Egon Schiele: 7 wyjątkowych portretów i kryjące się za nimi historie

Austriacki malarz Egon Schiele urodził się w 1890 roku w malowniczym miasteczku Tulln. Wraz z Maxem Oppenheimerem i Oskarem Kokoschką współtworzył Neukunstgruppe (Nową Grupę Artystyczną) w Wiedniu. Ale wkrótce Schiele odszedł od tej grupy i zaczął samodzielnie eksperymentować. Obrazy i rysunki Schielego są przykładem wczesnego ekspresjonizmu. Jego głównymi tematami były akty kobiece, autoportrety i obrazy dzieci. Odrzucając konwencjonalne idee piękna, przyjął to, co zwykle uważano za brzydkie. Schiele badała różne koncepcje, od strachu przed śmiercią po depresję i izolację.

1. Egon Schiele przedstawiał głównie samego siebie

Siedzący mężczyzna nago (autoportret) autorstwa Egona Schiele , 1910, via Leopold Museum, Wiedeń

W 1910 w wieku 20 lat Egon Schiele namalował trzy duże autoportrety pełnopostaciowe, w tym Siedzący mężczyzna nago . W tych obrazach znalazł sposoby na wizualne wyrażenie wielu aspektów siebie, od wewnętrznych niepokojów po seksualność i lęk przed śmiercią. Jak widzimy w Seated Male Nude, postać unosi się w pustce, zwracając uwagę na samą pozę ciała. Ta praca w bardzo szczery sposób wyraża głębokie niepokoje Schielego. Mimo nieco monstrualnej postawy, poza wykrzywioną postacią, z wyeksponowanym brzuchem i genitaliami, oznacza pewną wrażliwość, a nawet otwartość, podczas gdy wyraźnie amputowane dłonie i stopy kontrastują tę bezbronność z ideami kary. Schiele po mistrzowsku, szybko i płynnie posługuje się liniami, aby uchwycić niuanse ludzkiej postaci. Wybiera kolory, takie jak brudne umry, sieny i ochry, aby wywołać przebarwienia, choroby, a nawet śmierć, podczas gdy odcienie brązu, zieleni i żółci przywodzą na myśl zgniliznę. Te kolory są skontrastowane z żywą czerwienią, która oznacza pożądanie i seksualność, które Schiele również badał poprzez swoją sztukę.

2. Najdziwniejszy autoportret austriackiego malarza

Autoportret ze stojącą kamizelką pawia autorstwa Egona Schiele , 1911, via Albertina Museum, Wiedeń

Egona Schielego Autoportret ze stojącą kamizelką pawia to jeden z jego najbardziej niezwykłych autoportretów. W przeciwieństwie do jego poprzedniej pracy, postać nie stoi na pustej przestrzeni; zamiast tego papier jest całkowicie wypełniony. Poza tym nie jest nagi i nie jest w stanie nieszczęścia, rozpaczy i żalu, ale jego spojrzenie jest zadowolone, aroganckie i dumne. Otoczony swego rodzaju aureolą, jakby niósł zbawienie, jak Chrystus czy Bóg.

Po raz pierwszy w jego pracy widoczny jest legendarny gest Schiele w kształcie litery V. Ten gest był dość powszechny w czasach, gdy Schiele malował ten portret. Przypomina Gest Chrystusa Pantokratora który pojawia się na freskach bizantyjskich. Schiele naśladuje gest uniwersalnego władcy, który niesie światu zbawienie, sugerując, że sztuka może zrobić to samo. Różnica polega na tym, że na tym portrecie Schiele jest ubrany bardzo elegancko, w czasach, gdy był bardzo biedny. Ten portret nie przedstawia rzeczywistości, a raczej fantazję Schielego. Wciela się w rolę szlachcica, ubranego w kamizelkę i kołnierzyk koszuli, chcącego poprzez swoją sztukę nieść zbawienie.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

3. Relacje między Gustavem Klimtem i Egonem Schiele

Klimt w jasnoniebieskiej bluzie autorstwa Egona Schiele , 1913, przez ResearchGate

We wczesnych latach Egon Schiele był pod silnym wpływemGustav Klimt, który stał się dla niego mentorem. Klimt był jednak starszy, co oznacza, że ​​ci dwaj artyści pochodzili z dwóch różnych pokoleń. Klimt reprezentuje ruch estetyczny secesji wiedeńskiej, podczas gdy Schiele był kojarzony z „kryzysem ludzkości” i „upadkiem świata”. W wieku 16 lat Schiele był najmłodszym studentem Akademii Sztuk Pięknych w Wiedniu. Poznał tu Gustava Klimta i zainspirował się jego figuratywnym stylem.

