James Abbott McNeill Whistler: Lider ruchu estetycznego (12 faktów)

Nokturn (z Wenecja: dwanaście akwafort serii) Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , 1879-80, via Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork (po lewej); Aranżacja w kolorze szarym: Portret malarza autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , c. 1872, Instytut Sztuki w Detroit, MI (w środku); Nokturn: niebieski i srebrny — Chelsea autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , 1871, przez Tate Britain, Londyn, UK (po prawej)

James Abbott McNeill Whistler wyrobił sobie w dziewiętnastowiecznej Europie śmiałe podejście do sztuki, które było tak samo fascynujące – i kontrowersyjne – jak jego osobowość publiczna. Od niekonwencjonalnych nazw obrazów po niezamówione renowacje domów, oto dwanaście fascynujących faktów na temat amerykańskiego artysty, który wstrząsnął światem sztuki w Londynie i był pionierem ruchu estetycznego.

1. James Abbott McNeill Whistler nigdy nie wrócił do Stanów

Portret Whistlera w kapeluszu przez Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera, 1858, via Freer Gallery of Art, Waszyngton, DC

Urodzony przez amerykańskich rodziców w Massachusetts w 1834 roku James Abbott McNeill Whistler spędził wczesne dzieciństwo w Nowej Anglii. Jednak gdy miał jedenaście lat, rodzina Whistlera przeniosła się do Petersburga w Rosji, gdzie młody artysta zapisał się do Cesarskiej Akademii Sztuk, podczas gdy jego ojciec pracował jako inżynier.

Za namową matki wrócił później do Ameryki, aby uczęszczać do szkoły ministerstwa, ale to było krótkotrwałe, ponieważ bardziej interesowało go szkicowanie w swoich notatnikach niż poznawanie kościoła. Następnie, po krótkim pobycie w Akademii Wojskowej USA, Whistler pracował jako kartograf, dopóki nie zdecydował się na karierę artysty. Następnie spędził czas w Paryżu i zamieszkał w Londynie.

Pomimo tego, że po młodości nigdy nie wrócił do Stanów, James Abbott McNeill Whistler jest czczony w amerykańskim kanonie historii sztuki. W rzeczywistości wiele jego prac jest obecnie przechowywanych w amerykańskich kolekcjach, w tym Instytut Sztuki w Detroit i Instytut Smithsona , a jego obrazy pojawiły się na Znaczki pocztowe w USA .

2. Whistler studiował i nauczał w Paryżu

Kaprys w purpurze i złocie: złoty ekran autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistle r, 1864, via Freer Gallery of Art, Waszyngton, DC

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Jak wielu młodych artystów swoich czasów, Whistler wynajął studio w Dzielnicy Łacińskiej w Paryżu i zaprzyjaźnił się z artystami, takimi jak Gustav Courbet , Éduoard Manet , oraz Camille Pissarro . Uczestniczył także w 1863 Salon Odpadów , wystawa dla artystów awangardowych, których prace zostały odrzucone przez oficjalny Salon.

Chociaż James Abbott McNeill Whistler początkowo zamierzał zdobyć poważną edukację artystyczną w Paryżu, nie przetrwał długo w tradycyjnym środowisku akademickim. Zamiast tego, po powrocie do Londynu, Whistler przyniósł radykalne pomysły dotyczące nowoczesnego malarstwa, które zgorszyły akademików. Pomógł rozprzestrzeniać ruchy, takie jak Impresjonizm , który eksperymentował z wrażeniami światła i koloru, oraz Japonizm , który spopularyzował estetyczne elementy sztuki i kultury japońskiej.

Pod koniec swojej kariery Whistler założył w Paryżu własną szkołę artystyczną. Akademia Carmen zamknięto zaledwie dwa lata po otwarciu, ale wielu młodych artystów, w większości amerykańskich emigrantów, skorzystało z ekscentrycznego mentoringu Whistlera.

