Wiedeński wizjoner: życie i sztuka Gustava Klimta

Zaznaczając przejście od historyzmu do Jugendstil, dzieło Gustava Klimta ukształtowało początek sztuki nowoczesnej w Wiedniu. Jego obrazy dają wizję świata w przepychu i rozrywce. W alegoriach, portretach, pejzażach, figurach erotycznych skupia uwagę przede wszystkim na pięknie, pomijając bezpośrednie odniesienia do wydarzeń zewnętrznych. Klimt zbudował swoje użycie koloru i wzoru na wpływach sztuki japońskiej, sztuki starożytnego Egiptu i bizantyjskiej Rawenny.

Płaska, dwuwymiarowa perspektywa jego obrazów i stylizowana jakość głębokiej zmysłowości jego malarstwa są na czele z postacią kobiety. Poza karierą artystyczną prawie nic konkretnego nie wiadomo o życiu osobistym Gustava Klimta. Reprezentowany głównie przez pogłoski jako kobieciarz, hipochondryk i kawaler prowadzący zrównoważony tryb życia, człowiek stojący za sztuką pozostaje w pewnym stopniu tajemnicą.

Wczesne życie Gustava Klimta

Gustawa Klimta urodził się 14 lipca 1862 roku jako drugie z siedmiorga dzieci złotnika Ernsta i Anny Klimt na wiedeńskim przedmieściu. Po ukończeniu nowoczesnej szkoły podstawowej i średniej Gustav został przyjęty do Szkoły Sztuki i Rzemiosła Cesarskiego Królewskiego Muzeum Sztuki i Przemysłu (Uniwersytet Sztuk Stosowanych w Wiedniu) w 1876 roku w wieku 14 lat.

Wkrótce do Gustawa dołączyli jego bracia w Szkole Rzemiosł Artystycznych i zaczęli otrzymywać pierwsze zlecenia. Obejmowało to prace nad świątecznym pochodem zaprojektowanym przez „księcia-malarza” Hansa Makarta w rocznicę ślubu cesarza Franciszka Józefa I i cesarzowej Elżbiety w 1879 r.

Bracia Klimt wraz z Franzem Matschem założyli kolektyw studyjny, który stał się znany jako The firma artystyczna (Artists’ Organization in English) w 1883 r. Ich pierwszymi wspólnymi zamówieniami były prace dla wiedeńskiego biura architektonicznego Fellner & Helmer oraz malowidła sufitowe do salonu Hermesvilla cesarzowej Elżbiety w 1885 r.

W przeciwieństwie do swojej późniejszej sztuki, z której jest lepiej znany, Klimt kształcił się jako malarz o tradycji klasycznej. Jako artysta z akademickim wykształceniem Klimt został wybrany przez bogatą liberalną burżuazję na dekoratora ich prestiżowych budynków. Zainspirowany nowym podejściem do rzeczywistości szybko odwrócił się od ideałów i norm historyzmu artystycznego, zarówno formalnie, jak i merytorycznie.

Powstanie Secesji Wiedeńskiej

W połowie lat 90. XIX wieku młode pokolenie aspirujących artystów utworzyło grupę w ramach Künstlerhaus (przestrzeń wystawiennicza dla uznanych artystów, podobna do Salon Paryski ). Przeciwstawił się konserwatyzmowi, opowiadając się za otwarciem przestrzeni wystawienniczych dla ruchów nowoczesnych i międzynarodowych. W 1897 r. zbuntowani artyści, m.in. Koloman Moser, Carl Moll i Alfred Roller, ogłosili odłączenie się od Künstlerhaus. Za prezydentury Klimta założyli tzw Związek Artystów Austriackich Secesja Wiedeńska , zamierzający edukować społeczeństwo poprzez przyszłościowe koncepcje artystyczne i nasycać życie sztuką.

Secesja od początku okazała się wielkim sukcesem. W 1898 r. odbyła się w nim pierwsza i druga wystawa. W tym samym roku Secesja otrzymała własną przestrzeń wystawienniczą wraz ze wzniesieniem gmachu Secesji zaprojektowanego przez inż Józef Maria Olbrych . Motto wpisane nad wejściem „ Każdemu wiekowi jego sztuka, sztuce jego wolność ” oznacza do dziś radykalnie liberalne podejście grupy. Charakterystycznymi cechami nowego ruchu było stwierdzenie zerwania z oficjalną tradycją akademicką i mówienie prawdy o współczesnym człowieku. Dla Gustava Klimta jako artysty oznaczało to utratę statusu akceptowanego i uznanego malarza, który budował dla siebie przez lata. Po odejściu od tradycyjnych początków Klimt znalazł się w szeregu kontrowersji, które dodatkowo zdefiniowały jego karierę.

