Czym jest sztuka performance i dlaczego ma znaczenie?

Ze wszystkich form sztuki, jakie istnieją we współczesnym świecie, sztuka performance musi być z pewnością jedną z najbardziej odważnych, wywrotowych i eksperymentalnych. Z pokrywanie nagich ciał farbą i mocowanie się z dzikim kojotem, do chowania się pod deskami podłogowymi galerii lub zawijanie w surowe mięso , artyści performance przesunęli granice akceptacji i przetestowali szerokość ludzkiej wytrzymałości, rzucając nam wyzwanie do zadawania pytań o naturę sztuki i naszą cielesną relację z nią. Przyglądamy się niektórym kluczowym ideom związanym ze sztuką performance i powodom, dla których ma to tak duże znaczenie w dzisiejszych czasach.

1. Performance skupia się na wydarzeniach na żywo

Paul McCarthy, Malarz, 1995, przez Tate

Sztuka performance to niewątpliwie szeroki i różnorodny styl sztuki, który wiąże się z jakimś odgrywanym wydarzeniem. Niektóre sztuki performance to doświadczenie na żywo, które może mieć miejsce tylko przed aktywną publicznością, na przykład Marina Abramović jest bardzo kontrowersyjna Rytm 0, 1974, w którym rozłożyła serię przedmiotów i poprosiła widzów o wyrządzenie szkody jej ciału. Inni artyści nagrywają ich występy, zawieszając je na zawsze w czasie, np. Paul McCarthy 's Malarz, 1995, w którym artystka odgrywa przesadną rolę ekspresjonistycznego malarza w atelier, nosząc protetyczne części ciała. Obaj artyści na różne sposoby wzywają nas do zastanowienia się nad relacją ciała do dzieła sztuki.

2. Performance jest jedną z najbardziej radykalnych form sztuki

Radykalny muzyk i performer John Cage na scenie w 1966 roku, za pośrednictwem North Country Public Radio

Od samego początku sztuka performance była jedną z najbardziej radykalnych i przekraczających granice form sztuki. Historia sztuki performance często sięga wstecz do: dadaizm oraz Futuryzm na początku 20tenw Europie, kiedy artyści zaczęli wystawiać anarchiczne, pełne przemocy spektakle, których celem było szokowanie widzów obudzonych po wojnie. Ale dopiero w latach 50. sztuka performance została uznana za samodzielną formę sztuki.

Black Mountain College w Północnej Karolinie jest powszechnie uznawany za kolebkę sztuki performance. Prowadzona przez rewolucyjnego muzyka John Cage , nauczyciele i uczniowie współpracowali przy serii multidyscyplinarnych wydarzeń łączących muzykę, taniec, malarstwo, poezję i nie tylko w pojedynczą całość, rozszerzając swoje praktyki na nowe i bezprecedensowe sposoby poprzez akty żartobliwej współpracy. Nazwali te eksperymentalne wydarzenia „Happeningami” i dały początek sztuce performance w latach 60. i 70. XX wieku.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

3. Performance ma ścisły związek z feminizmem

Hannah Wilke, Gesty, 1974, za pośrednictwem Landmarks College of Fine Arts, Texas

W latach 60. sztuka performance była szczególnie popularną formą sztuki wśród artystów feministycznych, w tym Carolee Schneeman , Yoko Ono , Hannah Wilke, Linda Montano i Tehching Hsieh. Dla wielu artystek feministycznych sztuka performance była szansą na odzyskanie ich ciał od wieków męskiego uprzedmiotowienia oraz wyrażania swojej wściekłości i frustracji z powodu systemów ucisku. Na przykład w Gesty, 1974, Wilke popycha, ciągnie i naciąga skórę na swojej twarzy, odzyskując ją jako własny plac zabaw.

4. Przełamuje bariery między formami sztuki

Performance Marvina Gaye Chetwynda, który łączy elementy teatru, kostiumu, tańca i rzeźby w jedno, via Artsy

Sztuka performance jest jedną z bardziej inkluzywnych form sztuki, zachęcającą do multidyscyplinarnych sposobów tworzenia sztuki i zachęcającą artystów z różnych dyscyplin do współpracy. Akty zapylania krzyżowego i dzielenia się pomysłami otworzyły zupełnie nowe bogactwo kreatywnych możliwości, co widać na: Marvin Gaye Chetwynd wystawne i wszechstronne wydarzenia, które łączą spektakl teatralny i kostiumowy z rzeźbą i tańcem.

Dan Graham, wykonawca, publiczność, lustro, 1975, przez MACBA Barcelona

Niektórzy artyści zapraszają także publiczność do aktywnego udziału w spektaklu, jak np. Dan Graham Wykonawca, Publiczność, Lustro, 1975, w którym nagrał siebie występując przed lustrem, obserwowany przez zniewolony tłum.

5. Testuje ludzką wytrzymałość

Joseph Beuys, Lubię Amerykę, a Ameryka mnie lubi, 1974, MoMA, Nowy Jork

Jednym z najbardziej fascynujących, a jednocześnie niepokojących aspektów sztuki performance jest sytuacja, w której artyści wpychają swoje ciała w ekstremalne sytuacje życia lub śmierci, testując siłę ludzkiej wytrzymałości. Joseph Beuys grał z niebezpieczeństwem w swoim legendarnym przedstawieniu z 1974 r. Lubię Amerykę, a Ameryka lubi mnie , zamykając się na trzy dni w galerii z dzikim kojotem. Tutaj kojot stał się symbolem dzikiego, przedkolonialnego terenu Ameryki, który, jak twierdził Beuys, jest wciąż nieposkromioną siłą natury. Beuys uchronił się przed kojotem, owijając swoje ciało filcowym kocem i trzymając zahaczoną laskę.

6. Często jest to forma politycznego protestu

Pussy Riot, Punk Modlitwa: Matko Boża, Odpędź Putina, 2012, via The Atlantic

Wielu artystów zaciera granice między performansem a politycznym protestem, inscenizując kontrowersyjne wydarzenia, które budzą niewygodną prawdę o klimacie, w którym żyją. Jednym z najbardziej głośnych, upolitycznionych aktów sztuki performance było:Cipka Zamieszki's Modlitwa Punkowa, 2012. Trzech członków grupy odprawiło Modlitwę Punkową w Soborze Chrystusa Zbawiciela w Moskwie, krytykując opresyjny charakter rosyjskich władz i ich wątpliwe powiązania z Kościołem katolickim, nosząc charakterystyczne dla nich jaskrawe kolorowe ubrania i kominiarki. Choć rosyjskie władze aresztowały i uwięziły artystów, ich wpływ na artystów-aktywistów był ogromny, pokazując, jak performans może być potężnym narzędziem wyrażania siebie w najtrudniejszych czasach.