4 artystów epoki wiktoriańskiej, którzy tworzyli sztukę dla sztuki

Szczegóły od Płonący czerwiec przez Sir Frederica Leightona, 1895; oraz Sen dnia autorstwa Dantego Gabriela Rossettiego, 1880

Zwrot sztuka dla sztuki może brzmieć prosto, ale te cztery słowa zapoczątkowały zupełnie nowy ruch artystyczny w Londynie epoki wiktoriańskiej. Sztuka dla sztuki powstała jako angielskie tłumaczenie francuskiego hasła sztuka dla sztuki . W latach 60. XIX w. koncepcję spopularyzował: Walter Pater , wpływowy brytyjski krytyk sztuki. Jego praca pomogła położyć podwaliny pod Ruch Estetyczny, który zjednoczył różnorodną grupę awangardowych artystów epoki wiktoriańskiej, rzemieślników i poetów pod hasłem „sztuka dla sztuki”.

Sztuka dla sztuki: tło

Walter Pater słynął z wykorzystywania kwiecistej prozy w swoich esejach z historii sztuki oraz krytycznych recenzjach sztuki i literatury epoki wiktoriańskiej. Jego praca często koncentrowała się na pragnienie piękna, umiłowanie sztuki dla sztuki, i często głosił, że najlepsza sztuka przychodzi do ciebie, wyznając szczerze, że nie dajesz nic poza najwyższą jakością swoim upływającym chwilom i po prostu ze względu na te chwile. Filozofie te bezpośrednio zaprzeczały wielowiekowym tradycjom prestiżowych Królewska Akademia Sztuki i normy społeczne epoki wiktoriańskiej.

Symfonia w bieli nr III autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , 1865-67, via Barber Institute of Fine Arts, Birmingham

W dziewiętnastowiecznej Wielkiej Brytanii kultura głównego nurtu narzucała surową moralność. Sztuka służyła przede wszystkim do wyrażania przesłań etycznych, politycznych, społecznych lub religijnych. Tymczasem Akademia Królewska nadal nauczała hierarchii sztuki, która sprzyjała Klasyczny i wysoki włoski renesans tematy i style. Zbudowany na koncepcji sztuki dla sztuki, Ruch Estetyczny miał na celu obalenie tego wszystkiego, nalegając, aby artyści nie musieli usprawiedliwiać swojej pracy ponad jej wewnętrzną wartość.

To w tym kontekście kulturowym twórcy różnych dyscyplin przyjęli za swoje credo sztukę dla sztuki, w tym m.in Bractwo Prerafaelitów , malarze Ruchu Estetycznego pod przewodnictwem James Abbott McNeill Whistler , projektanci wnętrz Ruch Sztuki i Rzemiosła prowadzone przez William Morris oraz poeci ze Szkoły Cielesnej pod przewodnictwem Algernon Charles Swinburne . Wszyscy wierzyli, że wybrane przez nich medium powinno istnieć poza jakąkolwiek funkcją dydaktyczną lub użytkową. W sferze malarstwa tematyka i narracja nie były już istotne – podejście, które było rewolucyjne jak na tamte czasy – a sztuka dla sztuki zrodziła ekscytujący nowy gatunek sztuki, który obejmował wkład tych czterech wybitnych artystów epoki wiktoriańskiej.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

1. James Abbott McNeill Whistler: Poezja wzroku

Aranżacja w kolorze Szarym i Czarnym nr 1 (Portret Matki Artysty) autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , 1871,przez Musée d'Orsay, Paryż

Whistler był amerykańskim artystą, który stał się jednym z liderów Ruchu Estetycznego. Chociaż nigdy nie wyróżniał się szczególnie w środowisku akademickim, Whistler studiował w Paryżu wraz z Impresjoniści a następnie osiadł w Londynie, gdzie związał się z artystami awangardy epoki wiktoriańskiej. Dzięki tym wpływom Whistler pomógł utorować drogę sztuce dla sztuki, aby naprawdę się przyjęła.

Walter Pater twierdził, że cała sztuka nieustannie dąży do kondycji muzyki. Również Whistlerowi przyciągnęła myśl, że muzyka jest najbardziej wzorcową formą sztuki dla sztuki. Dzieje się tak dlatego, że utwór muzyczny bez tekstu – a więc bez ostatecznej narracji czy tematu – może być doceniony tylko ze względu na jego piękno. Whistler rzeczywiście dążył do osiągnięcia tego efektu w sztuce wizualnej, posuwając się tak daleko, że swoje obrazy nazywał nie od ich tematów, ale terminami muzycznymi, takimi jak Harmonia , Układ , Nokturn , oraz Symfonia . Jeśli chodzi o jego niekonwencjonalny styl nazewnictwa, Whistler wyjaśnił Tak jak muzyka jest poezją dźwięku, tak malarstwo jest poezją wzroku, a temat nie ma nic wspólnego z harmonią dźwięku czy koloru.

