Satyra i subwersja: kapitalistyczny realizm zdefiniowany w 4 dziełach sztuki

Budowa Republiki Maxa Lingnera, 1950-53; z dziewczynami (Freundinnen) Sigmara Polke, 1965/66

Realizm kapitalistyczny to niezwykły, śliski ruch artystyczny, którego nie da się łatwo zdefiniować. Część Pop Art , po części Fluxus, po części Neo-Dada, po części Punk, styl wyszedł z Niemiec Zachodnich w latach 60. XX wieku i był odskocznią dla niektórych z najbardziej zadziwiających i odnoszących sukcesy współczesnych artystów, w tym Gerhard Richter i Sigmara Polke. Wychodząc z Berlina Zachodniego w połowie lat 60. kapitalistyczni realiści byli bandą artystów, którzy wychowali się w niespokojnym powojennym społeczeństwie i podejrzliwie, sceptycznie odnosili się do większości otaczających ich obrazów. Z jednej strony byli świadomi amerykańskiego pop-artu, ale równie nieufni wobec sposobu, w jaki gloryfikował on komercję i kulturę celebrytów.

Podobnie jak ich amerykańscy rówieśnicy, eksplorowali dzienniki, magazyny, reklamy i domy towarowe. Ale w przeciwieństwie do zuchwałego, jasnego optymizmu amerykańskiego pop-artu, realizm kapitalistyczny był bardziej chropowaty, mroczniejszy i bardziej wywrotowy, ze stonowanymi kolorami, dziwną lub celowo banalną tematyką oraz eksperymentalnymi lub nieformalnymi technikami. Niepokojąca atmosfera ich sztuki odzwierciedlała skomplikowany i podzielony status polityczny Niemiec po II wojnie światowej i podczas cichej, szalejącej zimnej wojny.

Historia realizmu kapitalistycznego

Budynek Republiki autorstwa Maxa Lingnera, 1950-53, wykonany z malowanych płytek mozaikowych wzdłuż wejścia do Detlev-Rohwedder-Haus przy Leipziger Straße

Wciąż podzielone przez mur berliński na frakcje wschodnią i zachodnią, w latach 60. Niemcy były krajem dzielącym i niespokojnym. Na Wschodzie związki ze Związkiem Radzieckim oznaczały, że sztuka miała podążać za propagandowym stylem Realizm socjalistyczny , promujący rustykalne, wiejskie sowieckie życie z różowym, optymistycznym blaskiem, czego przykładem jest słynny mozaikowy mural niemieckiego artysty Maxa Lingnera Budynek Republiki , 1950-53. Natomiast Niemcy Zachodnie były ściślej związane z coraz bardziej kapitalistyczną i skomercjalizowaną kulturą Wielkiej Brytanii i Ameryki, gdzie pojawiał się szeroki wachlarz praktyk artystycznych, w tym Pop Art.

Puszka Zupy Campbella (Pomidor) przez Andy'ego Warhola , 1962, za pośrednictwem Christie’s; z Plastikowe wanny przez Sigmara Polke , 1964, przez MoMA, Nowy Jork

Akademia Sztuki w Düsseldorfie w Berlinie Zachodnim została uznana za jedną z wiodących instytucji artystycznych na świecie w latach 60., gdzie artyści m.in Joseph Beuys a Karl Otto Gotz nauczał szeregu radykalnych nowych pomysłów, od sztuki performance Fluxus po ekspresyjną abstrakcję. Czterech studentów, którzy spotkali się tutaj w latach 60., założyło ruch realizmu kapitalistycznego – byli to Gerhard Richter, Sigmar Polke, Konrad Lueg i Manfred Kuttner. Jako grupa, artyści ci byli świadomi rozwoju amerykańskiego pop-artu poprzez czytanie międzynarodowych czasopism i publikacji. Andy'ego Warhola integracja kultury konsumpcyjnej ze sztuką widziana w jego Puszki zupy Campbella, 1962 był wpływowy, podobnie jak powiększone fragmenty komiksów Roya Lichtensteina przedstawiające wyidealizowane, czarujące kobiety malowane Kropki Ben-Day Jak na przykład Dziewczyna w lustrze, 1964.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Dziewczyna w lustrze autor: Roy Lichtenstein , 1964, via Phillips

W 1963 roku Lueg, Polke i Richter wystawili dziwny, eksperymentalny pokaz pop-up i wystawę w opuszczonym sklepie mięsnym, prezentując serię obrazów w stylu lo-fi każdego z artystów, opartych na doraźnych reklamach w czasopismach. W komunikacie prasowym opisali wystawę jako pierwszą wystawę niemieckiego pop-artu, ale na wpół żartowali, ponieważ ich prace wyśmiewały błyszczący połysk amerykańskiego pop-artu. Zamiast tego skupili się na banalnych lub okropnych obrazach w oczach opinii publicznej, w nastroju, który został podkreślony przez ponurą oprawę sklepu mięsnego.

