późniejszej karierze, w czasie, gdy porzucił figurację na rzecz nastrojowych pejzaży, ale ten sam niepokój, jaki towarzyszył jego wcześniejszej twórczości, pozostał. Ten wysublimowany pejzaż przedstawia jego rodzimą Norwegię w środku zimy, spoglądającą w dół przez groźnie ciemne drzewa na zamarznięty fiord. Las świerkowy tworzy postrzępioną krawędź, ostrą jak krawędź piły, ostrzegając przed niebezpiecznym lodem. Czarne drzewa na pierwszym planie sugerują twarze lub widmowe stworzenia, ale są ledwo rozpoznawalne pod osłoną nocy. Łącząc lśniące światło księżyca z tymi cechami niebezpieczeństwa i zagrożenia, nocna zimowa scena Muncha uchwyciła wysublimowane piękno norweskiej zimy. Zastanawiając się, w jaki sposób jego sceny krajobrazowe mogą łączyć obserwacje z wewnętrznym umysłem, Munch napisał: Natura to nie tylko wszystko, co jest widoczne dla oka… obejmuje również wewnętrzne obrazy duszy.

8. Akseli Gallen-Kallela, Jezioro Keitele, 1904

Jezioro Boil przez Akseli Gallen-Kallela , 1904, via The National Gallery, Londyn

Askeli Gallen-Kallela Jezioro Keitele, 1904 przedstawia słynne fińskie jezioro jako hipnotyzujące lustro światła rozdarte zygzakowatymi prądami wiatru. Obraz powstał w czasie, gdy w Finlandii narastało pragnienie niepodległości. Ten wysublimowany obraz pejzażowy, upamiętniający wielką dziewiczą dziką przyrodę kraju, stał się silnym symbolem fińskiego nacjonalizmu i dumy. Chociaż nie ma śladów ludzkiego życia, naturalne prądy ruchu płynące przez wodę były dobrze znaną cechą jeziora. Te smugi ruchu były tak dobrze znane historycznie, że w starożytnej fińskiej kulturze wiązano je z mitologicznym charakterem Väinämöinen , który podobno zostawiał fale podczas podróży przez jezioro. Te subtelne przedstawienia ruchu miały wielką nacjonalistyczną symbolikę dla Gallen-Kalleli, celebrując tajemnicze i enigmatyczne piękno starożytnej fińskiej kultury i jej bliskie związki z ziemią. Opisał je jako srebrzyste paski na powierzchni pogodnej wody to fale zwiastujące nadchodzącą pasję.

9. Thomas Moran, Wielki Kanion Kolorado, 1904

Wielki Kanion Kolorado autorstwa Thomasa Morana , 1904, via Christie’s

U Thomasa Morana Wielki Kanion Kolorado, 1904, ogromna rozległość tego słynnego parku narodowego jest przedstawiona w ogromnej, panoramicznej skali siedmiu na dziesięć stóp. Lider szkół nad rzeką Hudson i Gór Skalistych, amerykański malarz Moran był tak zachwycony niebezpiecznie pięknym, dziewiczym terenem Kolorado, że zanurzył się głęboko w krajobraz, w którym niewielu odważyło się przed nim, malując ponad trzydzieści scen ukazujących ten wyjątkowy, wysublimowany krajobraz . Obserwując z fascynacją wielką otwartą przestrzeń poza sobą, pisał, jej ogromna architektura napawa podziwem i podziwem, a jej kolorystyka, formy i atmosfera są tak porywająco piękne, że bez względu na to, jak często podróżuje się, otwiera się nowy świat do niego, gdy patrzy na Wielki Kanion.

Ta scena przedstawia wyidealizowaną i romantyczną wizję wielki Kanion gdy ostre skały wpadają i znikają ze światła, zanim znikną w odległym horyzoncie, podczas gdy nadciągająca burza zbliża się do góry. Publiczność była tak olśniona portretami wielkiej amerykańskiej dziczy Morana, że ​​dziś przypisuje się mu wpływ na tworzenie system parków narodowych który zachował integralność wysublimowanego krajobrazu Ameryki.

10. Peter Doig, Kurtka narciarska, 1994

Kurtka narciarska autorstwa Petera Doiga , 1994, via Tate, Londyn

Malarz szkocki Petera Doiga Kurtka narciarska, 1994 to podmuch energii i ruchu o śnieżnych szczytach. Opierając się na zdjęciu fotograficznym z uczącymi się narciarzami rozrzuconymi po japońskiej górze, Doig celowo zniekształca i zakłóca oryginalny obraz, dzieląc go na dwie części na środku i składając z powrotem, aby stworzyć niesamowicie lustrzane odbicie Rorschach efekt. Doig jest dobrze znany z łączenia materiału fotograficznego ze znakami malarskimi, co pozwala na grę dwóch sprzecznych stylów, jak widać na tym obrazie, gdzie starannie pomalowane drzewa są otoczone luźno ułożonymi plamami różu, bieli i zieleni. Te wodne warstwy farby sugerują zimne, śliskie właściwości lodu i śniegu, które przenikają obraz i nadają mu niebezpieczną niepewność, wzmacniając strach maleńkich narciarzy zmagających się z zdradziecko stromym terenem wokół nich.

Dziedzictwo wysublimowanego malarstwa pejzażowego

Wzniosłość została uznana za „nieaktualną” w XIX wieku, zanikając na rzecz francuskiego impresjonizmu. Jednak wysublimowane malarstwo pejzażowe powróciło w XX wieku, kiedy ekspresjoniści abstrakcyjni eksplorowali te same egzystencjalistyczne, transcendentne wątki w swoim malarstwie. Artyści tacy jak Mark Rothko, Clyfford Still i Robert Smithson wykorzystali w swoich pracach elementy wzniosłości.