10 artystek, które osiągnęły wielkość

Mimo że kobiety były zaangażowane w proces tworzenia sztuki od zarania dziejów ludzkości, rozmowa na temat ich prawdziwego wkładu rozpoczęła się nie tak dawno temu. Feministyczni historycy sztuki lat 70. zaczęli odkrywać zapomniane lub przeoczane nazwiska w historii sztuki. Oto 10 fascynujących artystek, które pozostawiły trwały ślad w historii, które zdecydowanie powinieneś poznać.

10. Remedios Varo (1908 – 1963): Prawie zapomniana artystka

Imię wielkiego surrealisty Środki Varusa jest znany w Meksyku od lat, ale reszta świata go ignorowała aż do ostatnich lat. Varo pracowała w Hiszpanii i Francji, w otoczeniu najbardziej wpływowych surrealistów, ale jako artystka nie mogła się utrzymać. Była bliską przyjaciółką artystek Leonory Carrington i Kati Horna. Trio tworzyło dzieła w stylu surrealistycznym. Powszechnie nazywano je tzw trzy czarownice przez ich kolegów.

Sukces odnalazł ją, gdy opuściła Europę i udała się do Meksyku, gdy wybuchła II wojna światowa. W przeciwieństwie do innych surrealistów, którzy uciekli do Meksyku, nigdy nie nawiązywała bezpośrednio do sztuki meksykańskiej w swoich pracach, ale mimo to była nią zainteresowana. Varo był głęboko zainteresowany alchemia i czary, co pomogło jej tworzyć magiczne kompozycje. Jednak jej prace mają charakter nie tylko duchowy, jest w nich miejsce na ironię i kwestie polityczne, zwłaszcza dotyczące kobiet.

9. Meret Oppenheim (1913 – 1985)

Legendarny artysta Meret Oppenheim był wybitnym członkiem ruchu surrealistycznego. Surrealiści w dużym stopniu opierał się na psychoanalizie, ale Oppenheim był jednym z niewielu, którzy mieli prawdziwą wiedzę na ten temat. Jej ojciec, analityk, uczył ją teorii Junga. Przez całe życie prowadziła dziennik swoich snów i koszmarów, co napędzało jej rozwój artystyczny.

Twórczość Meret Oppenheim zgłębia pojęcia kobiecości, klasy i fetyszyzmu, a także głębiny ludzkiej psychiki. Oppenheim wykorzystała materiały i elementy, które były wyznacznikami wysokiej klasy i wyrafinowania dla ówczesnych kobiet. Należą do nich futro, manicure i herbata w wykwintnej porcelanie. Jednak wypielęgnowane łapy zwierząt lub filiżanki pokryte futrem razem wzięte wywołują uczucie obrzydzenia i mdłości.

8. Suzanne Valadon (1865 – 1938)

Legendarny artysta Zuzanna Valadon była córką samotnej matki, która pracowała jako praczka. Dorastała w biedzie na ulicach Montmartre. Musiała zarabiać na życie jako artystka cyrkowa i modelka. Valadon wzorowała się na największych artystach swojego pokolenia, takich jak Puvis de Chavannes i Renoir. Ale tym, co naprawdę odróżniało ją od innych modelek, był fakt, że nie tylko pozowała, ona patrzyła i uczyła się.

Suzanne Valadon zaczęła malować po trzydziestce, ale szybko zyskała uznanie dzięki swoim wyjątkowym pracom. Malowała głównie akty kobiece, jednak jej akty drastycznie różniły się od tych jej kolegów. Jej poprzednia praca jako modelka pozwoliła jej nawiązać kontakt z kobietami na płótnie. Skupiała się na prawdziwych ludziach, a nie na wyidealizowanych symbolach. Artystyczne spojrzenie Valadona było bezkompromisowe i szczere. Jej pomalowane ciała nosiły ślady ciężkiej pracy, porodu i wieku.

