Dlaczego fotorealizm był tak popularny?

Fotorealizm pojawił się jako popularny styl malarski w latach 60. w Nowym Jorku i Kalifornii. Artyści naśladowali techniczną precyzję fotografii i mikroskopijną dbałość o szczegóły, tworząc obrazy, które wyglądały w całości wykonane maszynowo . Jego idee szybko rozprzestrzeniły się w większości Stanów Zjednoczonych i Europy i chociaż ewoluowały przez lata, nadal są dominujący styl malowania Dziś. Ale co takiego było w tym stylu malarstwa, który szturmem podbił świat sztuki? Czy chodziło po prostu o skrupulatność? kopiowanie zdjęć w farbie, czy było w tym coś więcej? Badamy niektóre z najważniejszych powodów, dla których fotorealizm zapanował, i sposoby, w jakie otworzył on ekscytujące nowe sposoby myślenia i tworzenia sztuki.

1. Fotorealizm polegał na precyzji technicznej

Audrey Flack, królowa, 1975-76, przez galerię Louisa K. Meisela

Jedną z kluczowych koncepcji związanych z fotorealizmem był nacisk na precyzja techniczna . Chociaż był to głównie styl malarski, artyści dążyli do całkowitego usunięcia wszelkich śladów dłoni, dzięki czemu efekt końcowy wyglądał całkowicie mechanicznie. Aby jeszcze bardziej utrudnić życie, artyści malujący w tym stylu często szukali szczególnych wyzwań technicznych, takich jak błyszcząca tafla szkła, odbicia w lustrach czy odwołanie się do światła fotograficznego. W swoich studiach martwej natury „Vanitas” amerykańska artystka Audrey Flack malowała wszelkiego rodzaju błyszczące powierzchnie, od luster i szklanych blatów po świeże owoce i biżuterię.

2. Fotorealizm przekroczył ograniczenia fotografii

Gerhard Richter, Brigid Polk, (305), 1971, przez Tate

Niektórzy fotorealiści badali wykorzystanie wielu źródeł fotograficznych w jednym obrazie, co pozwoliło im wyjść poza jednopunktową perspektywę znalezioną na pojedynczym zdjęciu. Inni zwracali uwagę na niesamowitą uwagę, na przykład pory skóry lub mieszki włosowe, które trudno byłoby uchwycić na jednym zdjęciu fotograficznym. Jednym z najbardziej znanych przykładów jest amerykański malarz Chuck Close’s Autoportret, rozległe, wyłaniające się przedstawienie twarzy artysty namalowanej w ostrej ostrości. Aby jeszcze bardziej rzucić sobie wyzwanie, Close namalował również połysk swoich okularów i na wpół palącego się papierosa zwisającego z jego ust. niemiecki artysta Gerhard Richter dalej bawił się granicami między malarstwem a fotografią, malarstwem niewyraźne obrazy fotograficzne aby nadać im malarski charakter.

3. Celebrowała kulturę popularną

John Salt, czerwono-zielony samochód, 1980, przez Christie's

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Wielu artystów fotorealistycznych było blisko powiązanych Pop Art, zawłaszczanie obrazów z kultury popularnej i normalnego życia, takich jak reklamy w czasopismach, pocztówki, witryny sklepów i sceny uliczne. Podobnie jak Pop Art, fotorealizm zajął postmodernistyczny zbliżać się. Odrzucała elitarne, utopijne ideały wysokich modernizm i abstrakcja , łącząc sztukę z realnym światem i doświadczeniami normalnych ludzi. Brytyjski artysta Malcolm Morley malował obrazy na podstawie starych pocztówek liniowców oceanicznych, a amerykański artysta Richard Estes malował błyszczącą okleinę fasad sklepów i przejeżdżających ulicą samochodów. Z tej szkoły myślenia wyłonił się śmiertelnie ponury styl, z rozmyślnym naciskiem na pozornie banalne, przyziemne tematy, które zostały namalowane w sposób płaski, zdystansowany, ale z niezwykłą wprawą. Obrazy brytyjskiego artysty Johna Salta przedstawiające sklepy z narzędziami i poobijane stare samochody pokazują ten nurt fotorealizmu.

4. Odkryli nowe techniki

Chuck Close, Autoportret, 1997, przez Galerię Sztuki Walkera

Aby stworzyć tak schludną precyzję, fotorealiści zastosowali szereg technik. Wiele używanych procesów zwykle zarezerwowanych dla malarzy komercyjnych, takich jak projektory świetlne do skalowania zdjęć na płótno i aerografy, które pozwalały artystom tworzyć bezbłędne, efekty zmechanizowane który całkowicie zakrył wszelkie ślady ręki, która go stworzyła. Inni pracowali z siatkami, układając siatkowy wzór na małej fotografii i wiernie kopiując każdy mały kwadrat siatki kawałek po kawałku. Zamykaj używane siatki w całej swojej karierze i porównał ten metodyczny proces do robienia na drutach, budując większy rząd po rzędzie. W swojej późniejszej sztuce Close uczynił ten proces bardziej wyraźnym, powiększając każdą siatkową komórkę i dodając abstrakcyjne prostokąty i koła.