Życie z popem: demonstracja realizmu kapitalistycznego Gerharda Richtera z Konradem Lueg , 1963, przez MoMA Magazine, Nowy Jork

Później w tym samym roku Gerhard Richter i Konrad Lueg zorganizowali kolejne dziwne wydarzenie, tym razem w znanym niemieckim sklepie meblowym Mobelhaus Berges, które obejmowało serię dziwacznych występów na podniesionych krzesłach oraz wystawę obrazów i rzeźb wśród meble sklepowe. W galerii gościły figurki z papieru mache amerykańskiego prezydenta Johna F. Kennedy'ego oraz znanego marszanda sztuki Alfreda Schmeli. Byli satyrycznym podejściem do celebracji celebrytów w stylu Pop Art z tymi celowo prymitywnymi, nieatrakcyjnymi karykaturami.

Living with Pop: A Reproduction of Capitalist Realism autorstwa Gerharda Richtera i Konrada Luega, 1963, instalacja z modelami papier-mache Johna F. Kennedy'ego, po lewej i niemieckiego właściciela galerii Alfreda Schmeli, sfotografowanego przez Jake'a Naughtona, via The New York Czasy

Zatytułowali wydarzenie Living with Pop – demonstracja realizmu kapitalistycznego i to tutaj narodziła się nazwa ich ruchu. Termin realizm kapitalistyczny był żartobliwym połączeniem kapitalizmu i socrealizmu, odnosząc się do dwóch dzielących się odłamów niemieckiego społeczeństwa – kapitalistycznego Zachodu i socjalistycznego Wschodu. To właśnie tymi dwoma przeciwstawnymi ideami próbowali bawić się i krytykować w swojej sztuce. Lekceważąca nazwa ujawniła również skromny, czarny humor, który stanowił podstawę ich praktyk, jak wyjaśnił Richter w wywiadzie, Realizm kapitalistyczny był formą prowokacji. Ten termin w jakiś sposób zaatakował obie strony: sprawił, że realizm socjalistyczny wyglądał śmiesznie i zrobił to samo z możliwością realizmu kapitalistycznego.

René Block w swoim biurze w galerii, z plakatem Hommage à Berlin , fot. K.P. Brehmer , 1969, za pośrednictwem Open Edition Journals

W następnych latach ruch zgromadził drugą falę członków z pomocą młodego galerysty i dilera Rene Blok , który zaaranżował serię wystaw zbiorowych w swojej tytułowej przestrzeni galerii w Berlinie Zachodnim. W przeciwieństwie do swoich malarskich poprzedników, artyści ci byli bardziej skoncentrowani na technologii cyfrowej, co widać w pracach Wolfa Vostella i K.P. Brehmera. Block zorganizował również produkcję niedrogich druków i pionierskich publikacji za pośrednictwem swojej platformy „Blok edycji”, inicjowanie karier Richtera, Polke, Vostella, Brehmera i wielu innych, a także wspieranie rozwoju praktyki Josepha Beuysa. W latach 70. został uznany za jednego z najbardziej wpływowych galerystów powojennej sztuki niemieckiej.

Dekolt telewizyjny autorstwa Wolfa Vostella , 1963, via Muzeum Narodowe Centrum Sztuki im. Reina Sofía, Madryt

Podczas gdy realizm kapitalistyczny stopniowo rozpuszczał się w późnych latach 70., wielu artystów związanych z tym ruchem kontynuowało podobne idee w śmiałych i prowokacyjnych nowych kierunkach i od tego czasu stało się czołowymi artystami na świecie. Rzućmy okiem na najbardziej charakterystyczne dzieła sztuki, które zawierają ten buntowniczy nurt niemieckiego pop-artu i jak położyły solidne podstawy dla niektórych z najbardziej znanych współczesnych artystów.

1. Gerharda Richtera, Matka i dziecko, 1962

Matka i córka przez Gerharda Richtera , 1965, przez The Queensland Art Gallery & Gallery of Modern Art, Brisbane

Jeden z najsłynniejszych współczesnych malarzy na świecie, niemiecki artysta Gerhard Richter na początku lat 60. położył podwaliny pod swoją przyszłą karierę w ruchu realistów kapitalistycznych. Relacja między malarstwem a fotografią była głównym problemem w całej jego karierze, dwoistość, którą badał w szerokiej gamie eksperymentalnych podejść. W niesamowitym obrazie Matka i córka, 1965, bada swoją charakterystyczną technikę „rozmycia”, sprawiając, że fotorealistyczny obraz przypomina nieostrą fotografię, pocierając krawędzie farby miękkim pędzlem, nadając mu upiorną, złowrogą jakość.

Dla Richtera ten proces rozmycia stworzył celowy dystans między obrazem a widzem. W tej pracy pozornie zwyczajna znaleziona fotografia czarującej matki i córki jest przesłonięta niewyraźną mgiełką. Ten proces uwydatnia powierzchowność obrazów z opinii publicznej, które rzadko mówią nam całą prawdę. Pisarz Tom McCarthy zauważa w odniesieniu do procesu Richtera: Co to jest rozmycie? To zepsucie obrazu, atak na jego przejrzystość, który zamienia przezroczyste soczewki w nieprzezroczyste zasłony prysznicowe, zwiewne zasłony.

