Fotorealizm: zrozumienie mistrzostwa przyziemności

Autobus z odbiciem budynku Flatiron autor: Richard Estes , 1966-67, przez Smithsonian Magazine i Marlborough Gallery, Nowy Jork

Fotorealizm to radykalny ruch artystyczny z Ameryki Północnej z lat 60. XX wieku, w którym malarze kopiowali zdjęcia w najdrobniejszych szczegółach na ogromne, rozległe płótna. W całym ruchu fotorealistycznym artyści wykazali się mistrzowską techniczną wirtuozerią w malarstwie, która była niczym wcześniej, łącząc w nowy sposób dwa przeciwstawne środki malarstwa i fotografii.

Artyści tak różnorodni jak Malcolm Morley, Chuck Close i Audrey Flack przyjęli fotorealistyczny styl, aby obserwować lśniące, nowe oblicze powojennej kultury miejskiej, przekształcając skromne lub banalne tematy, takie jak stare pocztówki, niechlujne blaty lub witryny sklepowe w hipnotyzujące dzieła sztuki . Ale przede wszystkim nurt sztuki fotorealistycznej zasygnalizował doniosły okres w historii sztuki, ponieważ od tego czasu materiał fotograficzny odgrywa istotną rolę w rozwoju współczesnego malarstwa.

Aparat: narzędzie malarza do fotorealizmu

SS Amsterdam przed Rotterdamem przez Malcolma Morleya , 1966, via Christie’s

Od czasu jego wynalezienia w 19ten-wieczna fotografia nieuchronnie wpłynęła na naturę i rolę malarstwa. Nie było już rolą malarstwa, aby uchwycić dokładność życia, więc malarstwo mogło być czymś zupełnie innym: wielu twierdziło, że ta zmiana doprowadziła 19teni 20ten-sztuka wieku dalej w krainy abstrakcji , gdzie farba mogłaby zachowywać się tak, jak chciała. Ale na początku lat sześćdziesiątych wielu artystów zmęczyło się rozrzucaniem farby dla niej samej, szukając zamiast tego czegoś świeżego i nowego. Wprowadź artystów Malcolma Morleya i Richarda Estesa. Brytyjski malarz Morley jest często wymieniany jako pierwszy artysta, który zgłębił fotorealizm, tworząc drobiazgowo szczegółowe kopie pocztówek przedstawiających idylliczne liniowce płynące po olśniewającej błękitnej wodzie w stylu, który nazwał superrealistycznym.

Tania restauracja autor: Richard Estes , 1971, przez Smithsonian Magazine i Marlborough Gallery, Nowy Jork

Depczący Morleyowi po piętach był amerykański malarz Richard Estes, który podążył za trendem, tworząc starannie odwzorowane wizerunki lśniącej fasady Nowego Jorku, od wypolerowanych okien restauracji z lat 50. po metaliczny połysk nowiutkich samochodów. Zastosowane przez niego odblaskowe powierzchnie były celową wizytówką jego mistrzowskiego władania malarstwem i miały ogromny wpływ na fotorealizm. Ten nowy styl malowania początkowo wyglądał jak powrót do tradycji realizmu, ale w rzeczywistości był to zupełnie nowy obszar niezbadanego terytorium. Tym, co odróżniało prace fotorealizmu od wysoce realistycznych malarzy z przeszłości, była świadoma próba odtworzenia cech unikalnych dla obrazu fotograficznego, jak opisano w publikacji Sztuka w czasie : Artyści fotorealistyczni lat 60. i 70. badali rodzaj widzenia, który był unikalny dla aparatu… ostrość, głębia ostrości, naturalistyczne szczegóły i jednolita uwaga na powierzchni obrazu.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Fotorealizm, pop-art i minimalizm

Handlarze żelaznymi przez Johna Salt , 1981 , przez National Galleries of Scotland, Edynburg

Tak jak Pop Art oraz minimalizm, Fotorealizm pojawił się w latach 50. w Europie i Stanach Zjednoczonych jako reakcja na szalenie emocjonalne języki Ekspresjonizm abstrakcyjny. Pop Art był na pierwszym miejscu, torując drogę z bezczelnym naciskiem na efekciarski urok reklamy i kultury celebrytów, który został wzbogacony o kwaśne jasne kolory i uproszczone projekty. W porównaniu minimalizm był fajny i zgrabny, stonowane, wyrafinowane podejście do abstrakcji z powtarzającymi się siatkami, geometrią i ograniczonymi kolorami. Ruch fotorealistyczny wyłonił się gdzieś pomiędzy tymi dwoma nurtami, dzieląc przywłaszczenie kultura popularna z Pop Art oraz czystą, metodyczną racjonalność minimalizmu. W przeciwieństwie do bezczelnej zabawy Pop Artu, fotorealistyczni artyści obserwowali banalne tematy z ironiczną, śmiertelną ironią, która była pozbawiona ludzkich emocji: główny kontrast widać między Andy'ego Warhola kultowy motyw popu Puszki zupy Campbella, 1962 oraz fotorealistyczne obserwacje Johna Salta witryny sklepowej z narzędziami w Handlarze żelaznymi , 1981. Fotorealizm zderzył się również z minimalizmem, oddając elementy treści narracyjnej lub realistycznej w przeciwieństwie do ich czystego, czystego języka o redukcyjnej prostocie.

