Max Klinger: symbolista w sztuce i życiu

Twórczość urodzonego w Lipsku artysty Maxa Klingera odgrywa wiodącą i wyjątkową rolę w niemieckim symbolizmie i rozwoju sztuki XX wieku. Zanim Klinger stał się znaczącym artystą na europejskiej scenie artystycznej, działał głównie jako rysownik i grafik. Tematyka jego prac odnosi się do świadomości końca XIX wieku subtelności umysłu i jego stanów onirycznych, fantazji i często chorobliwych wyobrażeń. Przed I wojną światową Klinger był jednym z najbardziej radykalnych artystów, ale wraz z rozwojem sztuki nowoczesnej w Niemczech jego znaczenie zniknęło. Zapamiętany jako najbardziej płodny i kreatywny grafik XIX wieku, jego sztuka antycypowała dzieła francuskich surrealistów i psychoanalizę Freuda.

Wczesne życie i edukacja Maxa Klingera

Maks Klinger urodził się w Lipsku 18 lutego 1857 roku w zamożnej rodzinie i już w młodym wieku rozpoczął naukę rysunku. W 1874 rozpoczął studia w Szkole Sztuk Pięknych Wielkiego Księcia Badenii w Karlsruhe, a rok później przeniósł się do Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w Berlinie.

W Akademii Klinger studiował w klasie socrealistycznego malarza Karla Gussowa. Podczas pobytu w Akademii w Berlinie zapoznał się z twórczością m.in Adolfa Menzela , który stał się jedną z jego wczesnych inspiracji. Klinger ukończył studia w Berlinie w 1877 roku jako wybitny student i kontynuował naukę w 1879 roku w Brukseli jako uczeń Emila Charlesa Wautersa.

Podczas studiów zaczął eksperymentować z grafiką, tworząc rysunki, które później reinterpretował jako akwaforty. Po ukończeniu studiów zaczął tworzyć rysunki z życia i natury, z których wiele było związanych z jego rosnącym zainteresowaniem teoria ewolucji Karola Darwina . Jako młody artysta Max Klinger wykazał się wybitnym kunsztem technicznym połączonym z bardzo indywidualną wyobraźnią.

Uznanie publiczne

Publiczne uznanie Maxa Klingera przyniosło debiut w 1878 roku na 52. Wystawie Akademii w Berlinie. Jego seria rysunków piórkiem i tuszem, Parafraza o znalezieniu rękawicy, wywołała wybuch oburzenia, ale mimo to pokazała oryginalność młodego artysty i tendencje symbolistyczne.

Trzy lata później, w 1881 roku, Klinger zbliżał się do bycia niezależnym artystą, otwierając swoją pracownię w Berlinie i zostając przyjętym na członka Berlińskiego Stowarzyszenia Artystów. W 1883 Klinger otrzymał swoją pierwszą dużą prowizję. XIX-wieczny przemysłowiec Julius Albers zatrudnił go do dekoracji przedsionka swojej willi.

W następnych dziesięcioleciach Max Klinger odnosił coraz większe sukcesy, stając się członkiem Akademii Monachijskiej. Drezdeńska Galeria Malarstwa stała się pierwszym muzeum, które kupiło jeden z jego obrazów ( Pieta ) i został mianowany profesorem Królewskiej Akademii Sztuk Graficznych w Lipsku.

Równolegle do tych tradycyjnych i prestiżowych stanowisk w świecie sztuki, Klinger został członkiem nowo powstałej Wiedeńska Secesja . Wskazuje to, że Klinger odegrał kluczową rolę we wprowadzeniu sztuki nowoczesnej do Niemiec. Propagował dialog artystyczny i wspierał młodych twórców, zakładając m.in Wioska rzymska oraz Stowarzyszenie Dorocznych Wystaw Lipskich. Kupił willę we Florencji, do której zapraszał wybitnie uzdolnionych artystów, aby nawet przez rok mieszkali za darmo i poznawali sztukę średniowiecza i renesansu.

