Jak wystawy światowe wpłynęły na sztukę współczesną?

Przejście od realizmu i tradycyjnych środków wyrazu do tego, co dziś znamy jako sztukę nowoczesną, rozpoczęło się w XIX wieku dzięki pracom impresjonistów, grupy francuskich malarzy w Paryżu, którzy zaczęli łamać niektóre z dawnych zasad sztuki. Mnogość dynamicznych ruchów, które nastąpiły później, wiele zawdzięcza tym początkowym łamaczom zasad, ale może jeszcze bardziej pierwszym występom niezachodniej sztuki w Paryżu na przełomie XIX i XX wieku. Ruchy takie jak kubizm, dadaizm, surrealizm i późniejsze zmiany w sztuce nowoczesnej i współczesnej wyglądałyby zupełnie inaczej, gdyby nie wielkie światowe wystawy w Paryżu, na których prezentowane były artefakty i dzieła sztuki z Azji, Afryki, Ameryki Południowej i Oceanii.

Pierwsze spotkania z „Innym” w sztuce współczesnej

Kobiety z Algieru w swoim mieszkaniu przez Eugene'a Delacroix , 1834, za pośrednictwem New York Times

W połowie XIX wieku narastało rozczarowanie skutkami rewolucji przemysłowej. Artyści i intelektualiści w Europie coraz częściej opowiadali się za powrotem do natury, zarówno pod względem estetyki, jak i pragnienia prostszego sposobu życia. Orientalizm, opisany przez Edward Said w jego przełomowej książce pojawił się jako tendencja w sztuce do romantyzowania kultur Wschodu. Prace francuskich artystów, takich jak Eugene Delacroix, są wyidealizowane i często nierealistyczne przedstawienia Orientu w ramach tego rosnącego zainteresowania perspektywami niezachodnimi.

W tym samym czasie świat zachodni miał swoje pierwsze prawdziwe spotkanie z kulturą Dalekiego Wschodu, gdyż Japonia otworzyła swoje granice do handlu po raz pierwszy po dwóch wiekach izolacji. język japoński wydruki ukiyo-e miał głęboki wpływ na wielu artystów, takich jak Claude Monet , Van Gogh, Mary Kassat i Henri de Toulouse-Lautrec. Termin Japonizm został ukuty, aby opisać to zauroczenie sztuką japońską, zwłaszcza jak styl drzeworytów ukiyo-e spowodował płaskie powierzchnie i ciemne kontury w malarstwie europejskim.

Trzy Tahitańskie Kobiety przez Paula Gaugin , 1896, via Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

Malarze postimpresjonistyczni, zwłaszcza Henri Matisse i Paul Gaugin, poszli o krok dalej w odkrywaniu (ponownie) tego, co ma do zaoferowania reszta świata. Podczas gdy Matisse wyjechał do Afryki Północnej w 1912 roku, Gaugin słynnie spędził wiele lat na Tahiti, gdzie stworzył niektóre ze swoich najsłynniejszych dzieł. Wraz z ogólnym XIX-wiecznym stosunkiem do nadmiernie uprzemysłowionego społeczeństwa europejskiego i chęcią poznania prymitywny świecie, jednym z kluczowych czynników decyzji Gaugina o opuszczeniu Francji było jego doświadczenie w pawilonach kolonialnych 1889 Paryż Wystawa Powszechna . Światowy format wystawy, ustanowiony w XIX wieku, ze wszystkimi jego kolonialnymi i często nieetycznymi cechami leżącymi u podstaw, będzie nadal kształtować świat sztuki nowoczesnej aż do XX wieku.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Czym są wystawy światowe?

Wielka Wystawa w Londynie , 1951 Henry Fox Talbot przez The Talbot Catalog Reasons

Wystawy światowe były ambitnymi, kosztownymi projektami narodowymi, które zaczęły się rozwijać w drugiej połowie XIX wieku. Świat zachodni świętował sukces swoich przełomów przemysłowych i technologicznych, a zasięg jego kolonialnej ekspansji i wspaniałe jarmarki zostały uznane za narzędzie do wyrażenia tej celebracji cywilizowany światowe sukcesy. Jednym z pierwszych przypadków był Wielka Międzynarodowa Wystawa w Londynie w 1851 r. , która odbyła się w Hyde Parku i została zorganizowana przez samego księcia Alberta.

W wystawie wzięli udział znani intelektualiści z Wielkiej Brytanii i zagranicy, m.in. Karol Darwin, Karol Marks, pisarze Charles Dickens, Lewis Caroll, Charlotte Bronte i wielu innych. Zawierała jedne z największych światowych osiągnięć nauki i techniki, takie jak dagerotypy, barometr, diament Koh-i-Noor czy prototyp faksu. Chociaż we Francji było kilka podobnych wydarzeń przed Wielką Wystawą w Londynie, ten monumentalny projekt zapoczątkował całą serię podobnych wydarzeń, które stały się znane w całej Europie i Stanach Zjednoczonych. Wersje tych wielkich wydarzeń zdarzają się do dziś, choć z nieco innymi podtekstami.

