10 niesamowitych przykładów europejskiej sztuki symbolistycznej
Symbolizm najlepiej zdefiniować jako postawę mentalną przejawiającą się w literaturze i sztukach wizualnych, charakteryzującą się odrealnionymi motywami i przedstawieniami. Podstawową ideą było to, że widzialna i możliwa do zdefiniowania rzeczywistość stanowi jedynie pierwszy plan uniwersalnego schematu. Wyrażenie tego schematu w sztuce nie było możliwe bezpośrednio, lecz jedynie poprzez sugestie i aluzje. Metafory i alegorie sztuki symbolistycznej ukazywały zdarzenia niemożliwe w naturze, których można było doświadczyć w snach, transie czy ekstazie. Korzenie tej postawy sięgają daleko w historię i obejmują różne kultury. Romantyzm nosił już cechy sztuki symbolistycznej, które zostały jedynie wzmocnione w dziełach prerafaelitów. Rozprzestrzenił się na sztukę Puvisa de Chavannesa i Gustave'a Moreau we Francji oraz Hansa von Mareesa i Arnolda Böcklina w Niemczech. Artyści ci, często uważani za pionierów, wywarli później wpływ na kolejne młodsze pokolenie artystów.
1. Arnold Böcklin, Autoportret ze śmiercią grającą na skrzypcach , 1872
Ważny dla symboliki europejskiej jako sam artysta, Autoportret ze śmiercią grającą na skrzypcach został namalowany w 1872 roku przez Arnolda Böcklina . Jest to paradygmatyczny obraz sztuki symbolistycznej. Autoportret Böcklina niesie ze sobą nowy wizerunek i rolę artystów końca XIX wieku.
Artysta nie musi być odnoszącym sukcesy obywatelem, ale bohaterem legitymizowanym niezwykłymi przeżyciami lub fantazjami. Romantyczny element samotności i niezrozumienia artysty nabrał w symbolice pozytywnej konotacji.
Kontakt artysty z doświadczeniami wyobcowania i trudności, intymna znajomość snów i koszmarów, kompleksu Erosa i Śmierci zapewniły mu nową pozycję w społeczeństwie. Na obrazie Böcklina Grająca jej melodia Śmierć jest wsłuchiwana przez artystę w skupieniu, próbującego zebrać inspiracje do swojej twórczości. Podążając jego śladami, wielu artystów wykorzystało doświadczenie śmierci jako źródło inspiracji do swoich portretów. Niemieccy malarze, tacy jak Hans Thoma, Oskar Zwinschter i Lovis Corinth, mieli swoje wersje tego obrazu.
2. Franz von Stuck, Bez , C. 1908
Freud i rozwój psychoanalizy , ruch kobiecy i walka płci odzwierciedlona w XIX-wiecznej literaturze stanowiły tło dla projekcji kobiety w sztuce symbolistycznej. Projekcje te często przywołują na myśl terminy takie jak splątanie, usidlenie i zjadanie ludzi. Projekcje te osiągnęły szczyt na obrazie a śmiertelna Kobieta z niekończącymi się odmianami sztuki symbolistycznej .
Na przełomie XIX i XX wieku Franz von Stuck namalował co najmniej jedenaście odmian Bez . Większość obrazu zajmuje blada postać kobiety; jej głowa i gęste, ciemne włosy leżą w cieniu. Czarny wąż owija się wokół jej bioder i brzucha, zakrywając okolice łonowe. Po zniknięciu z pola widzenia za plecami postaci, jej głowa pojawia się ponownie z lekko otwartymi ustami. Zarówno wąż, jak i kobieta wpatrują się w widza (prawdopodobnie płci męskiej), kusząc i przygotowując się na jego zagładę.
3. Odilon Redon, Kwiat Bagna , 1885
The Kwiat Bagna to litografia wykonana przez Odilona Redona w ramach serii pt Dom Goi . Inspiracją dla sześciu litografii z tej serii było: Francisco Goyi Kaprysy , którego tematem było irracjonalne złe traktowanie siebie przez ludzi, będące odą do pesymizmu Goi.
Źródłem powstania tego stworzenia jest wyobraźnia artysty, zaprojektowana według intuicji artysty, a nie tradycji akademickiej czy innej. Redon wolał pracować wyłącznie w czerni i bieli (kolor rzadko używał aż do roku 1900), ponieważ uważał, że najlepiej nadaje się on do przedstawienia tego, co niewidzialne. Kolor kojarzył się większości widzów ze światem widzialnym, a ten świat niewidzialny reprezentował Redon. Kwiat bagna wyłania się z niejednoznacznej przestrzennie pustki i podobnie jak wiele innych stworzeń Redona jest hybrydą rośliny i człowieka.
Innym źródłem stworzeń Redona były prace francuskich przyrodników, którzy podążając za dziełami Karola Darwina, sugerowali istnienie wymarłe gatunki hybrydowe na przestrzeni dziejów . Współczesne interpretacje skamieniałości i zoologia porównawcza sugerowały istnienie ssaków, które wyglądały i zachowywały się jak ryby, a robaki były hermafrodytami.