2. Sigmara Polke, dziewczyny 1965/66

dziewczyny przez Sigmara Polke , 1965/66, przez Tate, Londyn

Podobnie jak Richter, Sigmar Polke lubił bawić się dualizmami między drukowanymi obrazami a malarstwem. Jego zrasteryzowane, kropkowane wzory, jak widać na tym obrazie, stały się cechą charakterystyczną podczas jego długiej i niezwykle udanej kariery malarza i grafika. Na pierwszy rzut oka jego kropki przypominają Amerykański artysta pop Roy Lichtenstein styl komiksowy, kropki Ben-Day oszczędzające atrament. Ale tam, gdzie Lichtenstein odtworzył gładkie, wypolerowane i zmechanizowane wykończenie przemysłowo wyprodukowanego komiksu, Polke zamiast tego powiela w farbie nierówne rezultaty uzyskane przy powiększaniu obrazu na taniej kserokopiarce.

To sprawia, że ​​jego praca jest bardziej chropowata i niedokończona, a także zaciemnia treść oryginalnego obrazu, więc jesteśmy zmuszeni skupić się na punktach powierzchni, a nie na samym obrazie. Podobnie jak technika rozmycia Richtera, kropki Polkego podkreślają płaskość i dwuwymiarowość zapośredniczonych, fotograficznych obrazów błyszczącej reklamy, podkreślając ich powierzchowność i wrodzoną bezsensowność.

3. K.P. Brehmera, Nieuprawny, 1965

Nieuprawny przez K.P. Brehmer , 1965, via Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA)

Niemiecki artysta K.P. Brehmer należał do grupy realistów kapitalistycznych drugiej generacji, promowanej przez galerystę René Blocka w latach 60. XX wieku. Przyjął wielowarstwowe podejście do tworzenia obrazów, łącząc fragmenty znalezionych obrazów z blokami abstrakcyjny, modulowany kolor . Różne odniesienia do wyidealizowanego amerykańskiego życia są ukryte i zaciemnione w tym uderzającym offsetowym nadruku reklamowym, w tym wizerunki astronautów, stylowych przedmiotów wyposażenia wnętrz, części samochodowych i uprzedmiotowionej modelki. Połączenie tych obrazów z blokami abstrakcyjnego koloru wyrywa je z kontekstu i wycisza, podkreślając tym samym ich powierzchowność. Brehmer był zainteresowany tworzeniem drukowanych dzieł sztuki, takich jak ta, które można by wielokrotnie powielać przy minimalnych kosztach, co odzwierciedlało zainteresowanie René Blocka demokratyzacją sztuki.

4. Wilk Vostell, Bombowiec szminki, 1971

Szminka Bomber autorstwa Wolfa Vostella , 1971, via MoMA, Nowy Jork

Podobnie jak Brehmer, Vostell należał do drugiego pokolenia realistów kapitalistycznych, którzy koncentrowali się na technikach cyfrowych i nowych mediach, w tym grafice, sztuce wideo i multimediach. instalacja . I podobnie jak jego koledzy kapitalistyczni realiści, włączał do swoich prac odniesienia do mediów, często zawierające obrazy związane z rzeczywistymi przypadkami skrajnej przemocy lub zagrożenia. W tym kontrowersyjnym i niepokojącym obrazie łączy dobrze znany obraz samolotu Boeing B-52 zrzucającego bomby na Wietnam. Bomby zastępują rzędy szminek, przypominające o mrocznych i niepokojących prawdach, które często kryją się za połyskiem i przepychem kapitalistycznego konsumpcjonizmu.

Późniejsze wydarzenia w realizmie kapitalistycznym

rufa przez Marlene Dumas 2004, via Tate, Londyn

Powszechnie uznawana za niemiecką odpowiedź na fenomen pop-artu, dziedzictwo kapitalistycznego realizmu jest długotrwałe i znaczące na całym świecie. Zarówno Richter, jak i Polke stali się dwoma najbardziej znanymi międzynarodowymi artystami świata sztuki, a ich sztuka zainspirowała pokolenia artystów do naśladowania. Zarówno badanie Richtera, jak i Polke dotyczące splecionych relacji między malarstwem a fotografią wywarło szczególny wpływ na szeroką gamę artystów, od ciekawych obrazów narracyjnych Kaia Althoffa po niepokojące i niepokojące motywy malarskie Marlene Dumas oparte na wycinkach z gazet.

Znani niemieccy artyści Martin Kippenberger i Albert Oehlen powielali to samo wyraźnie niemieckie, lekceważące podejście do tworzenia sztuki, co kapitalistyczni realiści w latach 80. i później, demonstrując lekceważenie dla kapitalistycznego społeczeństwa z parodią. ekspresjonista obrazy i prostackie, prymitywnie wyeksponowane instalacje. Ten sposób myślenia jest kontynuowany w praktykach wielu współczesnych artystów, w tym dowcipnisiów ze świata sztuki Damien Hirst oraz Maurizio Cattelana.