Prestiż, popularność i postęp: historia paryskiego salonu

Szczegóły z Króla Karola X rozdającego nagrody artystom na zakończenie Salonu 1824, w Wielkim Salonie w Luwrze François-Josepha Heima, 1827; oraz Exposition au Salon du Louvre en 1787 (Wystawa w Salonie Louvre w 1787) autorstwa Pietro Antonio Martini wg Johanna Heinricha Ramberga, 1787

Sztuka ma moc kształtowania świata, ale często dzieło może nie dotrzeć do zamierzonego odbiorcy. Arcydzieło musi zostać zobaczone, przeczytane lub usłyszane, aby wywrzeć wrażenie. Tak więc, gdy opowiadają o życiu wielkich malarzy, rzeźbiarzy czy architektów, ich patronom często poświęca się tyle samo uwagi, co samym artystom.

Jednak struktura mecenatu i dystrybucji sztuki często pozostaje niejasna. Wystawy Światowe i różne Salony są często postrzegane jako wydarzenia, na których prezentowane są dzieła sztuki, podczas gdy w rzeczywistości są one czymś więcej niż tylko zwykłymi środowiskami rozrywki. To miejsca spotkań publiczności i artystów. Piszą historię i dyktują trendy, budują i łamią kariery, a co najważniejsze ułatwiają networking.

Jedną z najsłynniejszych takich opowieści jest historia Salonu Paryskiego. Wysunął na pierwszy plan kilka genialnych nazwisk i zmienił sposób postrzegania sztuki i jej dystrybucji przez współczesne społeczeństwo. Opowieść o Salonie Paryskim wyjaśnia, jak sztuka stała się dostępna dla wszystkich.

Narodziny Salonu Paryskiego: Opowieść o Połączeniach

Wystawa w Salon du Louvre w 1787 r. Pietro Antonio Martini według Johanna Heinricha Ramberga, 1787, za pośrednictwem The Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Dostępność sztuki jest nierozerwalnie związana z networkingiem. Bez niezbędnych powiązań ze strony artysty obraz czy rzeźba po prostu nie mogą dotrzeć do odbiorcy. Powiązania osobiste mogą stać się cennym kapitałem społecznym, który definiuje kariery. Jeśli chodzi o sztukę, te powiązania często dotyczą zleceniodawców i mecenasów, którzy określają najpopularniejsze trendy artystyczne i wybierają artystów, których warto promować. Na przykład obfitość motywów religijnych w malarstwie zachodnim może być postrzegana jako wynik bogactwa Kościoła katolickiego i chęci promowania jego przesłania na całym świecie. Podobnie większość muzeów zawdzięcza swoje istnienie potężnym władcom, którzy gromadzili i akomodowali cenną sztukę, ponieważ mieli środki na jej zdobycie i potrzebę utrzymania swojego prestiżu.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Początkowo tylko nieliczni uprzywilejowani mogli docenić dzieła sztuki, które pozostały ukryte w potężnych i wpływowych kolekcjach i pałacach. Jednak nowy świat powiązań pojawił się wraz z powstaniem imperiów europejskich w drugiej połowie 17tenwiek. W tym czasie Francja osiągała pełną chwałę i stała się drogowskazem dla nowej ery networkingowej.

Widok na Salon du Louvre w roku 1753 (Widok Luwru w roku 1753 autorstwa Gabriela de Saint-Aubina, 1753, via The Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Pojawienie się tego, co później nazwano by Salon Paryski zbiegł się ze wzrostem alfabetyzacji i klasy średniej. Na początku XVII wieku nieszlachetny paryżanin mógł podziwiać obrazy i rzeźby w kościołach lub zobaczyć zarysy architektonicznych perełek miasta. A jednak te skąpe kawałki kultury nie zaspokajały już ich artystycznych pragnień. W ten sposób ukształtowało się nowe przedsięwzięcie – Salon Paryski, wspierany przez prestiżową Królewska Akademia Malarstwa i Rzeźby (Królewska Akademia Malarstwa i Rzeźby).