7. Hannah Höch (1889 – 1978)

Wielki artysta Hannah Höch był częścią berlińskiego ruchu Dada. Dada był ruchem zdominowanym przez mężczyzn, w którym było wiele zakorzenionych uprzedzeń i seksizmu. Höch nie zawsze czuł się komfortowo z prowokacyjnym zachowaniem innych Dadaiści . Ich przekonania i maniery oddalały Höch od rówieśników, nie przeszkodziło jej to jednak w tworzeniu przełomowych dzieł.

Ulubionym tematem Höch była ewolucja oczekiwań społecznych wobec Niemek w Republice Weimarskiej. Do tworzenia kolaży wykorzystywała wycinki z gazet i wycinane fotografie. Höch była równie krytyczna wobec patriarchatu i nowych standardów kobiecości swoich czasów. Jak Dadaista , zakazano jej wystawiania w nazistowskich Niemczech, ale w przeciwieństwie do większości swoich kolegów nie chciała opuszczać Berlina i w tajemnicy tworzyła sztukę.

6. Berthe Morisot (1841 – 1895)

Legendarny impresjonista Berthe Morisot był niedocenianym innowatorem i jednym z założycieli rewolucyjnego ruchu artystycznego. Była bliską przyjaciółką Édouarda Maneta I Edgara Degasa . Morisot podzielił się swoim oddaniem dla tego nowego rodzaju sztuki, odpowiedniego dla epoki nowożytnej. Odrzucili także konserwatywne standardy akademickie.

Pomimo trudności, jakie napotykały wówczas artystki, twórczość Berthe Morisot spotkała się ze stosunkowo dobrym przyjęciem. Głównym powodem może być wybór tematów. Chociaż impresjoniści często przedstawiali sceny miejskie i współczesne życie w przestrzeni publicznej, Morisot wolał malować kobiety, dzieci i sceny domowe. Tego typu tematyka była postrzegana jako odpowiednia dla kobiet, zwłaszcza biorąc pod uwagę pochodzenie Morisot z wyższych sfer. Dla Morisota malowanie scen domowych było jedną z niewielu dostępnych opcji. Dostęp do przestrzeni publicznych był wówczas ograniczony i zarezerwowany głównie dla mężczyzn.

5. Plautilla Nelli (1524 – 1588)

Plautila Nelli to jedno z rzadko wymienianych nazwisk sztuki włoskiej. Niemniej jednak jest najwcześniejszą artystką w historii Renesans florencki to już dziś wiadomo. Zakonnica w klasztorze dominikanek we Florencji, była artystką zupełną samoukiem. Nigdy nie miała porządnych lekcji plastyki, malarstwa uczyła się kopiując dzieła innych mistrzów. Jej jedynym artystycznym słabym punktem była postać męska. Będąc zakonnicą, nie miała kontaktu z mężczyznami lub nie miała go wcale, dlatego swoje obrazy musiała opierać na wiedzy o kobiecym ciele.

Plautilla Nelli odniosła ogromny sukces finansowy, ponieważ wspierała ją wielu mecenasów sztuki, z których większość stanowiły kobiety. Giorgia Vasariego wspomniał o niej w swojej książce z 1568 roku Żywoty najwybitniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów , stwierdzając, że domy florenckiej szlachty wypełnione były malowidłami wykonanymi przez utalentowaną zakonnicę. Nelli była prawdziwą innowatorką, której nie ograniczały granice płci. Stworzyła nawet monumentalny pokaz panelowy Ostatnia Wieczerza , pierwszy, o którym wiemy, został wykonany przez kobietę.

4. Kara Walker (1969 – obecnie)

Amerykański artysta Kara Walker to jeden z najbardziej znanych i wpływowych artystów współczesnych. Jej prace są odważne, a czasem szokujące. Komentuje rasizm, nierówności i trudną historię Zachodu. Na początku swojej kariery artystycznej Walker unikała zajmowania się rasizmem, bojąc się, że zostanie uznana za osobę typowy Artysta afroamerykański. Jednak jej postawa polityczna i odważna ekspresja artystyczna szybko przyniosły jej sławę.