Wiodący artyści

'64 Chrysler autor: Robert Bechtle , 1971, via Christie’s

Na początku lat 70. fotorealizm nabrał tempa i stał się ogromnym fenomenem w całej Ameryce Północnej. Liderami nowego stylu byli kalifornijscy artyści Robert Bechtle, Ralph Goings i Richard Mclean, aw Nowym Jorku malarze Chuck Close, Audrey Flack i Tom Blackwell. Zamiast zjednoczonej grupy, każdy artysta pracował niezależnie, zbliżając się do fotorealistycznego stylu we własnych ramach konceptualnych. Robert Bechtle malował sceny, które nazwał kwintesencją amerykańskiego doświadczenia, odzwierciedlając wizualną ikonografię reklamy ze zwykłymi podmiejskimi scenami rodzin i ich niezawodnych samochodów jako ostatecznego symbolu kapitalistycznego luksusu. Jednak jego skupienie na płaskiej, błyszczącej okleinie jest nieco zbyt doskonałe, co sugeruje, że za tą powierzchowną fasadą czai się ciemność. Richard Mclean stworzył również wyidealizowany obraz życia w Ameryce, ale zamiast podmiejskich terenów przedstawia jeźdźców lub bydła, dokumentując sprytnych jeźdźców, treserów zwierząt i błyszczące konie w palącym słońcu jako prawdziwe symbole amerykańskiego snu.

Medalion autorstwa Richarda Mcleana , 1974, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Narodziny ruchu

Na tę pstrokatą ekipę rozkwitających młodych artystów początkowo rzucano różne nazwiska, w tym New Realism, Super-Realism i Hyper-Realism, ale był to galerista z Nowego Jorku Ludwik K. Meisel który jako pierwszy ukuł termin „Fotorealizm” w katalogu firmy Muzeum Whitney wystawa Dwudziestu dwóch realistów, 1970. Po sukcesie tego pokazu, Meisel później przeobraził się w jednoosobową cheerleaderkę fotorealizmu w latach 70., poświęcając własną galerię SoHo na promocję fotorealistycznych dzieł sztuki, a także publikując ścisły pięciopunktowy przewodnik opisujący dokładne szczegóły, jak powinna wyglądać fotorealistyczna grafika. Kolejny przełomowy moment dla ruchu fotorealistycznego nastąpił w 1972 roku, kiedy szwajcarski kurator Haralda Szeemanna wyreżyserował całość dokumenty 5 w Niemczech jako wizytówka fotorealistycznego stylu pt. Kwestionowanie rzeczywistości – obrazowe światy dzisiaj, prezentujący twórczość aż 220 artystów zajmujących się fotograficznymi stylami malarstwa.

Jak to zrobili?

Duży autoportret Chuck Close, 1967-68, przez Walker Art Centre, Minneapolis

Artyści fotorealistyczni zbadali szereg pomysłowych, a czasem pomysłowych sztuczek, aby osiągnąć tak imponująco dokładne wyniki. Nowojorski malarz Chuck Close wykonał ogromne, drobiazgowo szczegółowe portrety siebie i swoich przyjaciół, łącząc kilka rewolucyjnych technik. Pierwszym z nich było nałożenie siatki na obraz polaroidowy, aby rozbić go na szereg małych elementów, a następnie pomalować każdą najdrobniejszą część na raz, aby nie przytłoczył go ogrom zadania. Porównał to metodyczne podejście do „robienia na drutach”, ponieważ obraz jest metodycznie budowany rzędem po rzędzie. Zamknij również nałożone elementy farby za pomocą aerografu i zeskrobuj go żyletkami, aby uzyskać dokładniejsze obszary, a nawet przymocuj gumkę do wiertarki elektrycznej, aby naprawdę pracować w tych bardziej miękkich obszarach tonu. Co zaskakujące, twierdzi, że jego kultowe 7 na 9 stóp Duży autoportret, 1967-68 powstał przy użyciu tylko łyżeczki czarnej farby akrylowej.