4. Felicjan Rops, Pornkraci , 1878
Felicien Rops, belgijski ilustrator, przejął symbolistyczną miłość do makabry. Jego wyjątkowy talent dotyczył jednak tematów przewrotnie erotycznych i bluźnierczych. W tych dziedzinach cieszył się wielką reputacją i niesławą. Jak można się było spodziewać, dosadny charakter jego twórczości wywołał wielkie skandale.
Pornkraci Lub Kobieta ze świnią jego najbardziej znanym dziełem był obraz Ropsa namalowany w 1878 roku. Oznaczał on punkt zwrotny w kierunku symbolistycznych tematów i wyrażeń. Jest to wizerunek niemal nagiej kobiety, której rękawiczki i pończochy jeszcze bardziej podkreślają jej nagość. Z opaską na oczach kobietę prowadzi na smyczy świnia przypominająca psa. W powietrzu są trzy cherubiny , a poniżej fryz zawierający alegorie rzeźby, muzyki, poezji i malarstwa.
W Pornkraci Rops złożył hołd panowaniu niekontrolowanych popędów, jednocześnie kpiąc z represyjnej moralności i hipokryzji współczesności.
5. Gustave Moreau, Orfeusz , 1865
Gustave Moreau jest jednym z pierwszych artystów symbolistycznych, którego prace zainspirowały nowe, młodsze pokolenie francuskich artystów. W sztuce symbolistycznej, podobnie jak w twórczości Moreau, duże znaczenie przywiązuje się do kreatywności; osoba, która potrafi coś stworzyć, jest postrzegana jako wyjątkowa istota ludzka.
Malarstwo Gustave’a Moreau Orfeusz wywarł ogromny wpływ na późniejsze symbolistyczne interpretacje mitu. Przedstawia moment zwycięstwa po tragicznej śmierci, kiedy tracka dziewica, trzymając głowę w ramionach i spokojnie ją kontemplując, uświadomiła sobie jej moc.
Artyści symbolistyczni końca XIX wieku znaleźli głęboki wyraz swojej złożonej postawy estetyczno-religijnej w postać Orfeusza . Głowa Orfeusza jest tu obrazem wiecznej izolacji artysty, niezrozumianego i umęczonego, a czczonego dopiero po śmierci. Śmierć przez rozczłonkowanie czyni Orfeusza ofiarą i męczennikiem. Jednocześnie przygotowuje grunt pod triumfalne zwycięstwo Jego transcendencji śmierci mocą pieśni i muzyki.
6. Puvisa de Chavannesa, Biedny Rybak , 1881
Puvis de Chavannes był malarzem francuskim, powszechnie uważanym za prekursora sztuki symbolistycznej. Puvis był niezależny, rzadko opierając się na tradycji akademickiej i nie odnosząc się do bieżących wydarzeń. Biedny rybak , jego najsłynniejsze dzieło, spotkało się z wielką wrogością, gdy zostało wystawione na Salonie w 1881 r. Mimo to państwo zakupiło je w 1887 r., a w latach 90. XIX wieku zaczęto je powszechnie uważać za arcydzieło sztuki symbolistycznej. Inni artyści bardzo go podziwiali, m.in. Gauguin, Seurat, Signac , Maillol i Nabis.
Chwila Biedny rybak tytuł sugeruje tematykę zgodną z socrealizmem, gatunkowa jakość obrazu nadaje mu szerszy wydźwięk. Niedożywiona sylwetka i bierna poza nie stwarzały zagrożenia, a pochylona głowa i złożone dłonie sugerowały uległość. Wygląd rybaka przypominający Chrystusa w towarzystwie nagiego dziecka i młodej matki przywołuje na myśl obraz Świętej Rodziny. Nie mówiąc nic wyraźnie, przywołanie i sugestia obrazu ukazują podstawowe cechy sztuki symbolistycznej.
7. Jean Delville, Szkoła Platona , 1898
Jean Delville był głównym uczestnikiem ruchu sztuki symbolistycznej we Francji i Belgii na przełomie XIX i XX wieku. Jego monumentalne dzieło, Szkoła Platona , po raz pierwszy pojawił się w 1898 r Salon Sztuki Idealistycznej w Brukseli . Głównym tematem obrazu jest brodata postać Platona pośrodku, otoczona dwunastoma nagimi mężczyznami w idyllicznym krajobrazie. Platon siedzi na marmurowej ławce pod drzewem pełnym kępek kwiatów glicynii. Podobnie jak w przypadku wszystkich obrazów Delville'a, jego złożoną symbolikę można rozszyfrować w źródłach ezoterycznych, które stanowią większość jego twórczości.
