10 prac, które zdefiniowały sztukę Ellen Thesleff

Zapomniana na wolności w XXI wieku, Ellen Thesleff miała karierę, która obejmuje ostatnie dziesięciolecia XIX wieku, aż do połowy XX wieku. Od miejsca urodzenia, Helsinek, po Paryż i Florencję, Ellen Thesleff wchodziła w interakcje z wieloma współczesnymi ruchami, tworząc unikalne dzieła sztuki. Jej twórczość określają wielkie ruchy przełomu XIX i XX wieku, symbolizm i ekspresjonizm. Odrywając się od dogmatu sztuki akademickiej, swobodnie eksperymentuje z różnymi formami i technikami. Biorąc pod uwagę użycie koloru, sztuka Ellen Thesleff waha się od prawie w pełni monochromatycznych po żywe i jasne prace z późnej kariery.

1. Początek Ellen Thesleff Z t: Echo

Echo Ellen Thesleff , 1891, przez Clark Institute of Art, Williamstown

Ellen Thesleff zadebiutowała i spotkała się z uznaniem krytyków obrazem Echo w 1891 roku. Ellen namalowała go latem i został przyjęty na wystawę Fińskiego Stowarzyszenia Artystów. Spektakl odniósł ogromny sukces i był jej przełomem jako artystki i przyniósł jej uznanie, że zarówno ona, jak i jej rodzina potrzebowali. Pokazuje młodą kobietę wołającą rano lub wieczorem. Celowo utrzymując prostą tonację koszuli, Thesleff postanawia podkreślić i skierować nasze oczy w stronę głowy, otoczonej miękkim, ciepłym światłem. Tło również pozostaje nieznane, z prostymi drzewami, które podkreślają znaczenie samego połączenia.

2. Przesunięcie do wewnątrz: Thyra Elisabeth

Thyra Elisabeth Ellen Thesleff , 1892, przez Fińską Galerię Narodową, Helsinki

Po przeprowadzce do Paryż w 1891 roku sztuka Ellen Thesleff zetknęła się z dominującym w stolicy Francji ruchem symbolizmu. Thyra Elisabeth jest typowym Malarstwo symbolistyczne na podstawie fotografii młodszej siostry Ellen wykonanej w 1892 roku. Postać kobieca, popularna w obrazach symbolistycznych, jest zazwyczaj interpretowana za pomocą archetypów, takich jak anioł, Madonna i femme fatale.

W portrecie swojej siostry Thesleff tworzy dialog między sacrum a profanum, niewinnością a zmysłowością. W przeciwieństwie do rozerotyzowanych interpretacji kobiecej sylwetki, przyjemność Thyry wynika pośrednio z jej wyrazu twarzy, włosów i lewej ręki trzymającej biały kwiat – ironiczny znak niewinności. Tło zostało pomalowane złocistożółtym odcieniem, który tworzy wokół jej głowy ledwo wyczuwalną aureolę.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Ten rozmarzony wygląd kobiety przywodzi na myśl Zamknięte oczy Odilona Redona . W sztuce symbolistycznej motyw zamkniętych oczu wskazuje na troskę o sferę, której nie można dostrzec fizycznym wzrokiem. Namalowany i wystawiony na Fińskim Salonie Jesiennym w 1892 roku obraz ten sygnalizował zwrot w kierunku przedstawiania rzeczywistości wewnętrznej w jej pracach.

3. Wizja wnętrza: Autoportret

Autoportret Ellen Thesleff , 1894-1895, przez Fińską Galerię Narodową, Helsinki

Sztuka i filozofia Ellen Thesleff nie mogą być w pełni zrealizowane bez wzmianki o niej Autoportret , dzieło, które zostało wysoko ocenione już w latach 90. XIX wieku i jest postrzegane jako arcydzieło sztuki fińskiej. Wykonane ołówkiem i atramentem w sepii, Thesleff's Autoportret uosabia postawę wewnętrzności i pragnienie zanurzenia się w samym jądrze własnego istnienia.

To kameralne dzieło o intymnym charakterze, przedstawia bladą twarz wyłaniającą się z mroku tła. Oczy są otwarte i skierowane na widza, ale nie sposób spotkać ich spojrzenia. Obraz samego siebie Thesleffa przedstawia podmiot w widoku z przodu, często uważanym za najbardziej komunikatywny sposób reprezentacji. W ten sposób podmiot angażuje widza w wymianę.

W przeciwieństwie do zwykłych portretów frontalnych, autoportret Thesleffa, zamiast być obrazem komunikatywnym, wydaje się zwracać do wewnątrz. Nie jest jednak całkowicie zamknięta. Ma cechę autorefleksyjną, która nawiązuje do procesu twórczego. To proces samopoznania. Artystka spojrzała w lustro, by zobaczyć siebie, ale zamiast zatrzymać się na powierzchownym wyglądzie, wniknęła głęboko w sferę podmiotowości.

