12 artystów popowych, którzy osiągnęli wielkość

Pop-art to jeden z najbardziej znanych nurtów artystycznych XX wieku. Niektórzy nazywają to zjawiskiem amerykańskim, choć wywodzi się z Wielkiej Brytanii, podczas gdy inni postrzegają to jako bezpośredni i logiczny krok w rozwoju sztuki zachodniej. Artyści popowi używali rozpoznawalnych obrazów z kultury popularnej, jasnych kolorów i chwytliwych tytułów, łącząc wysoką sztukę z prowokacyjnym kiczem. Pop-art może być zabawny, ale może też być niepokojący, ponieważ głębokie problemy społeczne przenikają przez wesołe reklamy. Spójrz na 12 artystów, którzy zdefiniowali pop-art.

12. Artysta popowy Richard Hamilton (1922 – 2011)

Brytyjski artysta Richard Hamilton jest jednym z założycieli ruchu pop-art. Jednym z głównych zmartwień Hamiltona było utowarowienie codziennego życia i szalejący konsumpcjonizm. On widział Pop Art nie tylko jako kolejny ruch w sztuce, ale jako sposób na życie.

Najbardziej rozpoznawalnym dziełem Hamiltona jest seria kolaży i grafik tzw Co sprawia, że ​​dzisiejsze domy są tak różne? gdzie Hamilton zestawił popkulturowe obrazy z reklamami i wycinkami z czasopism oraz zdjęciami działań wojennych lub uchodźców. W swojej wersji kolażu z 1992 roku zwrócił się do Epidemia AIDS parodiując dzieło Roberta Indiany z 1967 roku MIŁOŚĆ .

11. Jasper Johns (1930-)

Jaspera Johnsa to wielki amerykański artysta pop, znany ze swoich obrazów przedstawiających flagi i cele. Wychowany na wiejskich terenach Karoliny Południowej, aż do nastoletnich lat miał niewielki lub żaden kontakt ze sztuką, ale nadal wyrażał swoje marzenie o zostaniu artystą w młodym wieku. Wybierając amerykańską flagę jako główny temat, Johns zatarł barierę między sztuką wysoką a przedmiotami codziennego użytku i sprowokował rozmowę na temat odtwarzalności obrazów. Choć jest wszechobecna w codziennym życiu Ameryki, flaga rzadko jest badana z bliska i szczegółowo. Johns zakwestionował ten fakt, zamieniając flagę w zestaw wzorów. Nie tylko namalował flagę, ale wyrzeźbił ją z enkaustyki, łącząc w ten sposób figuratywny pop-art z teksturowanymi pociągnięciami Ekspresjonizm abstrakcyjny .

10. Robert Rauschenberg (1925 – 2008)

Robert Rauschenberg, kluczowa postać kilku nurtów artystycznych, od neo-dada po pop, rozpoczął swoją linię przełomowych innowacji artystycznych serią białych obrazów. Były to czyste płótna pozbawione jakiejkolwiek widocznej ingerencji. Później przeszedł do tworzenia asamblaży ze znalezionych przedmiotów, grafik i farb.

Rauschenberg nauczył się techniki sitodruku od Andy'ego Warhola i często ją stosował w latach 60. Zwrócił uwagę na przytłaczający napływ informacji płynących ze środków masowego przekazu. Rauschenberga był, podobnie jak wielu innych artystów popowych, zaangażowany politycznie. Jego pop-artowe prace często zawierają wizerunki Johna F. Kennedy'ego jako symbol zmian, które nigdy nie miały szansy się w pełni urzeczywistnić. Nie zabrakło także motywów nawiązujących do eksploracji kosmosu, które napawały optymizmem na przyszłość.

9. David Hockney (1937-)

Wielki mistrz pop-artu Davida Hockneya jest jednym z najbardziej wpływowych brytyjskich artystów swojego pokolenia. Chociaż Hockney nie jest artystą najbardziej obeznanym z techniką na tej liście, jego zamiłowanie do czystych kolorów i prostych form uczyniło go jednym z najbardziej rozpoznawalnych współczesnych artystów. Jest również znany ze swoich przedstawień basenów: przybył do Los Angeles z Londynu w 1963 roku, Hockney był zszokowany, widząc baseny jako część codziennego życia. Ta fascynacja doprowadziła go do stworzenia serii obrazów basenowych od 1964 do 1971 roku. Nawet po osiemdziesiątce Hockney nadal jest płodny.