Obraz nawiązuje do pism Deliville’a na temat teorii estetyki i jego filozofii teozoficznej. Jego książka Nowa misja sztuki często odwołuje się do harmonii i wibracji jako warunków niezbędnych dla piękna. Misją artysty jest tworzenie dzieł ucieleśniających wartości liczbowe i formy geometryczne w możliwie jednolity, zrównoważony i harmonijny sposób. Delville uważał, że artysta poprzez harmonie i „wibracje” zasypuje przepaść pomiędzy światem materialnym i duchowym, światem naturalnym i nadprzyrodzonym. Trójkątna kompozycja i wzory obrazu, rozmieszczenie postaci i ich gesty sugerują idee wyrażone przez Delville'a w jego książce.
8. Giovanni Segantini, Złe Matki , 1894
Znany najbardziej ze swoich alpejskich krajobrazów, prace Giovanniego Segantiniego pokazują, jak sztuka i idee symbolistyczne rozprzestrzeniły się po Europie i dotarły nawet do Włoch. W latach 1891-1896 artysta namalował serię prac z kobietami odrzucającymi to, co uważano za ich naturalne przeznaczenie, czyli macierzyństwo.
Namalowany w 1894 r., Złe Matki to jedno z najsłynniejszych dzieł Segantiniego. W tym jałowym krajobrazie kobieta owinięta czarnym materiałem jest w tajemniczy sposób przywiązana rozwianymi włosami do nagiego drzewa. Jego pokręcone formy sugerują jej grzech i mękę, bez nadziei na zbawienie.
Obraz był przedmiotem różnych interpretacji. Poszlaki dostarczają wskazówek pozwalających na sformułowanie przynajmniej ogólnego poglądu na treść obrazu. W latach dziewięćdziesiątych XIX wieku jedno na dziesięcioro dzieci umierało w niemowlęctwie, a jedno na siedmioro na gruźlicę w dzieciństwie. Ponieważ za swoje dzieci odpowiadały przede wszystkim matki, wszelkie nieszczęścia, które je spotykały, uważano za winę matki. Złe matki Segantiniego mogą cierpieć z powodu tak poważnych przestępstw, jak znęcanie się nad dziećmi czy gruźlica. Artystka karze złą matkę za jej nieodpowiedzialność i zaniedbanie wobec potomstwa.
9. James Ensor, Wjazd Chrystusa do Brukseli w 1889 r , 1889
Belgijski artysta Jamesa Ensora był entuzjastą masek wśród artystów symbolistycznych. Motywy zaczerpnął z karnawału w Ostendzie i sklepu z ciekawostkami prowadzonego przez jego matkę. Normalny funkcja maski w sztuce symbolistycznej jest odwrócona, gdyż służy demaskowaniu. Wszystko, co złe, złośliwe, zepsute, podłe i śmieszne w ludziach, jest podkreślane poprzez przesadne rysy twarzy masek. Utrata tożsamości osobistej nadaje przebranym postaciom tajemniczy, niesamowity i niejednoznaczny wygląd.
Ensora Wjazd Chrystusa do Brukseli w 1889 r satyra na współczesne społeczeństwo. Co ciekawe, za życia artysty dzieło to nigdy nie zostało wystawione. Ensor wyobraził sobie tutaj absurdalne wydarzenie: drugie przyjście Chrystusa podczas przedpostnych uroczystości Mardi Gras w Brukseli. Tytuł nawiązuje do biblijnego wjazdu Chrystusa do Jerozolimy. Ensor postrzegał współczesny świat jako karnawałową farsę wypełnioną okrucieństwem i głupotą. W tym hałaśliwym tłumie zamaskowanych twarzy Jezus nie zajmuje widocznego miejsca ani nie jest rozpoznawany przez uczestników imprezy, a mimo to na podium wisi transparent z napisem: „Niech żyje Jezus, król Brukseli”.
10. Edvarda Muncha, Wizja , 1892
Edvard Munch, prekursor niemieckiego ekspresjonizmu, słynie z niekonwencjonalnych metod pracy, eksperymentowania z procesem twórczym i tematyką psychologiczną. Wizja , wczesne dzieło Muncha, należy do kręgu sztuki symbolistycznej. Dla samego Muncha obraz był jednym z jego głównych obrazów lat 90. XIX wieku. Był on pokazywany na wszystkich jego znaczących wystawach w latach 1892-1898 i miał stanowić centralny obraz Fryz Życia .
Obraz ten, określany przez historyków sztuki jako „niekonwencjonalny autoportret”, przedstawia zniekształconą ludzką głowę unoszącą się w wodzie. Nad nimi spokojnie unosi się biały łabędź – motyw pełen symboliki. Reprezentuje wizjonerskie doświadczenie, które różni się od duchowej wizji i oświecenia powszechnych w sztuce symbolistycznej. Jednak od czasu pierwszej wystawy jego symbolikę uznano za zarówno zagmatwaną, jak i bogatą. Łabędź budzi wiele skojarzeń, od śmierci i erotyzmu po nieosiągalny ideał artystyczny i twórcze cierpienie, kluczowe dla sztuki Muncha. Bezcielesna głowa, ogólnie w sztuce symbolistycznej, sugeruje duszę lub inteligencję próbującą wznieść się ze świata cielesnego do zjednoczenia z duchem panteistycznym.