Królewska Akademia Malarstwa i Rzeźby powstała w połowie XVII wieku. Akademia była dziełem królewskiego malarza Charlesa Le Bruna, który Ludwik XIV sam się zaaprobował. To nowe przedsięwzięcie miało na celu poszukiwanie talentów poza przestarzałymi gildia system, który uniemożliwiał niektórym rzemieślnikom dotarcie do publiczności. Od 1667 r. monarchia francuska wspierała cykliczne wystawy prac tworzonych przez członków Akademii. Organizowane corocznie, a później co dwa lata, wystawy te stały się znane jako „Salony”, nazwane na cześć Luwru Kwadratowy salon , gdzie były przetrzymywane. Od początku istnienia Salon Paryski stał się najważniejszym wydarzeniem artystycznym w świecie zachodnim. Początkowo wystawy były otwarte wyłącznie dla osób posiadających pieniądze i władzę. Później jednak inkluzywność Salonu wzrosła.

Salon Paryski i Promocja Sztuki

Król Karol X rozdaje nagrody artystom na zakończenie Salonu 1824, w Wielkim Salonie w Luwrze François-Joseph Heim, 1827, Luwr, Paryż

Paradoksalnie, początkowa ekskluzywność wystaw wzbudziła niespotykane zainteresowanie wydarzeniem. W miarę jak Salon otwierał swoje podwoje dla coraz większej liczby zwiedzających, powoli stał się znanym wydarzeniem. W 1791 roku, kiedy sponsoring Salonu przesunął się z organów królewskich na rządowe, popularność imprezy osiągnęła niespotykany dotąd poziom. Aż 50 000 zwiedzających odwiedziło Salon w jedną niedzielę, a łącznie 500 000 zwiedziłoby wystawę podczas ośmiotygodniowego cyklu. Cztery lata później, w 1795 roku, zgłoszenia do Salonu zostały otwarte dla wszystkich chętnych artystów. Jednak jury Salonu (utworzone w 1748 r.) nadal opowiadało się za motywami konserwatywnymi i bardziej tradycyjnymi; kompozycje religijne i mitologiczne prawie zawsze przebijały innowację.

Dzień otwarcia w Palais des Champs-Élysées (Dzień otwarcia w Champs-Élysées Palace) Jean-André Rixens, 1890, via Northwestern University, Evanston

Choć początki Salonu cedowały oryginalność i kreatywność, jego późniejszy rozwój przyniósł coś innego: powszechną promocję sztuki. Na przykład w 1851 r. w Salonie Paryskim opublikowano łącznie 65 utworów. Jednak w 1860 r. liczba ta wzrosła, osiągając aż 426 sztuk. Ten wzrost pokazuje, że nie tylko Salon stał się popularny, ale być może Salon spopularyzował sztukę. Zarówno mieszczaństwo, jak i szlachta coraz bardziej interesowały się sztuką, a Salon był idealnym miejscem do jej wyczucia i wyczucia. Salon rozpoczął się od pomysłu wystawienia „najlepszych obrazów”, ale stopniowo przekształcił się w teren biznesowy, na którym sprzedawano obrazy i robiono karierę.

Salon często decydował o zarobkach artystów. Na przykład w latach 60. XIX wieku obraz mógł być wart pięć razy więcej, gdyby zdobył nagrodę. Francuski malarz przyrodnik Jules Breton na przykład część swojej sławy zawdzięczał wpływowi Salonu na ceny sprzedaży. Człowiek z obsesją na punkcie malowania francuskiej wsi i romantycznych promieni słonecznych na idyllicznych polach, zdobył medal drugiej kategorii na Salonie w 1857 roku za swoją Błogosławieństwo pszenicy w Artois.

Ten triumf pomógł Bretonowi zbudować swoją reputację i uzyskać zlecenia od francuskiej administracji sztuki i stał się odskocznią do międzynarodowej sławy. W 1886 roku dzieło Bretona Komuniści został sprzedany za drugą najwyższą cenę za obraz żyjącego artysty na aukcji nowojorskiej. Dla Bretona Salon z pewnością był okazją do zrobienia kariery. Chociaż było to normą dla wielu prezentowanych artystów, nie dotyczyło to wszystkich malarzy.