8. James Rosenquist (1933-1917)

Ikona popu, James Rosenquist, rozpoczął karierę jako malarz billboardów i przez całą swoją karierę fascynował się popularnymi obrazami. Jego matka była artystką-amatorką, która od najmłodszych lat dbała o to, by syn oswajał się ze sztuką. Najbardziej rozpoznawalna część twórczości Rosenquista odnosi się do tzw Wietnam Wojna. Chociaż Rosenquist nie był działaczem politycznym, antywojenne przesłanie jest w jego twórczości oczywiste. Fotografie wojenne zestawiał z codziennymi obrazami konsumpcjonizmu skopiowanymi z magazynów i reklam. W swojej wielopanelowej pracy F-111 , miski na makaron i rozbite żarówki stoją obok wybuchów bomb atomowych, a suszarka do włosów na głowie małej dziewczynki wygląda jak hełm pilota myśliwca.

7. Takashi Murakami (1962-)

japoński artysta Takashiego Murakamiego to jeden z najbardziej rozpoznawalnych japońskich artystów popowych. Znany jest również z wielu kolaboracji z muzykami i luksusowymi markami modowymi. Murakami łączy zachodnią tradycję malarstwa, japońskie drzeworyty oraz współczesną mangę i anime. Pomimo figlarnego wyglądu i jaskrawych kolorów, postacie, które wymyśla, często wywołują niespokojne uczucie dezorientacji i niepokoju.

Jego autorem jest Murakami super płaskie teoria sztuki. Jego płaskie, dwuwymiarowe obrazy są zarówno ukłonem w stronę japońskich tradycji artystycznych, jak i społecznym komentarzem do powojennej Japonii. Według Murakamiego trauma wojny i bomb atomowych Hiroszimy i Nagasaki, a także szybki rozwój powojenny nadały kulturze japońskiej niepowtarzalny kształt. Zatarły się granice między sztuką a konsumpcjonizmem, między sztuką wysoką a kulturą popularną.

6. Roy Lichtenstein (1923 – 1997)

Wielki artysta popowy Roya Lichtensteina czerpał inspirację z komiksów. Ale nigdy nie skopiował ich dokładnie: Lichtenstein skrupulatnie pracował nad kątami, skalami i kompozycją, aby przekształcić komiksową ramkę w dramatyczną scenę i prawdziwą artystyczną ekspresję. Jego prace miały charakter parodystyczny, ale były też studiami nad uprzemysłowienie emocji za pośrednictwem środków masowego przekazu. Zdaniem Lichtensteina pop nie był amerykańskim ruchem artystycznym, ale przemysłowym, napędzanym przez masową produkcję i środki masowego przekazu. Lichtenstein wynalazł także obrotową sztalugę, która pozwoliła mu pracować nad obrazem pod różnymi kątami.

5. Eduardo Paolozzi (1924 – 2005)

Wbrew temu, co ludzie zwykle myślą, pop narodził się w Wielkiej Brytanii. W 1947 roku szkocki artysta Eduardo Paolozzi zaprezentował swój pierwszy kolaż pt Byłem zabawką bogacza . Została wykonana z wycinanek z amerykańskich magazynów. Filozofią Paolozziego było nie marnowanie niczego. Używał tego wszystkiego, od czasopism po pudełka na wino, i znalazł wiele sposobów na włączenie pozornie bezużytecznych przedmiotów do swojej pracy. Chociaż Paolozzi jest uważany za pioniera pop-artu, zawsze uważał się za surrealistę, który tworzył głównie rzeźby. W rzeczywistości termin pop-art nawet nie istniał, gdy nowatorska praca Paolozziego wyszła na jaw. Zaledwie dziesięć lat później, w 1958 roku, angielski krytyk sztuki Lawrence Alloway ukuł ten termin.