3. Ruch estetyczny narodził się dzięki wpływowi Whistlera

Symfonia w bieli nr 1: Biała dziewczyna autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , 1861-62, przez National Gallery of Art, Waszyngton, DC

W przeciwieństwie do długo utrzymywanych tradycji podtrzymywanych przez prestiżowe europejskie instytucje akademickie, Ruch Estetyczny miał na celu obalenie idei, że sztuka musi moralizować, a nawet opowiadać historię. Whistler był jednym z czołowych artystów tego nowego ruchu w Londynie, a poprzez swoje obrazy i serię popularnych wykłady publiczne przyczynił się do spopularyzowania koncepcji Sztuka dla sztuki. Artyści, którzy przyjęli to motto, podnieśli w swoich pracach wartości estetyczne, takie jak malowanie pędzlem i kolorem, ponad wszelkie głębsze znaczenie, takie jak dogmat religijny czy nawet prosta narracja – nowatorskie podejście do sztuki w XIX wieku.

Ruch Estetyczny , oraz ogromny wkład artystyczny i filozoficzny Whistlera, urzekły artystów, rzemieślników i poetów awangardy i pomogły utorować drogę różnym ruchom przełomu wieków w Europie i Ameryce, takim jak Art Nouveau .

4. Portret matki Whistlera nie jest taki, na jaki wygląda

Aranżacja w kolorze Szarym i Czarnym nr 1 (Portret Matki Artysty) przez Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera, 1871,przez Musee d'Orsay, Paryż, Francja

Whistler jest najczęściej wspominany przez portret swojej matki, który nazwał Aranżacja w kolorze szarym i czarnym nr 1 . Słynny obraz powstał właściwie przypadkiem. Kiedy jeden z modelek Whistlera nigdy nie pojawił się na posiedzeniu, Whistler poprosił matkę o zastąpienie. Whistler był znany z tego, że męczył swoich modeli perfekcjonistycznym, a przez to żmudnym podejściem do portretowania. Pozycja siedząca została przyjęta, aby matka Whistlera mogła wytrzymać dziesiątki wymaganych od niej sesji modelowania.

Po ukończeniu obraz zgorszył widzów epoki wiktoriańskiej, przyzwyczajonych do jawnie kobiecych, dekoracyjnych i moralistycznych przedstawień macierzyństwa i domu. Dzięki surowej kompozycji i bezsensownemu nastrojowi, Aranżacja w kolorze szarym i czarnym nr 1 nie mogła odejść dalej od idealnego wiktoriańskiego macierzyństwa. Jak jednak wskazuje jego oficjalny tytuł, Whistler nigdy nie chciał, aby obraz w ogóle przedstawiał macierzyństwo. Raczej myślał o tym przede wszystkim jako o estetycznym zestawieniu neutralnych tonów.

Pomimo oryginalnej wizji artysty, Matka Whistlera stał się dziś jednym z najbardziej powszechnie uznawanych i lubianych symboli macierzyństwa.

5. Whistler wprowadził nową metodę nazywania obrazów

Harmonia w kolorze ciała i czerwieni przez Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera, c. 1869, via Museum of Fine Arts, Boston, MA

Podobnie jak portret jego matki, większość obrazów Whistlera nosi nie nazwy tematów, ale terminy muzyczne, takie jak aranżacja, harmonia lub nokturn. Jako zwolennik ruchu estetycznego i sztuki dla sztuki, Whistler był zafascynowany tym, jak malarz może próbować naśladować estetyczne walory muzyki. Uważał, że tak jak harmonijne nuty pięknej piosenki bez tekstu, estetyczne składniki obrazu mogą pobudzać zmysły i wywoływać uczucie zamiast opowiadać historię czy uczyć.

Tradycyjnie tytuł obrazu stanowiłby ważny kontekst dotyczący tematu lub historii, którą przedstawia. James Abbott McNeill Whistler wykorzystywał tytuły muzyczne jako okazję do skierowania uwagi widza na estetyczne komponenty swojej pracy, zwłaszcza na paletę barw, oraz do wskazania braku głębszego znaczenia.

6. Spopularyzował nowy gatunek malarstwa zwany tonalizmem

Nocturne: szary i złoty — Westminster Bridge autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , c. 1871-72, przez muzea w Glasgow, Szkocja

Tonalizm był stylem artystycznym, który pojawił się częściowo dzięki wpływowi Whistlera na amerykańskich malarzy krajobrazu. Zwolennicy tonalizmu wykorzystali subtelną gamę ziemistych kolorów, miękkich linii i abstrakcyjnych kształtów, aby stworzyć pejzaże, które były bardziej klimatyczne i ekspresyjne niż były ściśle realistyczne.

