Powstanie malarstwa cyfrowego: współczesny fenomen

In My Time of Dying, Glenn Brown, 2014 (po lewej); z Black-Light, instalacja Stuart Shave widok w Londynie Jacqueline Humphries, 2014 (po prawej)

Malarstwo cyfrowe to mariaż przeciwieństw, łączący lepki bałagan farby z czystą, wypolerowaną okleiną technologii. Z technologią informacyjną na czubku naszych palców i ekranami oświetlającymi nasze codzienne życie, nie powinno dziwić, że malarze zastanawiają się, w jaki sposób można ich osadzić w swojej praktyce artystycznej. Od podstawowych drukarek i kserokopiarek po najnowsze kodowanie komputerowe, programy animacyjne lub farby fluorescencyjne, dzisiejsze obrazy cyfrowe są genialnie pomysłowe, badając wiele sposobów, w jakie skomputeryzowane efekty można włączyć do malowanej powierzchni. Łączenie tych cyfrowych technik z ekspresyjnym, malarskim językiem jest tropem, który przyjęło wielu z tych artystów, aby przypomnieć nam, że pod jarzącą się aurą cyfrowego światła wciąż jesteśmy niechlujnymi, niedoskonałymi ludźmi.

Historia malarstwa cyfrowego

Pociągnięcia pędzla autor: Roy Lichtenstein , 1965 przez Christie’s

Od wynalezienia fotografii pod koniec XIX wiekutenW wieku, malarstwo ma trudny związek z technologią. Ekspresyjne i abstrakcyjne style malarstwa pojawiły się po raz pierwszy jako antidotum na fotografię, udowadniając, że farba może mieć tożsamość całkowicie oddzieloną od kajdan reprezentacji, która była wrodzona związana z subiektywnym ludzkim doświadczeniem. Dopiero w latach 60., wraz z nadejściem Pop Art oraz Fotorealizm że artyści zaczęli badać koncepcję malarstwa cyfrowego. Jednym z pierwszych, którzy przyjęli estetykę cyfrową, był artysta pop Roy Lichtenstein , który wprowadził oszczędzanie atramentu Kropki „Ben-day” komiksów do swojej sztuki, powiększając je w oszałamiające wzory kolorów i światła. Jego chłodny, oderwany język mechanicznych kropek wydawał się w całości wykonany maszynowo, ale w rzeczywistości był starannie ręcznie malowany płaska farba magna przez metalowy szablon.

Na obrazie Pociągnięcia pędzla, 1965 Lichtenstein powiększa fragment opowiadania komiksowego zatytułowanego „Malarstwo” Dicka Giordano. Abstrakcyjny projekt jego kompozycji przypomina nowojorskich malarzy abstrakcyjnego ekspresjonizmu z lat pięćdziesiątych, ale Lichtenstein celowo parodiuje ich rzekomą oryginalność, czyniąc abstrakcyjną kompozycję i kapiącą farbą całkowicie syntetyczną.

Bez tytułu (rysunek) przez Sigmara Polke , 1983, via Sotheby’s

W ślad za Amerykański pop-art , alternatywna grupa artystów, którzy sami siebie nazywali Realiści kapitalistyczni pojawiły się w Berlinie Zachodnim, ogłaszając się pierwszymi niemieckimi artystami popowymi. Jednym z najwybitniejszych członków, którzy się pojawili, był Sigmar Polke, który zajmował się tematyką ze świata mediów, reklamy i kultury popularnej. Ale w przeciwieństwie do czystych języków amerykańskiego popu, kapitalistyczni realiści przyjęli bardziej szorstkie i bardziej niechlujne podejście, łącząc Ekspresjonizm niemieckiej przeszłości z elementami obrazowania w środkach masowego przekazu, aby stworzyć własną markę cyfrowego malarstwa.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Podobnie jak Lichtenstein, Polke kochał kropki, ponieważ przedstawiały wydrukowaną stronę, ale oderwał się od celowo taniego, niechlujnego procesu powiększonego kserowania. Polke wklejał, drukował i malował te kropki na wielu swoich obrazach, zamieniając je w swój własny bezczelny styl, jak pokazano na obrazie Bez tytułu (rysunek), 1963.

