Ruch Powstania Kobiet: 7 feministycznych dzieł sztuki, które powinieneś znać

Papierowe kobiety Sanji Iveković, 1976-77 (po lewej); z Untitled Film Still #3 Cindy Sherman, 1977 (po prawej)

W latach 70. historyczki sztuki, takie jak Linda Nochlin, organizowały wystawy feministyczne, takie jak 1976 Artystki 1550-1950 w LACMA. Tego typu wystawy pokazały dotychczasowy brak wiedzy o artystkach w historii sztuki i ich wykluczenie z większości zbiorów muzealnych. W tym czasie feministyczna teoria sztuki zaczęła się rozwijać jako praktyka. Artystki feministyczne stosowały w swojej pracy różne strategie, aby zadawać pytania o polityczną, społeczną i kulturową pozycję kobiet w społeczeństwie. Kiedy patrzymy na sztukę Cindy Sherman, Barbary Kruger czy Judy Chicago, nie ma tu określonego stylu, ale zróżnicowane podejście artystyczne. Oto 7 ważnych dzieł feministycznych, które powinieneś znać!

1. Feministyczna sztuka Cindy Sherman: 69 zdjęć bez tytułu

Film bez tytułu nr 10 przez Cindy Sherman , 1978, via MoMA, Nowy Jork

Cindy Sherman jest znaną amerykańską artystką urodzoną w 1954 roku. Większość jej prac to portrety, w których zazwyczaj wciela się w postać. Jej powszechnie chwalona seria o nazwie Niezatytułowane fotosy filmowe składa się z czarno-białych fotografii wykonanych pod koniec lat siedemdziesiątych. W tej serii Sherman pozuje jako fikcyjne postacie z filmów z lat 50. i 60. Wiele zdjęć z serii wygląda jak kadry z scen filmowych, kiedy ma się wydarzyć coś nieprzyjemnego lub przerażającego.

Aby zrozumieć serial Cindy Sherman i ogólnie sztukę feministyczną, musimy przyjrzeć się Laura Mulvey przełomowy esej o męskim spojrzeniu. W swoim eseju z 1975 roku Przyjemność wizualna i kino narracyjne , Mulvey przeanalizował, jak kamera patrzy na kobiety w hollywoodzkim kinie. Sklasyfikowała to jako coś, co nazywa się męskie spojrzenie – spojrzenie, które uprzedmiotawia kobiety. Poprzez męskie spojrzenie kobiece postacie są fetyszyzowane i przedstawiane jako bierne.

Niezatytułowany kadr filmowy #3 przez Cindy Sherman , 1977, via MoMA, Nowy Jork

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Dlatego Cindy Sherman gra stereotypowe postacie kobiece, które Hollywood chce, abyśmy zobaczyli. Artystka pokazuje kobiecość Hollywood lat 50. jako maskaradę. Tworząc swoją feministyczną sztukę, Sherman używa makijażu, peruk, rekwizytów, póz i mimiki, aby pokazać, że to, co widzimy na srebrnym ekranie, jest konstruktem. Choć Sherman posługuje się sobą jako modelką, fotografie niekoniecznie są rozumiane jako autoportrety, ponieważ artystka pozuje na postać wyobrażoną.

2. Partyzanckie dziewczyny: Czy kobiety muszą być nagie, aby dostać się do mety. Muzeum?

Czy kobiety muszą być nagie, aby dostać się do mety. Muzeum? autorstwa Guerilla Girls , 1989, via Tate, Londyn

Partyzanckie dziewczyny określają się jako feministyczne artystki-aktywistki. Grupa składa się z wielu anonimowych członków. Feministyczne prace Guerilla Girls przypominają plakaty i billboardy, za pomocą których przekazują ważne polityczne przesłania. Poprzez prosty, ale efektowny wygląd tekstów i haseł, Guerilla Girls chcą pokazać, w jaki sposób kobiety są dyskryminowane w świecie sztuki. Mówią nie tylko o braku reprezentowanych artystek, ale także o braku reprezentowanych artystek kolorowych.

W swoim utworze z 1989 roku Czy kobiety muszą być nagie, aby dostać się do mety. Muzeum? Guerilla Girls zwróciły uwagę na ogromne różnice w liczbie artystek prezentowanych w The Met Museum i liczbie kobiecych aktów na obrazach, które można tam zobaczyć. Praca przedstawia zmienioną wersję obrazu Wielka Odaliska przez francuskiego malarza neoklasycznego Jean-August-Dominique Ingres . Zamiast głowy Odalisque'a widzimy maskę goryla. Utwór został początkowo stworzony dla New York City Public Art Fund, ale później go odrzucili. Aby praca mogła być oglądana przez dużą liczbę osób, Guerilla Girls wynajęły powierzchnie reklamowe w autobusach w Nowym Jorku. Ich feministyczne dzieła mają uświadamiać istniejące różnice płci w różnych branżach kreatywnych.