Bunt przeciwko Salonowi

Obiad na trawie (Luncheon on the Grass) Édouarda Maneta, 1863, via Musée d'Orsay, Paryż

Tradycyjne gusta są zazwyczaj dyktowane przez ludzi u władzy, którzy rzadko dążą do innowacji i są zainteresowani zachowaniem status quo. W ten sposób wizjonerzy i niekonwencjonalne umysły są często delegowani na margines sztuki i polityki. Jednak w niektórych przypadkach artyści zamiast połykać gorzką pigułkę odrzucenia, stają się rewolucjonistami i budują opozycję. W latach 30. XIX wieku z Salonu wyrosły już odgałęzienia prezentujące prace tych, którzy z tego czy innego powodu nie dotarli do oficjalnego Salonu Paryskiego. Najbardziej znanym z takich salonów był Salon Odpadów (Salon Odrzuconych) w 1863 r.

Jeden z największych skandali w Salonie Odrzuconych, który ugruntował jego niesławną reputację, związany jest z Edouarda Maneta i jego Obiad na trawie . Został odrzucony przez Jury Salonu Paryskiego i zamiast tego został zawieszony w Salon Odpadów . Obraz Maneta uznano za niewłaściwy nie ze względu na portret nagiej kobiety obok ubranych mężczyzn, ale z powodu wyzywającego spojrzenia kobiety. W jej oczach nie ma wstydu ani spokoju. Zamiast tego wydaje się, że jest zirytowana publicznością za gapienie się na nią.

Olimpia autorstwa Edouarda Maneta , 1863, via Musée d'Orsay, Paryż

W 1863 r. wielu artystów dołączyło do Maneta, oferując swoje prace publiczności za pośrednictwem Salon Odpadów ponieważ byli niezadowoleni ze stronniczego wyboru Salonu Paryskiego. Artystów wspierał nikt inny jak Napoleona III , który pozwolił im wystawić swoją sztukę, a przypadkowym osobom postronnym osądziły ich zamiast Jury Salonu. Malarze rzeczywiście zdobyli publiczność. Abbotta Symfonia w bieli, nr 1 po raz pierwszy zwrócił na siebie uwagę w Salonie Odrzuconych, zanim stał się obrazem uznanym na całym świecie, podobnie jak to, co stało się z obrazem Maneta Obiad na trawie. Salon Odrzuconych utorował więc drogę do uznania sztuki awangardowej i podsycił rosnącą już fascynację impresjonizmem.

Impresjoniści należeli do jednej z wcześniej rozszczepionych grup i w późniejszych latach prowadzili własne wystawy. Co ciekawe, Manet, który sam często zagłębiał się w impresjonizm, zamiast tego nadal wystawiał się na oficjalnym Salonie. Jeden z jego najsłynniejszych obrazów, kontrowersyjny akt Olimpia , trafił na Salon Paryski w 1865 roku. Salon mógł nie pochwalić nowatorskiego podejścia impresjonistów do malarstwa i ich na dworze sposób uchwycenia żywego piękna przyrody, Jury nie mogło powstrzymać powstania takich artystów jak Cezanne , Świstak , oraz Pissarro , które początkowo zostały odrzucone. W rzeczywistości ich reputacja wzrosła po części z powodu złośliwych reakcji krytyków Salonu. W 1874 impresjoniści byli kuratorami i zorganizowali pierwszą wystawę, na której znalazły się prace odrzucone przez Salon.

Zmienianie świata poprzez sztukę

Kobieta w kapeluszu (Kobieta w kapeluszu) Henri Matisse, 1905, via SFMoMA, San Francisco

W 1881 r Francuska Akademia Sztuk Pięknych przestał sponsorować Salon Paryski, a przejęło go Towarzystwo Artystów Francuskich. Tradycyjny Salon szybko zyskał silniejszego i lepiej zorganizowanego konkurenta niż wcześniejsze mniejsze odgałęzienia. W 1884 r Targi Niezależnych ( Salon Niepodległych ) z udziałem tak niekonwencjonalnych wschodzących gwiazd, jak Paula Signaca oraz Georges Seurat . W przeciwieństwie do innych wystaw, ten salon był wolny od jury i nie przyznawał nagród.