Skandale Gustava Klimta

Wraz z Matschem Gustav Klimt otrzymał zamówienie na serię obrazy dla Uniwersytetu Wiedeńskiego w 1898 i 1899. W ramach pracy Klimt otrzymał przedmioty z filozofii, medycyny i prawa. Uniwersytet spodziewał się serii formalnych obrazów w stylu klasycznym podobnym do Dzieło Rafaela w Stanza della Segnatura . Jednak to, co rzeczywiście otrzymali po kilku latach pracy, wywołało taki skandal, że Klimt zwrócił otrzymane zaliczki i odebrał obrazy.

Jeden z obrazów, Filozofia , był wystawiany w Paryżu na Wystawie Światowej w 1900 roku i zdobył złoty medal, ukazując różnicę między francuskimi i austriackimi kręgami artystycznymi. Drugi obraz z serii, Medycyna wywołał jeszcze większe kontrowersje. Postacie kobiece na obrazie stanowiły całkowite odejście od tradycyjnego XIX-wiecznego stylu akademickiego. Kobiety Klimta są długowłosi i smukli, posiadają świadomość seksualną, która jest zarówno pociągająca, jak i niemal groźna w swojej bezpośredniości. Obrazy wydziału sprawiły, że Gustav Klimt stracił patronat cesarza i innych postaci establishmentu. Na szczęście dla niego był w stanie zarobić na wygodne życie, malując portrety.

XIV wystawa Secesji w 1902 roku wywołała kolejny skandal. Tym razem Klimt ofiarował fryz poświęcony twórczości Ludwiga van Beethovena miał być wystawiony w budynku Secesji. Trzy alegoryczne postacie Zazdrości, Luksusu i Nadmiaru zostały zaprojektowane tak, aby zajmowały część centralnej ściany pomieszczenia, w którym Pomnik Beethovena autorstwa Maxa Klingera też miał być wystawiony. na rysunku Zazdrość , Klimt używa włosów kobiety zarówno po to, by ukryć jej płeć, jak i zwrócić na nią uwagę. Nadmiar przypomina nie tyle kobietę, ile tureckiego paszę, z klatką piersiową rozciągniętą w kobiece piersi. Konserwatywne wiedeńskie społeczeństwo po raz kolejny było głęboko wstrząśnięte tymi obrazami.

Złota faza Klimta

Z fryzu Beethovena Gustava Klimta wynika, że ​​już w 1902 roku sięgał on po elementy charakterystyczne dla jego „złotej fazy”. Złotą fazę Klimta reprezentują dzieła, z których jest dziś najbardziej znany, m.in Pocałunek , Judyta i głowa Holofernesa , a także portrety Adele Bloch-Bauer , Danae , i wiele więcej. Zastosowanie metalicznych elementów geometrycznych oznaczało oficjalny początek „złotej fazy” Klimta, która osiągnęła punkt kulminacyjny pięć lat później wraz z pierwszym portretem Adele Bloch-Bauer.

W 1903 roku podczas podróży do Rawenny Klimt był pod wielkim wrażeniem wczesnochrześcijańskie mozaiki w kościołach Rawenny . Efektem tego zainteresowania było zastosowanie przez niego kolażowych wzorów złotych i srebrnych ornamentów nakładanych na powierzchnię płótna. Styl Klimta stał się połączeniem naturalnych elementów z dużymi obszarami abstrakcyjnego geometrycznego ornamentu.

Jednym z pierwszych dzieł, w których Klimt użył prawdziwego złota płatkowego, jest obraz Judyty z 1901 roku. Bohaterka narodu żydowskiego nosi złoty naszyjnik i pasek wysadzany kamieniami szlachetnymi. W tle zastosowano również złoto, z motywami drzew i winorośli.

Szczytem złotej fazy Klimta był tzw Pierwszy Portret Adele Bloch-Bauer , ukończony w 1907 r. Poszczególne motywy zdobnicze stosowane w obfitości przez Klimta świadczą o różnorodności wpływów stylistycznych. Sukienka i fotel Adele przywołują na myśl złote mozaiki z Rawenny, motywy oczu i trójkątów na jej sukience pochodzą z egipskiej złotej biżuterii, a delikatne spirale z starożytna sztuka mykeńska . Tło wykonane jest z drobnych płatków podobnych do wschodnioazjatyckich składanych parawanów i kawałków lakieru.