Malarstwo abstrakcyjne nr 439 za pomocą Gerhard Richter , 1978, via Tate, Londyn

niemiecki malarz Gerhard Richter był blisko związany z Polkem i ruchem kapitalistycznych realistów, dzieląc z Polke wzajemną fascynację tym, jak drukowaną powierzchnię można włączyć do malarstwa. Richter jest prawdopodobnie najbardziej znany ze swoich niewyraźnych, fotorealistycznych obrazów, które naśladują delikatnie skupiony obiektyw fotografii tak dobrze, że często trudno jest stwierdzić, czy w ogóle są namalowane. Jego prace były ściśle związane z amerykańskimi fotorealistami z lat 60. i 70., którzy szukali sposobów na drobiazgowe oddanie ostrego realizmu fotografii w malarstwie.

Ale Richter przyjął bardziej eksperymentalne podejście, mieszając razem efekty fotograficzne i malarskie, aby wyrazić swój podziw zarówno dla środków masowego przekazu, jak i dotyku farby. W latach 70. Richter zaczął fotografować własne ekspresyjne, abstrakcyjne obrazy i tworzyć nowe obrazy na podstawie tych fotografii. Jak widać w Malarstwo Abstrakcyjne nr 439, 1978 płynna płynność farby łączy się z błyszczącą, nieskazitelną powierzchnią fotografii, tworząc prawdziwie cyfrowy obraz. Zarówno Richter, jak i Polke wywarli szczególnie głęboki wpływ na współczesnych malarzy, którzy nadal rozwijają swoje zabawne, eksperymentalne podejście.

Znalezione obrazy i fotografie

Zatoka Świń przez Dextera Dalwooda , 2004, via Christie’s

Wielu współczesnych malarzy czerpie tematykę ze znalezionych źródeł fotograficznych, a nie z bezpośredniej obserwacji, co odzwierciedla przenikanie mediów drukowanych do naszego codziennego życia. Niektórzy z dzisiejszych najbardziej odważnych malarzy celowo podkreślają cyfrowy charakter ich materiału źródłowego, podkreślając tekstury i powierzchnie oryginalnego wydrukowanego obrazu oraz jego przycięte lub podarte krawędzie.

Brytyjski artysta Dexter Dalwood tworzy obrazy oparte na jego własnych małych kolażach, celowo odtwarzając na płótnie ostro nacięte linie nożycowe lub postrzępione rozdarcia farbą. Chociaż jego obrazy często przedstawiają dziwne, iluzoryczne miejsca, jak widać na: Zatoka Świń, 2004, pomieszany, wycinany i wklejany język kolażu, który je konstruuje, przypomina nam, że malarstwo nadal jest zasadniczo płaskim, dwuwymiarowym obiektem.

Widziane i niewidziane, Neil Gall, 2013, via David Nolan Gallery, Nowy Jork

Podobnie jak Dalwood, brytyjski artysta Neil Gall lubi zagłębiać się w wizualne efemerydy codziennego życia i zastanawiać się, jak można je włączyć do malarstwa. Jego fotorealistyczne płótna są eklektyczną i mylącą mieszanką odniesień, ale często możemy zidentyfikować zmięte strony błyszczącego czasopisma, pośród innych przypadkowych szczątków z jego pracowni. W Widziane i niewidziane, W 2013 r. niemal widoczne są fragmenty czasopism przedstawiające twarze kobiet, podczas gdy on z trudem kopiuje ostre zgniecenia papieru na swojej fotorealistycznej powierzchni.

Komputery, drukarki i kserokopiarki

Nieuprawny autor: Wade Guyton , 2010, za pośrednictwem Art in Print

Od czasu pionierskiego wykorzystania brudnych fotokopii przez Polke w latach 60. i 70. artyści nadal eksperymentują z zabawną dychotomią między drukiem cyfrowym a malarstwem. Amerykański artysta Wade Guyton tworzy prace, które są charakterystyczne dla terminu malarstwo cyfrowe, drukując na arkuszach płótna o dużym formacie Drukarka atramentowa Epson Stylus Pro 9600 . Jego charakterystyczne geometryczne projekty kwadratów, iksów i siatek są planowane na komputerze przed wydrukowaniem na płótnie, ale to, co najbardziej mu się podoba, to usterki techniczne, które zdarzają się z drukarką poza jego kontrolą, gdy płótno utknie i musi zostać wyciągnięte lub spadów i przekroczeń atramentu. Te zaskakująco malarskie wypadki ujawniają kreatywne, improwizowane możliwości w rzekomo czystym, udoskonalonym języku druku atramentowego.