Różne wpływy na sztukę Klingera

W 1883 roku Max Klinger przeniósł się do Paryża. Po nabyciu pracowni w mieście, pogrążył się w twórczości m.in Franciszek Goja , Honore Daumier , a Puvis de Chavannes wystawiony w Luwrze. Klinger mieszkał w Paryżu przez większość okresu między 1883 a 1887 rokiem, za namową francuskiego krytyka sztuki Julesa Laforgue'a . Laforgue widział Klingera Rękawiczka podczas swojej pierwszej wystawy w Berlinie w 1878 roku i przez następne lata promował swoje grafiki wśród paryskiej publiczności.

Chociaż późniejsza społecznie krytyczna praca Klingera była zawdzięczana jego wczesnemu zainteresowaniu literaturą francuską, artysta szybko rozczarował się francuską stolicą.

Po powrocie do Berlina w 1887 roku Klinger poznał jedną z paradygmatycznych postaci niemieckiego symbolizmu, Arnolda Böcklina . Ich przyjaźń okazała się korzystna dla obu artystów. Klinger przejął sposób wypowiedzi i narracji Böcklina w kolejnych seriach drukowanych. W zamian Max Klinger spopularyzował obrazy Böcklina, masowo produkując je jako akwaforty.

W ciągu następnych kilku lat badał kwestie społeczne, które charakteryzowały życie we współczesnym Berlinie. Dziś Klinger jest uważany za pierwszego niemieckiego artystę wizualnego, do którego się zwrócił Problem prostytucji w mieście . Sztuka Klingera uwydatniała hipokryzję mieszczańskiej moralności i niesprawiedliwości, które często spotykały kobiety w mieście. Poprzez piętnaście akwafort Życie , wydanej w 1884 roku, śledzimy tragiczne losy młodej kobiety z klasy średniej, zmuszonej do prostytucji po zapłodnieniu i porzuceniu przez kochanka. W ówczesnym nastrojach oznaczało to wykluczenie społeczne kobiet.

W Berlinie Klinger spędzał też czas studiując ryciny w Muzeum im Kupferstichkabinett , muzeum poświęcone grafice. Wcześnie też studiował i był pod wpływem sztuki japońskiej, która w tym czasie była znacznie mniej popularna w Niemczech niż we Francji.

Max Klinger i grafika

Najbardziej płodny sposób wyrażania się Max Klinger był grafikiem . W latach 1879-1910 opublikował nie mniej niż czternaście serii drukowanych. W eseju „Malerei und Zeichnung” (Malarstwo i rysunek), opublikowanym w 1891 r., Klinger przedstawił swoje idee, zgodnie z którymi malarstwo powinno odzwierciedlać piękno widzialnego świata, a ryciny miały za zadanie ukazywać „ciemną stronę życia”. Według niego powinny one wyrażać najgłębsze przekonania artysty, a nawet wywoływać „skojarzenia” w umyśle widza, jak poezja czy muzyka. Esej Klingera otworzył nową i znaczącą rolę dla grafiki jako oryginalnego i eksperymentalnego medium.

Jego najwcześniejszy cykl rycin to Wytrawione szkice, opus I z 1879 r. Zapożyczenie terminu „opus” z muzyki odzwierciedlało zamiłowanie Klingera do tego medium. Na stronie tytułowej teki przedstawienie podzielone jest na dwie części. Na górze, w oświetlonej księżycem przestrzeni, elf grający na tamburynie balansuje na trzcinie wyrastającej z ciemnego rozlewiska poniżej, gdzie gad dość głupim wzrokiem obserwuje powietrzny spektakl. Obraz odzwierciedla pogląd Klingera na związek między twórczością artysty a filisterstwem jego odbiorców.

Najważniejszym osiągnięciem Klingera w grafice jest dwuczęściowy cykl O śmierci , opublikowane w 1889 i 1898. W cyklu zajmuje się zjawiskiem śmierci najpierw z mikrokosmicznego, a następnie z bardziej wszechstronnego, makrokosmicznego punktu widzenia.

Symbolizm i wizje senne

Sztuka Maxa Klingera została uznana przez historyków sztuki za fundamentalną dla zrozumienia Sztuka symboliczna w Niemczech. Malowanie Niebieska godzina pokazuje symbolistyczne traktowanie światła i koloru, w którym obrazy wydają się wymykać normalnej, codziennej percepcji. Zredukowana paleta barw nadaje obrazowi określony nastrój lub atmosferę. W symbolistycznym języku wizualnym kolor niebieski stał się symbolem samotności, melancholii lub niejasnej tęsknoty. Wszechobecna chłodna atmosfera wraz z rozgrzewającym ogniem, który rzuca migoczące światło na ciała kobiet, wywołuje uczucie namiętności.