Wyjście z wiedeńskiej secesji

W 1905 roku kipiące od lat wewnętrzne konflikty i odmienne dążenia członków Secesji doprowadziły ostatecznie do rozłamu między artystami. Grupa secesjonistów zwana „stylistami”, do której należał Klimt, oddzieliła się od tych znanych jako „realiści”. Powód rozłamu nie był ani estetyczny, ani stylistyczny, jak mogłyby sugerować nazwy, ale sam Klimt. Tak zwana „Grupa Klimta” (artyści, którzy opuścili grupę wraz z Klimtem) obejmowała najwybitniejszych i uznanych na całym świecie członków Secesji, którzy odeszli, by realizować własne artystyczne idee.

Działająca niezależnie od Secesji Grupa Klimt zorganizowała jedną z najważniejszych wystaw na początku XX wieku, Wystawa sztuki z 1908 roku . W swoim przemówieniu otwierającym, jako lider grupy, Gustav Klimt podkreślił znaczenie sztuk użytkowych, podkreślając, że nie ma różnicy między „wysokimi” sztukami wizualnymi a „niskimi” sztukami użytkowymi. Na wystawie znalazło się 16 prac Klimta skupionych wokół obrazu Pocałunek , przejęty później przez ministerstwo edukacji dla Moderne Galerie (obecnie Österreichische Galerie Belvedere). Oskara Kokoszkę , inny ważny artysta współczesny, miał swój debiut wystawowy w Kunstschau i poświęcił go Śniący chłopcy do Klimta.

Późniejsze lata i śmierć

Na początku lat 1910 Gustav Klimt kontynuował swój międzynarodowy sukces malując alegoryczne Śmierć i życie zdobywając pierwszą nagrodę na międzynarodowej wystawie w Rzymie w 1911 roku. Podobnie jak mu współcześni artyści, pojedynek życia ze śmiercią zawsze inspirował sztukę Klimta. Jeden z wyraźnych wpływów na malarstwo Klimta pochodził od młodego ekspresjonisty Egona Schielego , który był protegowanym Klimta. W obrazach i rysunkach Schiele powszechnie wyrażano wewnętrzny niepokój, typowy dla ekspresjonizmu. W przeciwieństwie do dzieł młodego ekspresjonisty, obraz Śmierci Klimta wydaje się bardziej pocieszający i pełen nadziei, a ludzie ignorują jego wyłaniającą się postać.

w 1918 r. zakończyła się Wielka Wojna, przynosząc ze sobą upadek monarchii austro-węgierskiej i jej cesarskiej stolicy Wiednia . Na poziomie politycznym cała Austria została zmiażdżona, ale jej środowisko artystyczne również poniosło znaczne straty. Wraz z Egonem Schiele, Kolomanem Moserem, architektem Otto Wagnerem i wieloma innymi, Klimta porwała ta sama fala śmierci.

11 stycznia 1918 roku Gustav Klimt doznał udaru mózgu w swoim mieszkaniu i został sparaliżowany z jednej strony. Niecały miesiąc później, 6 lutego, w wiedeńskim Szpitalu Ogólnym Klimt zmarł w następstwie wylewu i zapalenia płuc. W reakcji na śmierć Klimta wiedeńska krytyk sztuki Berta Zuckerkandl pisze: „…nawet w tych czasach, przyzwyczajonych do śmierci, odejście Klimta przeszywa nasze dusze jako coś niepojętego, jako pogwałcenie cudownego daru, jakim została obdarzona ludzkość”.

Dziedzictwo Gustava Klimta

Po jego śmierci w Wiedniu wciąż dyskutowano o zasługach Klimta jako artysty. Podziwiali go młodsi malarze wiedeńscy, Egon Schiele i Oskar Kokoschka, i chociaż Klimt z pewnością inspirował ich sztukę, nigdy nie miał prawdziwych naśladowców. Podczas gdy Klimt należał do okresu przejściowego w sztuce, Schiele i Kokoschka reprezentowali początki ekspresjonizmu.

Sam Klimt podziwiał Rodina i Whistlera bez kopiowania ich ani ich stylu artystycznego, więc nie miał też określonych poprzedników. Jedyne stwierdzenie, jakie wypowiedział o sobie i swojej sztuce, brzmiało: „Jestem pewien, że nie ma we mnie nic wyjątkowego jako osoba. Jestem po prostu malarzem, który maluje codziennie od rana do wieczora”.

Dziś, ponad sto lat po śmierci, Gustav Klimt wspominany jest jako jeden z najwybitniejszych współczesnych artystów wszechczasów. Pozostawił po sobie ogromny dorobek, w tym około czterech tysięcy rysunków i wiele obrazów . Chociaż Klimt nigdy nie opuścił królestwa realizmu, jego bogate wykorzystanie wzorów i ornamentów stworzyło pomost do abstrakcji typowej dla sztuki współczesnej.