Klimt oddał swoje postacie z charakterystycznym stylem i gracją, a Egon Schiele wkrótce odkrył, że to nie dla niego; nie minęło dużo czasu, zanim style obu malarzy zaczęły się rozchodzić. Schiele wkrótce zaczął eksperymentować z czymś więcejekspresyjnystylu, który był mniej dekoracyjny i który w końcu przekształcił się w jego własną estetykę. W 1913 r. jako an hołd dla swego pana Schiele przedstawił Klimta w jego słynnym, luźnym niebieskim kitlu, który nosił.

4. Wally Neuzil był muzą Egona Schielego

Portret Wally Neuzila autorstwa Egona Schiele , 1912, via Leopold Museum, Wiedeń

W 1911 r. Egon Schiele zaczął mieć romans z 17-letnim Wallym Neuzil , który stał się jego muzą, wzorem i kochankiem. Była dawną modelką i możliwą kochanką Gustava Klimta. W najciemniejszych okresach życia Schielego Wally okazał się nieocenionym towarzyszem, zwłaszcza gdy przeprowadzili się do Krumau, miejsca narodzin matki Schielego, ponieważ życie w Wiedniu postrzegali jako klaustrofobiczne. Słynny portret Wally'ego Schiele z 1912 roku ma ciekawa historia za tym . Po śmierci Schielego w 1918 r. wiele jego dzieł zostało zebranych przez żydowskich kolekcjonerów sztuki. W rzeczywistości właścicielem tego była Lea Bondi, która była żydowskim marszandem w Wiedniu i uciekała przed niemiecką aneksją. Portret Wallyego w 1938 roku.

Po II wojnie światowej portret ten byłskonfiskowane przez nazistów, który chciał zapanować nad kulturą całego świata. Na tym obrazie Schiele demonstruje swoją pasję do Wally, w ciekawy sposób chwytając jej ogromne oczy. Powściągliwa paleta kolorów, której tak często używał, jest teraz podkreślona przez jej niebieskie oczy, pomarańczowe loki i ślady żywej czerwieni.

5. Schiele przedstawił swoją żonę Edith w nowy sposób

Portret stojącej żony artysty (Edith Schiele w pasiastej sukience) autorstwa Egona Schiele , 1915, via Neue Galerie, Niemcy

Po powrocie Schiele i Wally do Wiednia, Schiele zwrócił uwagę na parę sióstr, które mieszkały po drugiej stronie ulicy od jego pracowni, Edith i Adelaide Harms. Po krótkich zalotach, podczas których wywieszał swoje autoportrety przez okno, aby przyciągnąć ich uwagę, Schiele przekonał Edith, by wyszła za niego. Częścią decyzji Schiele o odrzuceniu Wally'ego dla Edith było to, że pozycja społeczna Edith oferowała więcej korzyści wybranej karierze Schiele. Wraz z nową żoną praca Schiele weszła w nową fazę. W przeciwieństwie do Wally'ego, Edith była dość niewygodna pozując nago. Zmusiła Schielego do namalowania jej w najbardziej radykalny sposób, w jaki do tej pory podszedł do jakiejkolwiek postaci. W przypadku tego portretu Edyty austriacki malarz przyjął inne podejście. Fakt, że przedstawił ją stojącą w ubraniu i podkreślił żywe kolory jej pasiastej sukienki, pokazuje, że wyraźnie malował obraz w sposób, który zadowoliłby jego nową żonę.

6 . Jego ulubionymi tematami były seks i śmierć

Rodzina Egona Schiele autorstwa fotografa Josepha Mullera , 1893, via Huffpost

Egon Schiele był głęboko zafascynowany ludzkim ciałem, podsycanym jego osobistymi niepokojami dotyczącymi dwóch znanych psychoanalityków Zygmunta. Ulubione tematy Freuda : seks i śmierć. Ta podstępna tematyka w połączeniu z jego własnymi okazjonalnymi dziwacznymi zachowaniami sprawiłaby, że Schiele nie byłby obcy kontrowersji podczas jego krótkiej kariery. Jego dzieciństwo z klasy średniej, choć nie niewygodne, zostało ukształtowane przez dwa incydenty, które zapowiadały jego późniejsze zainteresowanie tymFreudowski podwójny aktseksu i śmierci.