4. Yayoi Kusama (1929-)

Yayoi Kusama jest żywą legendą pop-artu i prawdopodobnie najsłynniejszą żyjącą artystką. Student z Georgia O’Keeffe , jest znana ze swoich wzorów w kropki, używania dzikich kolorów i pokojów typu nieskończoność. Instalacje Infinity Room obejmują środowiska złożone z luster, nadmuchiwanych rzeźb i dziwacznych form. Jej obsesja na punkcie kropek, kolorów i powtarzających się wzorów wywodzi się z dzieciństwa, kiedy młoda Kusama miała halucynacje, że wzorzysty obrus rośnie i zakrywa wszystko wokół niej, w tym sufit.

W 1977 roku pogarszające się zdrowie psychiczne Yayoi Kusamy sprawiło, że zgłosiła się do szpitala psychiatrycznego w Tokio. W tej instytucji mieszka artystka, obok której powstała pracownia artystyczna. Kusama przyznała, że ​​jej sztuka była jej jedynym powodem do pozostania przy życiu. Artysta postrzega sztukę jako lekarstwo i uniwersalny język.

3. Claes Oldenburg (1929 – 2022)

Claes Oldenburg to jedna z głównych gwiazd amerykańskiego pop-artu. Znany ze swoich gigantycznych rzeźb żywność i przyziemnych przedmiotów, Oldenburg położył nacisk nie tylko na krytykę kapitalizmu i konsumpcji, ale także na same przedmioty. Rozdmuchując je do nieproporcjonalnych rozmiarów, popowy artysta zmusił publiczność do ponownego spojrzenia na ich codzienność i wywołał dziecięcą fascynację przedmiotami codziennego użytku.

Od połowy lat 70. Oldenburg często współpracował z żoną, holenderską artystką Coosje van Bruggen. Ich najsłynniejszym dziełem jest dzieło sztuki publicznej pt Spoonbridge i Cherry . Oldenburg i van Bruggen stworzyli piętnastometrową łyżkę dla The Minneapolis Sculpture Garden. Pomimo nowoczesnego wyglądu dzieła, artyści odnaleźli inspirację dla tej instalacji w ogrodach rzeźby Pałac Wersalski .

2. Keith Haring (1958 – 1990)

Keitha Haringa zaczął od malowania graffiti w nowojorskim metrze. Niektórzy eksperci postrzegają jego prosty, niemal dziecięcy styl rysowania jako odrodzenie sztuki figuratywnej, która została przyćmiona przez abstrakcję poprzednich dziesięcioleci. Figurki Haringa pomalowane są jasnymi, niemal agresywnymi kolorami i łączą frywolny wygląd z dowcipnym komentarzem społecznym.

Praktyka artystyczna Haringa jest nierozerwalnie związana z jego działalnością polityczną. W ciągu swojego życia często poruszał takie tematy, jak nadużywanie narkotyków i systemowy rasizm. Otwarcie wypowiadał się także przeciwko reżimowi apartheidu w RPA. Fundacja Keitha Haringa, założona rok przed jego śmiercią związaną z AIDS w 1990 roku, wykorzystuje spuściznę artysty do finansowania organizacji charytatywnych na rzecz dzieci znajdujących się w niekorzystnej sytuacji oraz fundacji walczących z AIDS.

1. Najsłynniejszy artysta pop wszechczasów: Andy Warhol

Andy Warhol to pierwsze imię, które przychodzi na myśl, gdy myśli się o pop-art. Warhola Jest Pop-art, nie tylko pod względem jego twórczości artystycznej, ale także pod względem jego publicznej osobowości. Jego wczesna praca jako ilustratora komercyjnego pozwoliła mu zapoznać się z preferencjami konsumentów i sposobem działania reklamy. Później wykorzystał tę wiedzę do implementacji logo marki i wizerunków celebrytów w swojej pracy.

Warhol przedstawił kwestie odtwarzalności i autentyczności dzieł sztuki w nowym świetle. W wielu przypadkach jego odbitki sitodrukowe zostały stworzone przez jego asystentów przy niewielkiej lub żadnej interwencji samego Warhola. Te niuanse, wraz z wykorzystaniem popkulturowych symboli, nadają inny wymiar pracom Warhola, skupiającym się na ironicznym traktowaniu rynku sztuki i koncepcji kultury celebrytów.