3. Barbara Kruger: Nieuprawny ( To mały świat, ale nie, jeśli musisz go wyczyścić)

Nieuprawny ( To mały świat, ale nie, jeśli musisz go posprzątać) przez Barbarę Kruger , 1990, via MOCA, Los Angeles

Barbara Kruger to kolejna artystka, która używa haseł w swoich feministycznych pracach artystycznych. Pod wpływem kultury konsumenckiej i środków masowego przekazu Kruger dekoduje wiadomości, które nieustannie otrzymujemy za pośrednictwem różnych punktów sprzedaży. Kruger poprzez swoje teksty-obrazy zadaje pytania o to, kto tworzy kody zachowań, opresji, kultury i tożsamości.

Niektóre z jej haseł brzmią jak rozkazy. Niemal wywołują wrażenie, że ktoś potężny mówi nam, jak powinniśmy się zachowywać, a jak nie. Kruger powiedziała, że ​​wierzy obrazom i słowom, które mieć moc, by powiedzieć nam, kim jesteśmy, a kim nie, kim możemy być i kim nigdy nie będziemy.

W swojej sztuce Kruger wskazuje na język i obrazy patriarchalne. Jej wyraźnie feministyczne utwory, takie jak Twoje ciało jest polem bitwy lub Twoje spojrzenie uderza w bok mojej twarzy pokaż kobiety przejmujące prawa do swojego ciała.

W jej kawałku To mały świat, ale nie, jeśli musisz sprzątać to, Kruger opowiada o podmiejskim stylu życia powojennej Ameryki. Słynna feministka Betty Friedan pisała o problemach amerykańskich gospodyń domowych i problemie, który w swojej książce nie ma nazwy Kobieca mistyka . Kobiety wykonujące większość prac domowych wciąż stanowią problem, więc praca Krugera jest istotna, gdy patrzymy na współczesne społeczeństwo, a nie tylko na przeszłość.

4. Przełomowa feministyczna grafika Judy Chicago: Impreza obiadowa

Impreza obiadowa autor: Judy Chicago , 1979, przez Brooklyn Museum

Judy Chicago 's instalacja Impreza obiadowa to jedno z najsłynniejszych dzieł sztuki feministycznej. Ta instalacja artystyczna składa się ze stołu wypełnionego ceramiką, tkaninami i porcelaną, które upamiętniają słynne kobiety na przestrzeni wieków. Ustawiony w trójkącie stół ma 39 talerzy, z których każda reprezentuje konkretną kobietę. Niektóre z kobiet siedzących przy stole to Georgia O'Keeffe, Virginia Woolf, Emily Dickinson, Elizabeth I, Theodora i Safona. Płytki mają też przypominać kobiece genitalia. Kolejne 999 imion kobiet jest wypisanych złotem na marmurowej podłodze pod stołem.

Stworzenie dzieła we wszystkich szczegółach zajęło cztery lata. Instalacja wywołała spore poruszenie, gdy po raz pierwszy została otwarta w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco w 1979 roku i przyszło ją zobaczyć 100 000 osób.

Praca z Chicago pokazuje również haft i inne praktyki artystyczne, które historycznie były klasyfikowane jako kobiece, a zatem mniej wartościowe niż malarstwo i rzeźba.

Impreza obiadowa to potężne i ogromne dzieło sztuki, które honoruje i celebruje kobiety, ich seksualność i ich historyczne znaczenie. Ta instalacja artystyczna jest stale eksponowana w Brooklyn Museum, więc jeśli podróżujesz do Nowego Jorku, nie przegap okazji, aby ją zobaczyć.