Mówi się, że Schiele dzielił ze swoim młodsza siostra Gertruda. Drugie wydarzenie formacyjne dotyczy jego ojca, Adolfa Schielego, który zmarł na syfilis, gdy Schiele miał 14 lat; doświadczenie obserwowania, jak jego ojciec marnuje się z powodu tej choroby seksualnej, miało ogromny wpływ na Schiele. Pomysł, że śmierć ojca nastąpiła w wyniku zwyczajowych wizyt w burdelach, wiązał się z koncepcjami seksu i śmierci w umyśle młodego mężczyzny.

Śmierć i dziewczyna – Egon Schiele , 1915-16, via Muzeum Belvedere, Wiedeń

obraz Schielego powyżej, Śmierć i dziewica, zawiera niezwykłą autobiograficzną historię. Został namalowany w Wiedniu, stolicy Cesarstwa Austro-Węgierskiego, gdzie rozpadająca się potęga zrodziła kulturę innowacji i niepokoju. Z tego wyszło śmierć i dziewica w 1915 roku. Obraz dwojga kochanków przytulonych do siebie, pozornie na skraju przepaści, przypomina projekt Gustava Klimta Pocałunek . Ale to, co wyraża bardziej otwarcie, to uniwersalny ludzki temat seksu i śmierci. Schiele namalował tę pracę w przełomowym momencie swojego życia. Porzucał swoją pierwszą wielką miłość, Wally Neuzila, i był bliski poboru do I wojny światowej. Schiele rzucił się więc w rolę śmierci, a Wally w roli dziewicy.

Dwie postacie przylegają do siebie w rozpaczy, podczas gdy w tle rozgrywa się scena wojenna. Obraz nawiązuje do starych wyobrażeń o alegorii i wspólnym motywie z piękną dziewczyną i szkieletową postacią. Schielemu udało się na nowo wymyślić ideę alegorii we współczesny sposób. Oprócz ukazania śmierci prawdziwej miłości, obraz ten przesycony jest poczuciem śmierci starej Europy.

7. Ostatni portret Schiele

Przyczajona para ludzka (Rodzina) – Egon Schiele , 1918, via Muzeum Belvedere, Wiedeń

Chory na hiszpańską grypę Egon Schiele zaczął malować portret rodzinny. Był pierwotnie zatytułowany Kucająca para , ale później stał się znany jako Rodzina . Sam Schiele wpatruje się w widza, spoglądając na kompozycję na ciemnym, niechlujnym tle. Między jego nogami siedzi Edith Harms, jego żona. W przeciwieństwie do Schiele odwraca wzrok i chociaż jej nogi są również rozstawione, zajmuje znacznie mniej miejsca niż jej mąż. Ona jest centralną postacią kompozycji i być może dla Schielego centralną postacią jego rodziny. Między jej nogami siedzi ich dziecko. Jego żona zmarła 28 października 1918 na zapalenie płuc będąc w szóstym miesiącu ciąży. Zaledwie 3 dni później austriacki malarz również zmarł na hiszpańską grypę . To obraz ojca rzutującego się w przyszłość, w której nigdy nie będzie żył z żoną i dzieckiem, które tragicznie też nie przeżyje.

Dziedzictwo Egona Schielego

Zdjęcie Egona Schiele autorstwa Antona Josefa Trcka , 1914, via Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Twórczość Egona Schielego wywarła trwały wpływ na bieg sztuki współczesnej. Austriacki malarz wpłynął nie tylko naruch ekspresjonistycznyjego czasów, ale także charakter nowoczesnego i współczesnego portretu. Zniekształcone i liniowe cechy jego stylu są obecnie powszechne w rysunkach figuratywnych, od sztuk pięknych po ilustrację. Skupienie się na ludzkim ciele utorowało również współczesnym artystom drogę do analizy ciała jako samodzielnego instrumentu ekspresji.