Z jego najwcześniejszych dzieł, jak wynika z Parafraza o znalezieniu rękawicy , sztuka Klingera przenosi wyobraźnię widza ze swoistości w świat nieokreśloności. W całym serialu widz jest przenoszony od codziennych wydarzeń do serii marzeń-życzeń i koszmarów.

Widziane w tym świetle, seria drukowana Klingera poprzedza, ale jest powiązana z pracami Zygmunta Freuda i jego Interpretacja snów , opublikowane w 1900 roku. Pisma Freuda ostatecznie skodyfikowały to, co Klinger, a bardziej ogólnie prace symbolistyczne, wizualizowały przez dziesięciolecia. Psychoanalityk pisze: „Przy wielorakim znaczeniu symboli sny łączą skłonność do dopuszczania się nadinterpretacji, przedstawiania w jednej treści różnorodnych i często z natury bardzo rozbieżnych formacji myślowych i życzeniowych impulsów”.

Eksperymenty artystyczne i rzeźba

Klinger przez całe życie był artystą wszechstronnym, biegły w literaturze, rzeźbie, malarstwie, grafice i muzyce. Zamierzał stworzyć Totalne dzieło sztuki (tłumaczenie: Totalne dzieło sztuki), które w dużej mierze wpłynęło na jego estetyczne zaabsorbowanie. Wiele późniejszych prac Klingera dotyczyło rzeźby. Eksperymentując z materiałami i kolorami, stworzył polichromowane akty o wyraźnie upiornej jakości oraz posągi wykonane z różnych materiałów, przypominające greckie rzeźby chryzelefantynowe.

Naturalnej wielkości, multimedialna rzeźba Niemiecki kompozytor romantyczny Ludwig van Beethoven połączone elementy akademickie i symbolistyczne. Używając maski pośmiertnej kompozytora, Klinger osiągnął duży stopień realizmu w marmurze. Tron z brązu i kontrastujące tkaniny sprawiają, że postać wydaje się bardziej realistyczna. Dzieło przywołuje również antyczny posąg półnagiego Zeusa siedzącego na tronie, autorstwa ks Fidiasz w V wieku pne . Wielu uważało Beethovena za geniusza. W XIX wieku oznaczało to, że posiadał wyjątkowe zdolności twórcze, równoległe do boskiej mocy. Ta twórcza moc wymagała wyobraźni, cechy, która odróżnia ludzi od zwierząt. Posąg Klingera Beethovena jest hołdem i prywatną ofiarą (sfinansowaną przez artystę) temu muzycznemu „bogu”, przypominającemu dary składane bóstwom ukazywanym w starożytnych społeczeństwach.

Śmierć i dziedzictwo Maxa Klingera

Max Klinger zmarł 5 lipca 1920 roku w wieku 63 lat w Grossjenie, niedaleko niemieckiego miasta Naumburg. Dziś jest pamiętany głównie ze stylistycznej mieszanki secesja oraz symbolizm, poprzez który wyrażał oniryczne, makabryczne i groteskowe wizje.

Jeszcze przed śmiercią Klinger wywarł silny wpływ na młodych grafików w Niemczech, m.in Kathe Kollwitz . Dzięki niemu ci młodzi artyści postrzegali cykl graficzny jako potężny nowy środek ekspresji narracyjnej i formalnych eksperymentów.

Mimo niezwykłego doboru tematów, twórczość Klingera odsłania przed nami wizję XIX-wiecznego współczesnego życia. Jego połączenie mrocznych motywów i stylistycznych aspektów druku zostało przejęte przez XX-wiecznych surrealistów, którzy podziwiali jego eksplorację niesamowitości. Później niemieccy ekspresjoniści wskrzesili i rozwinęli cykl graficzny jako część swojego germańskiego dziedzictwa i uznali sztukę Klingera za integralną część ich narodowej tradycji.