Nawet niesławny portret matki Whistlera to przede wszystkim estetyczny układ kolorów i kształtów. Znany jest jedynie potocznie jako Portret Matki Artysty, a jego oficjalny tytuł – Aranżacja w kolorze szarym i czarnym nr 1 — sugeruje, że obraz to nic innego jak estetyczna kompozycja stonowanych barw.

Nocturne: Błękit i złoto — Old Battersea Bridge autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , ca. 1872-75, przez Tate, Londyn

Podobnie, Whistler często malował sceny z mglistej Tamizy nocą w serii, którą nazwał Nokturny . Każdy Nokturn charakteryzuje się wyjątkowo płaską i prostą kompozycją, jednostajną paletą kolorów i szerokimi, półprzezroczystymi pociągnięciami pędzla. Efektem końcowym jest senny efekt wizualny światła i koloru, a nie konwencjonalny pejzaż znanego miejsca. Widzowie z epoki wiktoriańskiej byli zszokowani pozornie niedokończonym wyglądem tych obrazów i nieokreśloną tematyką – tak bardzo, że pozew sądowy wynikło.

2. Albert Moore: Spokojny luksus

Marzyciele autorstwa Alberta Moore .a , 1882, przez Muzeum i Galerię Sztuki w Birmingham, Birmingham

Jako młody artysta Moore był zafascynowany rzeźba antyczna . Spędził godziny studiując i szkicując Marble Elgina , zbiór starożytnych rzeźb greckich z okresu Partenon w British Museum w Londynie. Jego umiejętności akademickie i Styl neoklasyczny przyznał mu przestrzeń wystawienniczą w Królewskiej Akademii Sztuki – ale jego gwałtowna artystyczna niezależność ostatecznie uniemożliwiła mu pełne uczestnictwo u boku bardziej tradycyjnych akademików.

Moore jest znany ze swoich dekadenckich kompozycji postaci kobiecych w różnych stanach spoczynku i relaksu, zazwyczaj pozowanych w wyimaginowanej, bardzo dekoracyjnej, klasycznej scenerii. W przeciwieństwie do sztuki promowanej przez Royal Academy, obrazy Moore'a nie zawierają żadnych historycznych narracji ani dostrzegalnych przesłań. Postacie kobiece nie istnieją jako temat, ale jako jeden z wielu elementów estetycznej kompozycji. Ich tożsamość, a nawet mimika są celowo niejasne, ale kunsztownie oddane ciała, tkaniny, tekstury i harmonijne palety kolorów pokazują talent Moore'a do łączenia mnóstwa dekoracyjnych detali w celu uzyskania luksusowego, a jednocześnie spokojnego efektu.

Granaty autorstwa Alberta Moore .a , ca. 1875, w Guildhall Art Gallery w Londynie, via Art UK

W rzeczywistości większość jego obrazów, takich jak Granaty , noszą nazwy pięknych rzeczy, takich jak kwiaty i owoce, pory dnia i pory roku. Tytuły te nie opisują narracji ani tematyki, ani nawet nie przywołują najważniejszych obiektów na obrazach. Zamiast tego podkreślają ogólny efekt dekoracyjny, jaki zamierza osiągnąć obraz. Podczas gdy każda część obrazów Moore'a reprezentuje rozpoznawalną formę, wszystkie przedmioty i postacie są tak oderwane od wszelkich cech identyfikujących, że istnieją tylko po to, aby ukończyć estetyczną kompozycję, którą cieszy się ze względu na jej piękno – doskonały przykład sztuki dla sztuki.

3. Dante Gabriel Rossetti: Zmysłowe portrety

Sen dnia autorstwa Dantego Gabriela Rossetti , 1880, via Victoria and Albert Museum, Londyn

Malarz i poeta, Rossetti jest pamiętany z bardzo dekoracyjnych portretów kobiet – wiele z nich ma poezję wpisaną w ramy lub zawarte w kompozycji. Rossetti był członkiem-założycielem bractwa prerafaelitów i jako taki był przyciągany do średniowiecznych źródeł inspiracji, które poprzedzały Rafał ,ulubieniec Akademii Królewskiej Stary mistrz Malarz renesansowy. Rossetti był również zainteresowany eksperymentowaniem z tym, co Walter Pater określił jako poezja obrazkowa, lub dzieła sztuki, które uzyskują pełną ekspresję poprzez rysunek i kolor, zamiast opowiadać historię.