Wkrótce biurokratyczny charakter oficjalnego Salonu sprawił, że kolejna grupa artystów stworzyła własne wystawy. Tak zwany Jesienne Targi (Salon Jesienny) odbył się po raz pierwszy w 1903 roku. Zlokalizowany na kultowych Polach Elizejskich, ten wywrotowy salon był prowadzony przez nikogo innego Pierre-Auguste Renoir oraz Auguste Rodin . Tutaj artyści mogli skupić się bardziej na swojej pracy niż na recenzjach krytyków głównego nurtu. Na przykład Henri Matisse zignorował wszelkie reakcje wywołane portretem jego żony w gigantycznym kapeluszu. Odmówił wycofania swojego malarstwa w stylu fowowskim i przyłączenia się do reszty dzieł fowistów w jednym pokoju. Jednak pomimo ich skandalicznego charakteru, te zbuntowane Salony nadal czerpały inspirację z oficjalnego Salonu, próbując naśladować jego początkowo innowacyjnego ducha.

Obiad na łódce autorstwa Pierre-Auguste-Renoira, 1880-81, za pośrednictwem Phillips Collection

Tryby selekcji zastosowane po raz pierwszy na Salonie Paryskim są nadal obecne na współczesnych wystawach: rada doradców lub profesjonalistów zwykle wybiera pracę, która spełnia wymagania tematyczne lub innowacyjne i utrzymuje postrzegany standard jakości. Idea zorganizowanej kuratorstwa wprowadzona przez francuskie elity pod koniec 17tenwiek był rzeczywiście nowatorski jak na tamte czasy.

Salon zaczął promować sztukę i różne szkoły artystyczne, torując drogę do zarabiania pieniędzy i budowania kariery. Salon dawał przede wszystkim szanse tym, którzy zostali zepchnięci na margines. Kobieta jak Paulina Auzou dzięki przyjęciu na Salonie mogła zbudować sobie udaną karierę. W 1806 r. została odznaczona w Salonie medalem I stopnia za obraz Starszy Pickard . Salon pozwolił Auzou zabezpieczyć jej późniejsze kontrakty, w tym jeden na portret Napoleona i jego drugiej żony Marie-Louise. Salon Paryski zmienił świat poprzez sztukę, a gdy się zestarzał, inne przedsiębiorstwa kontynuowały swoją misję.

Spadek paryskiego salonu

Widok na Grand Salon Carré w Luwrze Giuseppe Castiglione, 1861, via Musée du Louvre, Paryż

Salon Paryski nie tylko przyniósł nowych artystów, ale także zmienił podejście do sztuki jako środka wyrazu dostępnego dla publiczności. W Salonie kwitła krytyka sztuki, tworząc przestrzeń, w której ścierały się opinie i toczyły dyskusje. Odzwierciedlał zmiany społeczne, przystosowanie się do nowych okoliczności, kiełkujące odrosty i stając się lustrem trendów artystycznych, które były mile widziane lub odrzucane. To początkowa dostępność Salonu przyczyniła się do kariery wielu malarzy, w tym realisty Gustave Courbet . Później Courbet wskazywał, że Salon miał monopol na sztukę: malarz musiał wystawiać, aby wyrobić sobie markę, a Salon był jedynym miejscem, gdzie można było to zrobić. Z biegiem czasu sytuacja się zmieniła, a wraz z nią los Salonu Paryskiego.

Na początku XX wieku Daniel-Henry Kahnweiler , wpływowy handlarz dziełami sztuki, z którym współpracował Picasso i Braque, otwarcie powiedział swoim artystom, aby nie zawracali sobie głowy pokazywaniem swoich prac w Salonie, ponieważ nie może już ich promować w żaden znaczący sposób. Salon Paryski powoli zanikał. Jednak jego spuścizna żyje nadal, ponieważ jest nadal widoczna w schematach wyboru wielu współczesnych wystaw i wciąż jest wyczuwalna w wielu rozpoznawalnych dziełach sztuki, które są obecnie częścią tej skomplikowanej historii powiązań i promocji sztuki.