4. Życie na wsi: Krajobraz

Krajobraz Ellen Thesleff , 1910, przez Fińską Galerię Narodową, Helsinki

Sztuka Ellen Thesleff jest wypełniona scenami z życia na wsi i chłopskim życiem w Finlandii. Lata spędzone we wsi Murole dało jej wiele możliwości wędrowania po lasach, polach i łąkach. Odziedziczyła Impresjonistyczna chęć znalezienia inspiracji w kontakcie z naturą . Thesleff często wyciągała łódź wiosłową i płynęła na Kissasaari, małą wyspę na środku jeziora, gdzie pracowała na świeżym powietrzu .

Intensywne traktowanie światłem jest dalekie od światła północnej Europy i bardziej przypomina śródziemnomorskie słońce. Ten Krajobraz jest jedną z prac w sztuce Ellen Thesleff, która pokazuje ruch w kierunku więcej ekspresjonistyczny użycie koloru. W Finlandii zachwyciła się odważnym, awangardowym stylem malowania. Fińscy krytycy sztuki kojarzyli je z wpływami kontynentalnymi. We Francji jej sztukę porównywano do Matisse’a i Gaugin , podczas gdy Niemcy zauważyli podobieństwo z Kandinski i otaczający go krąg artystów.

5. Florencja, nowy model i poezja

Czerwony Ellen Thesleff , 1910-1919, przez Fińską Galerię Narodową, Helsinki

Thesleff pozostaje w Florencja od początku XX wieku zbiegł się ze świeżym stylistycznym odejściem od symbolizmu. Jej malarstwo pokazuje użycie żywego koloru, grubych warstw farby i mocnego traktowania formy. We Florencji Ellen doświadczyła z pierwszej ręki sztuki mistrzów wczesnego renesansu, takich jak Botticellego i Fra Angelico. Sztuka dawnych mistrzów zainspirowała ją do eksperymentowania z delikatniejszymi odcieniami bladego różu i szarości.

Na początku lat 1910 Thesleff znalazła we Florencji nową ulubioną modelkę, rudowłosą Natalinę, która stała się przedmiotem jej licznych szkiców, drzeworytów i co najmniej jednego obrazu. Czerwony daleko mu jednak do zwykłego portretu. Natalina umożliwiła Thesleff spojrzenie w lustro własnej tożsamości artystycznej i filozofii twórczej. W liście do swojej siostry Thyry Ellen opisuje swój nowy model:

Kasztanowowłosa Natalina siedzi w kałuży słońca – ma łabędzia szyję i spuszczone oczy – maluję na kartonie i niezmiernie mnie zaintrygowała, ale jest wolna tylko w niedziele.
(16 grudnia 1912)

6. Ruch i witalizm w sztuce Ellen Thesleff: Forte dei Marmi

Gra w piłkę (Forte dei Marmi) Ellen Thesleff , 1909, przez Fińską Galerię Narodową w Helsinkach

Kolejnym ważnym aspektem twórczości Ellen Thesleff jest witalizm i ruch. Podczas swoich pobytów we Włoszech często odwiedzała uzdrowiskową miejscowość Forte dei Marmi pod Florencją. Obrazy z tego małego miasteczka przedstawiają ludzi podczas zabawy. W nich Ellen bada postacie w ruchu, uważnie obserwując ich interakcje z otoczeniem. Skupiła się na cielesnym kontraście.

Za każdym razem, gdy ciało porusza się szybko w jedną stronę, następuje sekwencja ruchów przeciwnych, aby odzyskać równowagę. Te kontr-ruchy są związane z kontraposto, klasyczną pozą starożytnych rzeźby greckie i znalazłem ponownie w sztuka renesansu . Thesleff stosuje tę samą zasadę, aby przekazać dynamiczne napięcie, gdy postać nabiera rozpędu, by chodzić lub biegać. Ten harmonijny rytm ludzkiej postaci jest kluczowym elementem obrazu Gra w piłkę (Forte dei Marmi) , wykonany w 1909 r., a także inne obrazy powstałe w tym uzdrowisku.

7. Gordon Craig i drzeworyty: Puzon Anioł

Puzon Anioł Ellen Thesleff , 1926, za pośrednictwem Fundacji Sztuk Pięknych Gösta Serlachius, Mantta

Przyjaźń z angielskim modernistą i reformatorem teatralnym Gordon Craig wywarł znaczny wpływ na twórczość Ellen Thesleff. Craig zainspirował ją do wykonania niewielkich, czarno-białych drzeworytów, a później rozwinięcia barwnej, malarskiej techniki drzeworytniczej, która stała się jedną z kluczowych form ekspresji w jej karierze. Niektóre z jej drzeworytów są niezwykle malarskie, a jej drzeworyty i ksylografie można postrzegać jako wariacje na dany temat, wszystkie na różne sposoby zabarwione.