Rossetti nie często wystawiał publicznie swoje prace za życia, ale jego reputacja rosła, gdy goście jego studia rozgłaszali wieści o jego śmiałych innowacjach. Był również znany z przebywania w towarzystwie różnych kobiecych muz. Rossetti szczególnie przyciągały kobiety, które miały mocne, kanciaste rysy, obszerne fryzury i uwodzicielską prezencję – w przeciwieństwie do Epoka wiktoriańska ideał delikatnej i pruderyjnej kobiecości.

pocałowane usta autorstwa Dantego Gabriela Rossetti , 1859, przez Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

pocałowane usta był pierwszym z charakterystycznych portretów jednopostaciowych Rossettiego. Zainspirowany włoskim przysłowiem o tej samej nazwie, którego fragment znajduje się na odwrocie płótna, pocałowane usta przedstawia muzę, modelkę, a czasem kochankę Rossettiego, Fanny Cornforth . Na tym obrazie Cornforth i jej otoczenie łączą się, tworząc efekt estetyczny – jej uderzające pomarańczowe włosy, aksamitna zielona odzież i złote dodatki łączą się z kwiatowym układem w tle i ozdobną tkaniną na pierwszym planie, które są nienaturalnie spłaszczone. aby jeszcze bardziej podkreślić znaczenie kompozycji jako całości. Nie ma rozpoznawalnego miejsca, historii, osoby ani okresu w pocałowane usta — to po prostu obiekt piękna.

4. Frederic Leighton: Klasycyzm epoki wiktoriańskiej

Matka i dziecko (wiśnie) przez Frederica Leightona , 1865, przez Muzeum Blackburn i Galerię Sztuki

Leighton odniósł komercyjny sukces za życia ze względu na jego klasycznie inspirowany i akademicko wyszkolony styl. Studiował malarstwo i rzeźbę we Florencji i Paryżu, a następnie osiadł w Londynie, gdzie związał się z różnymi artystami epoki wiktoriańskiej i zaprojektował bogata rezydencja dla niego. W przeciwieństwie do innych artystów Ruchu Estetycznego, którzy trzymali się obrzeży londyńskiej sceny artystycznej, Leighton został pełnoprawnym członkiem Królewskiej Akademii Sztuki, a nawet pełnił funkcję jej prezesa. Tam był w stanie promować koncepcję sztuki dla sztuki w ramach establishmentu.

Płonący czerwiec przez Sir Frederica Leightona , 1895, w Ponce Art Museum, za pośrednictwem Google Arts & Culture

Uważany za najwspanialszy obraz w karierze Leightona, znamienity Płonący czerwiec została ponownie odkryta w latach 60. XX wieku po zniknięciu z widoku publicznego po śmierci artysty. Podczas gdy Płonący czerwiec pokazuje akademickie wykształcenie Leightona w dziedzinie anatomii człowieka, subtelnie nagina zasady reprezentacji, aby wykorzystać postać kobiety i resztę sceny jako narzędzia dekoracyjne, a nie przekonujące iluzje. Monumentalność kobiecej sylwetki podkreśla wydłużenie nóg do przepełnienia mebli oraz wyolbrzymienie ognistej barwy i dynamicznego ruchu jej draperii, niemal nie do odróżnienia od jej rozczochranych włosów.

Jak spokojne kobiety Alberta Moore'a, Płonący czerwiec Odpoczynek czyni ją bierną, a może nawet nieożywioną częścią podobnej do snu dekoracyjnej sceny – chociaż, gdyby spróbowała jej w prawdziwym życiu, jej poza prawdopodobnie nie byłaby uspokajająca. Chociaż Leighton byłby w stanie idealnie namalować postać ludzką oddalającą się w trójwymiarowej przestrzeni, Płonący czerwiec pokazuje, w jaki sposób jego zainteresowanie sztuką dla sztuki może zainspirować rozumienie klasycyzmu nie jako techniki akademickiej czy historycznego odniesienia, ale jako plastycznej estetyki.

Dziedzictwo sztuki ze względu na sztukę

Według Jamesa Whistlera sztuka powinna być niezależna od wszelkich frazesów – powinna być samodzielna i odwoływać się do artystycznego zmysłu oka lub ucha. Praktykując wspólną wiarę w sztukę dla sztuki — i odważając się wyjść poza ramy tradycyjnej sztuki dydaktycznej — ci czterej malarze epoki wiktoriańskiej pomogli przygotować grunt pod XX-wieczni moderniści by jeszcze bardziej przesunąć granice sztuki na nadchodzące dziesięciolecia.