Podobnie jak Whistler, artyści ci skupiali się na estetyce, a nie na narracji, potencjale swoich pejzaży i szczególnie pociągała ich nocna i burzliwa paleta kolorów. W rzeczywistości to krytycy sztuki ukuli termin tonal, aby nadać sens nastrojowym i tajemniczym kompozycjom, które zdominowały amerykańską scenę artystyczną pod koniec XIX wieku.

Kilku znanych amerykańskich malarzy krajobrazu przyjęło tonalizm, w tym George Inness , Alberta Pinkhama Rydera , oraz John Henry Twatchman . Ich eksperymenty z tonalizmem poprzedziły Impresjonizm amerykański , ruch, który ostatecznie stał się znacznie bardziej popularny.

7. Podpisane obrazy Whistler z motylem

Wariacje w kolorze ciała i zieleni — Balkon autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , c. 1864-1879, przez Freer Gallery of Art, Waszyngton, DC

Zawsze chętny do wyróżnienia się z tłumu, Whistler wynalazł unikat monogram motyla którym podpisać swoją sztukę i korespondencję zamiast tradycyjnego podpisu. W ciągu swojej kariery insygnia motyla przeszły kilka metamorfoz.

James Abbott McNeill Whistler zaczął od stylizowanej wersji swoich inicjałów, które rozwinęły się w motyla, którego ciało tworzyło literę J, a skrzydła – W. W niektórych kontekstach Whistler złośliwie dodawał motylowi ogon skorpiona. Mówiono, że to ucieleśnia sprzeczne cechy jego delikatnego stylu malarskiego i jego wojowniczej osobowości.

Na kultowe insygnia motyla i sposób, w jaki Whistler sprytnie i wyraźnie wkomponował je w swoje kompozycje estetyczne, duży wpływ miały płaskie, stylizowane postacie powszechnie spotykane na Japońskie drzeworyty i ceramika.

8. Spędził noce na łodzi, aby zebrać inspirację

Nokturn: niebieski i srebrny — Chelsea autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , 1871, przez Tate Britain, Londyn, UK

James Abbott McNeill Whistler mieszkał w pobliżu Tamizy w Londynie przez większą część swojej kariery, nic więc dziwnego, że zainspirował wiele obrazów. Światło księżyca tańczące po wodzie, gęste opary i migoczące światła szybko uprzemysłowionego miasta oraz chłodne, stonowane kolory nocy zainspirowały Whistlera do stworzenia serii nastrojowych pejzaży zwanych Nokturny .

Spacerując brzegiem rzeki lub wiosłując łódką, Whistler spędzał godziny samotnie w ciemności, zapisując w pamięci swoje różne spostrzeżenia. W świetle dnia malował wtedy Nokturny w swojej pracowni, używając warstw rozcieńczonej farby, by luźno zasugerować obecność linii brzegowych, łodzi i odległych postaci.

Krytycy Whistlera Nokturny narzekał, że obrazy bardziej przypominają szkice niż w pełni zrealizowane dzieła sztuki. Whistler zaprzeczył, że jego celem artystycznym jest stworzenie poetyckiego wyrazu swoich obserwacji i przeżyć, a nie wysoce wykończonego, fotograficznego oddania konkretnego miejsca.

9. James Abbott McNeill Whistler był płodnym wytrawiaczem

Nokturn (z Wenecja: dwanaście akwafort serii) Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , 1879-80, via Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

James Abbott McNeill Whistler był również znany za życia ze swojego niezwykłego akwaforta umiejętności, które po raz pierwszy rozwinął podczas swojej krótkiej kadencji przy tworzeniu map. W rzeczywistości jeden pisarz epoki wiktoriańskiej powiedział rycin Whistlera, Są tacy, którzy stawiają go obok Rembrandta, a może ponad Rembrandta, jako największego mistrza wszechczasów. Whistler wykonał kilka akwafort i litografii w trakcie swojej kariery, w tym portrety, pejzaże, sceny uliczne i intymne sceny uliczne, w tym seria zlecona stworzył w Wenecji we Włoszech.

Jak jego malowany Nokturn pejzaże, wyryte pejzaże Whistlera charakteryzują się uderzająco prostymi kompozycjami. Mają także jakość tonalną, którą Whistler fachowo osiągnął, eksperymentując z technikami linii, cieniowania i tuszowania zamiast kolorów farb.