Nieuprawny przez Charline von Heyl , 2003, via Christie’s

Współczesna niemiecka malarka Charline von Heyl pracuje ze znalezionych obrazów, które następnie zaciemnia i abstrahuje w procesie malowania. Od 2001 roku eksperymentuje z kserokopiarkami i sposobami, w jaki mogą one zniekształcać i przekształcać wcześniej istniejące obrazy oraz dostarczać jej nieskończoną gamę nowych materiałów, z których może pracować, aby stworzyć własną markę cyfrowego malarstwa. Czasami tworzy nowe obrazy malując na kserokopii, jak widać na obrazie na papierze, Nieuprawny, 2003, który jest energiczną falą aktywności, która wydaje się częściowo cyfrowa, częściowo namalowana.

Ekrany i ruchome obrazy

jHΩ1:) Jacqueline Humphries , 2018, za pośrednictwem Mousse Magazine

Jednym z najbardziej ekscytujących artystów tworzących dziś malarstwo cyfrowe jest amerykańska malarka Jacqueline Humphries, której obrazy ilustrują cyfrowe języki kodów captcha, emotikonów i programów komputerowych. Jej zawiłe powtarzające się wzory kropek, kresek, krzyżyków i emotikonów są malowane za pomocą przemysłowego plotera do szablonów, który następnie przeplata ekspresjonistycznymi smugami farby, łącząc cyfrowe malarstwo z nieprzewidywalnymi pociągnięciami dłoni. Porównuje ten proces nawarstwiania się z wieloekranową aktywnością komputera, gdzie możemy jednocześnie przeglądać kilka stron jednocześnie, jedna na drugiej.

Widok instalacji Black-Light, Stuart Shave w Londynie Jacqueline Humphries, 2014, via Greene Naftali Gallery, Nowy Jork

Jej słynna seria obrazy w czarnym świetle dalej naśladuje estetykę świecących ekranów komputerowych, malowanych farbą ultrafioletową na ogromne płótna, które można zobaczyć tylko w zaciemnionym pokoju oświetlonym ultrafioletowymi żarówkami, nadając jej obrazom to, co nazywa jakością kinową.

13 możliwych kontraktów terminowych przez Amy Sillman , 2012, via This is Tomorrow Magazine

Amerykańska malarka abstrakcyjna Amy Sillman jest prawdopodobnie najbardziej znana ze swoich luźnych, improwizowanych płócien wykonanych z sieci warstwowych linii, kształtów i żywych kolorów, ale stworzyła również porywające animacje, które ożywiają jej język wizualny . Praca animacyjna, Trzynaście możliwych przyszłości: kreskówka do obrazu, Rok 2012 powstał przy użyciu aplikacji do rysowania na iPada, śledząc wiele różnych kierunków, w których może podążać jeden z jej obrazów, za pomocą żartobliwie dowcipnego języka. Sillman następnie wydrukował każdą klatkę animacji i zrobił z nich ogromną instalacja , co pozwala nam zajrzeć za kulisy procesu decyzyjnego związanego z wyprodukowaniem jednego dzieła sztuki.

Przyszłość malarstwa cyfrowego

W moim czasie umierania autor: Glenn Brown , 2014, za pośrednictwem strony internetowej Glenna Browna

Gdy wkraczamy w przyszłość, w której rozwój technologiczny będzie się rozwijał, nie ma wątpliwości, że zakres malarstwa cyfrowego będzie nadal rozszerzał się w nowych i ekscytujących kierunkach. Brytyjski artysta Glenn Brown postrzega przyszłą rolę malarstwa jako takiego, które przetwarza i przerabia historię sztuki z przeszłości, przekształcając ją w coś nowego. Jego obrazy kopiują i przerabiają poprzednie stare i nowe obrazy autorstwa szerokiej gamy artystów z Rembrandt van Rijn Frankowi Auerbachowi, ale filtruje je przez cyfrowy ekran, nadając im niesamowitą atmosferę cyfrowego światła. Prosi nas, abyśmy zastanowili się, jaka może być przyszła funkcja malarstwa w epoce postcyfrowej, kiedy jesteśmy tak całkowicie otoczeni przez ekrany, ale wciąż mamy tak wiele do zyskania na doświadczaniu surowej fizyczności prawdziwego obrazu.