Znaczenie drzeworytów dla Thesleffa przekłada się na obrazy takie jak Port w Helsinkach . Cienkie, pionowe, połamane pociągnięcia pędzla wyglądają, jakby zostały wyrzeźbione w drewnianym bloku, wypełnione atramentem i wydrukowane jak grafika. W 1926 roku Ellen wykonała to niezwykłe dzieło sztuki przedstawiające przypuszczalnie anioła opisanego w Księdze Objawień. Drzeworyt ten oparty jest na swobodnym szkicu na okleinie brzozowej, która została później pocięta nożem. Takie kolorowe drzeworyty wyróżniały Thesleffa wśród fińskich artystów, którzy wykonywali głównie monochromatyczne grafiki.

8. Muzyka w sztuce Ellen Thesleff: Walc Chopina

Walc Chopina Ellen Thesleff , lata 30., przez Fińską Galerię Narodową, Helsinki

Muzyka odegrała ogromną rolę w życiu Thesleffa. Wszystkie dzieci w domu Thesleffów grały na instrumentach muzycznych. Ellen grała na gitarze i lubiła śpiewać, faworyzując muzykę Beethovena, Wagner , Chopin, Mozart, Mendelssohn, Schubert i fińskie pieśni ludowe. Oczywiście miłość do muzyki znalazła drogę do sztuki Ellen Thesleff. Thesleff wyprodukowała swoje pierwsze wersje Walc Chopina jako drzeworyty w latach 30. XX wieku.

Zgrabnie poruszający się w rytm muzyki Chopina nieważki wygląd szczupłej dziewczyny był inspirowany nowoczesnym stylem tanecznym zapoczątkowanym przez Isadora Duncan . Thesleff znał twórczość Duncana i widział ją wielokrotnie występującą w Monachium i Paryżu. Wpływ Isadory Duncan na sztukę Ellen Thesleff prawdopodobnie miał również Gordon Craig, były partner tancerki. W sztuce symbolistycznej, której wpływ ujawnia się w niektórych późniejszych pracach Ellen, taniec reprezentuje szczególną formę ekspresji, w której tancerz jest pobudzany poczuciem transcendencji.

9. Człowiek promu: Kombajny w łodzi

Kombajny w łodzi II Ellen Thesleff , 1924, za pośrednictwem Fundacji Sztuk Pięknych Gösta Serlachius, Mantta

W całej sztuce Ellen Thesleff możemy znaleźć przewoźnika jako powracający temat. Postać ta pojawia się zazwyczaj w scenach przedstawiających rolników wracających do domu łodzią. Ten motyw zwykle kojarzy się ze śmiercią i stratą. W kulturze starożytnej Grecji, a później sztuki europejskiej, wioślarz uosabia śmierć. W mitologii greckiej Charon jest przewoźnikiem, który przewozi dusze niedawno zmarłych przez rzekę w zaświaty . Mitologii fińskiej znany jest motyw Rzeki Śmierci, w którym przewoźnik podobnie przenosi dusze do świata zmarłych. W Kombajny w łodzi II od 1924 roku widzimy typową scenę z życia fińskich żniwiarzy, przesyconą antycznym motywem, który czyni ją uniwersalną.

10. Wchodzenie w abstrakcję: Ikar

Ikar Ellen Thesleff , 1940-1949, przez Fińską Galerię Narodową, Helsinki

Choć po siedemdziesiątce Ellen nadal była aktywna twórczo i zajmowała ważne miejsce w fińskich kręgach artystycznych. W późniejszych latach sztuka Ellen Thesleff przedstawia radykalnie nowy, nieprzedstawiający styl, niemal czysto abstrakcyjny. Thesleff znał sztukę abstrakcyjną od jej początków. W pierwszej dekadzie XX wieku zetknęła się z twórczością Wasilija Kandinskiego. Jego prace zwróciły jej uwagę na malarstwo kolorowe. Ekspresyjna siła koloru była więcej niż wystarczająca, aby przenieść emocje i znaczenie dzieła i przenieść je na widza.

Motywy starożytnej mitologii greckiej pozostały przez całe jej życie jako okazja do eksperymentowania z różnymi technikami i formami. W tym procesie Thesleff stworzył unikalne reprezentacje starożytnych tematów sztuki europejskiej. Na tym obrazie znany już temat, Ikar , młodzieniec, który w swojej arogancji poleciał zbyt blisko słońca, ustępuje miejsca swoim eksperymentom z kolorem.