10. Whistler wyremontował pokój bez zgody właściciela domu

Harmonia w błękicie i złocie: Pawi pokój (instalacja pokojowa), James Abbott McNeill Whistler i Thomas Jekyll ,1877, via Freer Gallery of Art, Waszyngton, DC

Harmonia w błękicie i złocie: Pawi pokój to kwintesencja aranżacji wnętrz Aesthetic Movement. Whistler pracował nad projektem przez kilka miesięcy, nie szczędząc wysiłku ani wydatków na wystawną transformację pomieszczenia. Jednak Whistlerowi nigdy nie zlecono wykonania żadnej z tych czynności.

Pawi Pokój był pierwotnie jadalnią należącą do Frederick Leyland , zamożnego armatora i przyjaciela artysty. Kiedy Leyland poprosił Whistlera o radę na temat kolorów farb w jego londyńskiej rezydencji, Whistler wziął na siebie przekształcenie całego pokoju, podczas gdy jego właściciel był nieobecny w interesach. Pokrył każdy cal przestrzeni wyszukanymi złoconymi pawiami, stonowaną niebieską i zieloną farbą oraz dekoracyjnymi przedmiotami z kolekcji Leylanda – w tym obraz Whistlera , który zajął centralne miejsce w przeprojektowaniu.

Kiedy Leyland wrócił do domu, a Whistler zażądał wygórowanej opłaty, relacje między dwoma mężczyznami zostały zrujnowane nie do naprawienia. Na szczęście Sala Pawia została zachowana i pozostaje na wystawie w Galeria Sztuki Freer w Waszyngtonie, DC .

11. Jeden z obrazów Whistlera wywołał proces

Nokturn w czerni i złocie — spadająca rakieta autorstwa Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera , c. 1872-77, przez Detroit Institute of Arts, MI

W odpowiedzi na Nokturn w czerni i złocie — spadająca rakieta , krytyk sztuki Jan Ruskiń oskarżony Whistler o rzucanie garnkiem farby w twarz publiczności. Reputacja Whistlera została zniszczona przez negatywną recenzję, więc pozwał Ruskina o zniesławienie.

Proces Ruskin vs. Whistler wywołał publiczną debatę na temat tego, co to znaczy być artystą. Ruskin twierdził, że szokująco abstrakcyjne i malarski Spadająca rakieta nie zasługiwał na miano sztuki i że widoczny brak wysiłku Whistlera czynił go niegodnym miana artysty. Z drugiej strony Whistler nalegał, aby jego praca była ceniona za wiedza życia zamiast liczby godzin, które spędził na malowaniu. Podczas gdy Spadająca rakieta Malowanie zajęło Whistlerowi tylko dwa dni, spędził wiele lat na doskonaleniu technik rozpryskiwania farby i przyszłościowych filozofii, które przyczyniły się do jego powstania.

James Abbott McNeill Whistler ostatecznie wygrał sprawę, ale otrzymał tylko jeden grosz odszkodowania. Ogromne koszty prawne zmusiły go do ogłoszenia upadłości.

12. James Abbott McNeill Whistler miał skandaliczną osobowość publiczną

Aranżacja w kolorze szarym: Portret malarza Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera, c. 1872, przez Detroit Institute of the Arts, MI

James Abbott McNeill Whistler przesuwał granice osobowości tak samo, jak przekraczał granice sztuki epoki wiktoriańskiej. Był znany z tego, że kultywował i żył do przesadnej osoby publicznej, z powodzeniem brandingując się na długo przed tym, zanim celebryci stali się popularni.

jakiś pośmiertny opublikowany po śmierci Whistlera opisywał go jako niezwykle irytującego kontrowersyjistę, którego ostry język i żrące pióro były zawsze gotowe do udowodnienia, że ​​mężczyzna – zwłaszcza jeśli zdarzyło mu się malować lub pisać – który nie pasował do roli czciciela, był idiotą lub gorzej. Rzeczywiście, po niesławnym procesie Ruskin vs. Whistler, Whistler opublikował książkę zatytułowaną Łagodna sztuka tworzenia wrogów aby zapewnić mu ostatnie słowo w bardzo publicznej debacie na temat jego wartości jako artysty.

Dziś, ponad sto lat po jego śmierci, wartość i wpływ Jamesa Abbotta McNeilla Whistlera jako artysty są jasne. Podczas gdy przywódca Ruchu Estetycznego przyciągnął tyle samo pesymistów, co zwolenników za życia, jego śmiałe innowacje w malarstwie i autopromocji były ważnym katalizatorem dla Europy i Ameryki Modernizm .