5. Kolaż Mary Beth Edelson: Niektóre żyjące amerykańskie artystki/Ostatnia wieczerza

Niektóre żyjące amerykańskie artystki/Ostatnia wieczerza autorstwa Mary Beth Edelson , 1972, przez MoMA, Nowy Jork

Kolejnym ikonicznym dziełem sztuki feministycznej jest Mary Beth Edelson 's Niektóre żyjące amerykańskie artystki/Ostatnia wieczerza . W jej wersji Leonarda da Vinci Ostatnia Wieczerza Edelson zmienił twarze Jezusa Chrystusa i apostołów na twarze artystek. Zamiast twarzy Chrystusa widzimy twarz Georgia O’Keeffe . Oprócz O’Keeffe, Edelson obejmował również artystów takich jak Agnes Martin, Helen Frankenthaler, Lee Krasner , Alma Thomas i Yoko Ono . Pod czarno-białymi zdjęciami każdej postaci Edelson napisał imię osoby, którą widzimy. Jak Judy Chicago w swoim utworze Impreza obiadowa , to Edelson daje kobietom zasłużone miejsce przy stole. Wokół głównego obrazu jest jeszcze więcej fotografii artystek, każda odpowiednio ponumerowana i nazwana.

Edelson wykorzystał także inne obrazy z historii sztuki, takie jak Ingre The Łaźnia turecka oraz Rembrandta słynna praca Lekcja anatomii dr Nicolaesa Tulp za interwencje artystyczne. Feministyczne punkty widzenia są obecne nawet w tytułach jej prac. Na przykład jej wersja portretu grupowego Rembrandta nazywa się Śmierć patriarchatu / A.I.R. Lekcja anatomii . Zawłaszczając słynne dzieła sztuki, takie jak Ostatnia Wieczerza, Edelson kwestionuje pozycję kobiet zarówno w historii sztuki, jak iw Kościele.

6. Wideo Marthy Rosler: Semiotyka kuchni

Semiotyka kuchni autorstwa Marthy Rosler , 1975, via MoMA, Nowy Jork

Marta Rosler jest amerykańskim artystą, który pracuje w różnych mediach artystycznych, takich jak fotomontaż, instalacja, wideo, wydajność , rzeźba i Sztuka cyfrowa . Głównymi tematami jej twórczości są wojna i płeć.

Jej słynny utwór, Semiotyka Kuchni, to 6-minutowy spektakl wideo, który jest satyrycznym przedstawieniem kulinarnym. Praca przygląda się, jak telewizja reprezentuje płeć.

Na filmie Rosler zakłada fartuch imitujący gospodynię domową i wymienia różne przybory kuchenne, recytując je od A do Z. Nazywając przedmioty, Rosler występuje przed kamerą teatralnie i agresywnie. Artystka parodiuje kuchnię, która jest zazwyczaj postrzegana jako kobieca przestrzeń w domu. Rosler wykorzystuje więc parodię jako strategię dekonstrukcji idei przestrzeni płciowej. Praca funkcjonuje również jako odniesienie do: Julia Dziecko , osobowość telewizyjna słynąca z programu kulinarnego Francuski szef kuchni . Zamiast wesołego i radosnego Dziecka, Rosler występuje jako poważny i zły.

Rosler porusza również kwestie ról płciowych, przestrzeni domowych i polityki w swoich słynnych fotomontażach z serii Piękny dom (Przynoszenie pracy do domu) .

7. Jugosłowiańska sztuka feministyczna w sztuce Sanji Iveković Papierowe Kobiety

Papierowe Kobiety przez Sanję Iveković , 1976-77, przez MACBA, Barcelona

Sanja Iveković jest chorwackim artystą urodzonym w 1949 roku. Iveković należał do grupy młodych jugosłowiańskich artystów Nowa praktyka artystyczna która pojawiła się po proteście studenckim w 1968 roku. W swojej pracy Iveković często porusza kwestie feministyczne, różnice płciowe i problemy reprezentacji kobiet w mediach.

W jej serii 1976-77 o nazwie Papierowe Kobiety, Iveković wykorzystał reklamy w czasopismach przedstawiające różne piękne kobiety. W wersji reklam Iveković kobiety są pokazane jako rozdarte, pocięte i podrapane po skórze. Artystka pokazuje piękno jako niepokojącą koncepcję, w której kryje się ból i agresja.

Jej feministyczne poglądy można również zauważyć w pracach takich jak Słodka przemoc lub Dziennik . W Dziennik po jednej stronie znajdują się wizerunki kobiet w pełnym makijażu, a po lewej zużyta bibułka i waciki. Brudne przedmioty jednorazowego użytku po prawej pokazują, że standardy urody są czymś, co buduje się przy użyciu określonych produktów.

Podobnie jak wiele innych artystek feministycznych, Iveković pokazuje, że stereotypowe standardy kobiecego piękna mogą również wydawać się ograniczone i agresywne. Według Iveković media są w ostatecznym rozrachunku brutalne w stosunku do kobiet, a ona przyznaje, że ból i przemoc są przez jej interwencje na oryginalnych zdjęciach z magazynu.