II wojna światowa (próżność) autor: Audrey Flack , 1977, via Christie’s

Dla kontrastu, koleżanka z Nowego Jorku, Audrey Flack, wyświetlała na płótnie własne obrazy jako przewodnik malarski; pierwszą z jej prac powstałych w ten sposób była Portret rodzinny Farbów, 1970. Praca z projekcją pozwoliła jej osiągnąć olśniewający poziom dokładności, który nie byłby możliwy w przypadku samej pracy ręcznej. Flack następnie nakładała na swoje płótna cienkie warstwy farby za pomocą aerografu, usuwając w ten sposób wszelkie ślady dłoni w efekcie końcowym. W przeciwieństwie do oderwanych stylów jej współczesnych, obrazy Flack często miały głębszą treść emocjonalną, szczególnie jej studia martwej natury, które odzwierciedlały tradycję memento mori ze starannie umieszczonymi przedmiotami symbolizującymi zwięzłość życia, takimi jak czaszki i płonące świece, jak widać w prace takie jak II wojna światowa (próżność), 1977.

Hiperrealizm

Mężczyzna na ławce autor: Duane Hanson , 1977, via Christie’s

W następstwie ruchu fotorealistycznego w późnych latach 70. pojawiła się nowa, rozdmuchana wersja stylu, znana jako hiperrealizm. W przeciwieństwie do ogólnego mechanicznego, oderwanego oka fotorealistycznych obiektów, hiperrealizm skupiał się na celowo emocjonalnych obiektach, jednocześnie potęgując poczucie podziwu i wielkości ich obiektów za pomocą ogromnych skal, ekstremalnego oświetlenia lub wskazówek dotyczących treści narracyjnych. Niezależny kurator, pisarz i mówca Barbara Maria Stafford opisał styl magazynu Tate Gallery Dokumenty Tate jako coś sztucznie zintensyfikowanego i zmuszonego stać się bardziej realnym niż wtedy, gdy istniało w realnym świecie.

Rzeźba była szczególnie ważnym nurtem sztuki hiperrealistycznej, zwłaszcza odlewy z włókna szklanego amerykańskich rzeźbiarzy Duane Hansona i Johna de Andrea, które umieszczają niewiarygodnie realistyczne postacie w pozach lub scenariuszach, które sugerują nieopowiedziane historie pod powierzchnią. Współczesny australijski rzeźbiarz Ron Mueck w ostatnich latach doprowadził te idee do skrajności, tworząc surrealistyczne symbole figuratywne, które mówią o złożoności kondycji ludzkiej z przesuniętą skalą, mającą na celu wzmocnienie ich emocjonalnego wpływu. Jego ogromne nowo narodzone dziecko w Dziewczyna, 2006 ma ponad 5 metrów długości, ukazując w teatralnym dramacie cudowny cud wydania dziecka na świat.

Dziewczyna przez Rona Mueck , 2006, za pośrednictwem National Gallery of Melbourne, Australia i Atlantycki

Najnowsze pomysły w fotorealizmie

Zapętl autorstwa Jeffa Koonsa , 1999, przez Muzeum Guggenheima, Bilbao

Fotorealizm osiągnął swój zenit w latach 70., ale od tego czasu wariacje tego stylu utrzymywały się przez kolejne dziesięciolecia. Po eksplozji technologii informatycznych w latach 90. nowa fala artystów przyjęła fotorealistyczne sposoby pracy, ale wielu z nich wyszło poza dosłowność ruchu artystycznego fotorealistów, wprowadzając elementy kreatywnej edycji cyfrowej w programach komputerowych.

Bez tytułu (ocean) autor: Vija Celmins , 1977, przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w San Francisco

W amerykańskim artyście Jeffa Koonsa kicz, Easyfun-Eteryczny seria, w tym praca Pętla, W 1999 roku tworzy cyfrowe kolaże z uwodzicielsko wyciętymi wycinkami z czasopism i reklam na billboardach, które są następnie malowane farbą przez jego zespół asystentów na ogromne płótna wielkości ścian. Na drugim końcu spektrum amerykańska artystka Vija Celmins tworzy na papierze malutkie, znakomicie obserwowane rysunki i odbitki na papierze w czerni i bieli, ukazując rozległe przestrzenie oceanu lub rozgwieżdżone nocne niebo z drobnymi, powtarzającymi się znakami i smugami, które tylko ujawniają ślady ich tworzenia.

Płytkie zgony za pomocą Glenn Brown , 2000, via The Gagosian Gallery, Londyn

Brytyjski malarz Glenn Brown ma zupełnie inne podejście; Opierając się na surrealistycznym języku hiperrealizmu, tworzy fotorealistyczne kopie słynnych dzieł ekspresjonistycznych, które jarzą się aurą nienaturalnego światła, jakby oglądane na ekranie komputera. Złożony proces Browna polegający na kopiowaniu na farbie fotografii dzieła innego artysty pokazuje, jak ściśle powiązane są nasze doświadczenia widzenia i tworzenia obrazów z dzisiejszym doświadczeniem cyfrowym.