Wiele dzieł Walkera naśladuje tradycyjne rodzaje sztuki, które były popularne w epoce kolonializmu i niewolnictwa. Jej monumentalna fontanna Fundusze amerykańskie wygląda podobnie do pomników z epoki wiktoriańskiej, ale postacie na nim nawiązują do Atlantyku handel niewolnikami oraz zasoby skradzione Afryce. Rzeźba pełna jest nawiązań do sztuki XIX-wiecznej. Walker wykonała swoją fontannę z materiałów nadających się do recyklingu i zdemontowała ją w 2020 roku.

3. Élisabeth Vigée Le Brun (1755 – 1842)

Élisabeth Vigée Le Brun, znana również jako Madame Le Brun, była francuską portrecistką, dobrze znaną ze swoich powiązań z Maria Antonina . Stylistycznie Le Brun łączył rokoko z neoklasycyzmem, malując głównie portrety kobiet. Podobnie jak wiele innych artystek swojej epoki, Le Brun była córką malarza, który zapewnił jej wykształcenie. Jednak po śmierci ojca otrzymała wskazówki artystyczne od przyjaciół rodziny, z których niektórzy byli wówczas znanymi artystami.

Choć Le Brun słynęła z portretów, nigdy nie ograniczała się do tego gatunku. Należała do nielicznych artystek tworzących obrazy historyczne. Krytycy uważali ten rodzaj sztuki za wyłącznie męski, mimo to dopuścili jej prace do prestiżowego Salonu. Gdy wybuchła rewolucja francuska, aby ratować życie, musiała uciekać z Francji. Podróżowała do Włoch, Austrii, Rosji i Prus, malując wszędzie, gdzie się udała.

2. Hilma af Klint (1863 – 1944)

Ikona sztuki współczesnej i pionierka abstrakcji, Hilma z Klinta została niemal całkowicie wymazana z historii sztuki aż do końca lat 80. Nieznana całemu światu była pierwszą zachodnią artystką, która całkowicie odeszła od realistycznego przedstawiania świata na rzecz abstrakcji geometrycznej i organicznej. Według Klinta te pomysły do ​​niej dotarły Wysocy Mistrzowie i nieziemskie istoty, które skontaktowały się z nią podczas duchowego seansu w 1896 roku.

Przed okresem abstrakcyjnym pracowała jako ilustratorka botaniczna. Ten typ ilustracji był zasadniczo bliższy nauce niż sztuce. Wymagało skupienia, wiedzy naukowej i bezstronności artystycznej. Hilma af Klint zastosowała później te zasady w swoich abstrakcyjnych pracach, eliminując swoje artystyczne ambicje skupienia się na zapisywaniu wiadomości z nieziemskich krain. Jako artystka nigdy nie próbowała dokonać przełomowego wynalazku, gdyż uważała się za badaczkę niewidzialnego.

1. Artemisia Gentileschi (1593 – 1653): Królowa Artystek

Światowej sławy malarz baroku Artemizja Gentileschi była jedną z nielicznych szczęśliwców swoich czasów, które miały szansę studiować sztukę. Jej ojciec Orazio Gentileschi był znanym malarzem rzymskim, którego inspiracją była twórczość Caravaggia. Przez lata twórczość Artemisii Gentileschi przypisywano ojcu, mimo że Orazio otwarcie przyznał się do niezwykłego talentu swojej córki.

Jej prace ukazują niezwykły punkt widzenia na kulturę renesansu, radykalnie odmienny od tego, jaki prezentowali jej współcześni mężczyźni. Wiele popularnych tematów tamtej epoki skupiało się wokół gwałtu i zemsty, a kobiety przedstawiano jako zniszczone mienie, a nie ofiary napaści. Gentileschi, która sama przeżyła napaść na tle seksualnym, malowała kobiety, które kontrolowały swoje życie, często mszcząc się za traumę i walcząc ze sprawcami. Artemisia Gentileschi opowiadała wiele dobrze znanych historii, takich jak ta o Zuzannie i Starszych czy o Judycie i Holofernesie, ale jej punkt widzenia był inny.