Widok z 1867 Exposition Universelle autorstwa Edouarda Maneta , przez Muzeum Narodowe w Oslo

Ekspozycja paryska z 1867 r. przesunęła uwagę z postępu technologicznego na eksponowanie artefaktów archeologicznych i etnograficznych przywiezionych z kolonii. Wiele krajów poszło za nimi w ciągu następnych dwóch dekad, a zwiadowcy zostali wysłani do odległych obszarów, aby przywieźć zarówno przedmioty, jak i prawdziwą rdzenną ludność, aby pokazać je na targach. Do 1889 r. na paryskiej wystawie uniwersalnej pojawiły się wioski etnograficzne, czyli całe społeczności wystawione dla przyjemności i antropologicznej ciekawości widzów. Wystawy w Hamburgu i Dreźnie słynnie wyświetlane egzotyczny tancerze, dziwaków i dzikusów w miejskich ogrodach zoologicznych. Ludzie byli reprezentowani jako towary przywiezione z kolonii, a trend był uzasadniony jako narzędzie edukacyjne i sposób nauczenia obywateli Zachodu o tym, jak zaawansowani byli w porównaniu z prymitywnymi sposobami życia.

Prymitywizm w sztuce XX wieku

Komedia autor: Paul Klee , 1921, via Tate Modern, Londyn

Podczas gdy antropolodzy i kuratorzy światowych wystaw postrzegali prymityw jako wcześniejszy, niecywilizowany etap rozwoju, wielu artystów miało bardziej romantyczną percepcję. prymitywizm , jako tendencja w sztuce współczesnej, jest zbiorem idei zakorzenionych w kolonialnym sposobie myślenia, który wywarł wpływ na wielu artystów XX wieku i ruchy sztuki nowoczesnej. Jak wyjaśniono wcześniej, artyści końca XIX i początku XX wieku szukali sposobów przezwyciężenia nadmiernie uprzemysłowionego europejskiego stylu życia, powrotu do natury i oduczenia zinstytucjonalizowanych i kanonizowanych zasad malarstwa i rzeźby.

Prymitywny był postrzegany jako powrót do oryginalnych, bardziej fundamentalnie ludzkich sposobów widzenia świata przyrody. Artystyczna ekspresja odległych kultur (mianowicie Afryki Subsaharyjskiej, Azji, Oceanii i obu Ameryk) prezentowała estetykę całkowicie odmienną od klasycyzmu i realizmu, opartą na emocjach, geometrii i silnej ekspresji. W jednym ze swoich esejów niemiecki artystaPaul Kleepisał o prymitywizmie jako sposobie sprowadzenia praktycznej strony tworzenia sztuki do kilku podstawowych kroków, formie oszczędności w doborze palet barw, linii i kształtów.

Stylistyczny prymitywizm i Afrykańska Wystawa Kolonialna z 1906 r.

Panie z Awinionu autorstwa Pabla Picassa , 1907, via Museum of Modern Art, Nowy Jork

W 1906 roku, kiedy afrykańska wystawa kolonialna odbyła się w Paryżu, artefakty z Afryki Zachodniej stały się istotną częścią kolekcji i pracowni sztuki współczesnej. Joruba plemienne maski i Rzeźby Dogonów głęboko wpłynął na wielość ówczesnych ruchów artystycznych i ukształtował głosy wielu znanych malarzy i rzeźbiarzy, takich jak Pablo Picasso, Amedeo Modigliani, Constantin Brancusi, grupa Blue Rider , i tak dalej. Słynne zdjęcie Man Raya z 1926 r. o nazwie Czarny i biały , przedstawia paryską modelkę Kiki de Montparnasse trzymającą jedną z takich plemiennych masek, co ilustruje, jak popularne były te rzeźby w ówczesnych kręgach sztuki współczesnej.

Czarny i biały przez Man Ray , 1926, via Muzeum Królowej Zofii, Madryt

Wpływy prymitywizmu można prześledzić w całej sztuce europejskiej XX wieku. Wyraźne cechy rzeźby afrykańskiej są widoczne w dziełach sztuki Constantin Brancusi i Amedeo Modigliani , o których wiadomo, że byli przyjaciółmi. Obaj artyści mieli do czynienia z przykładami Rzeźba Baule z dzisiejszej Ghany i Wybrzeża Kości Słoniowej w latach 1910-1920. Kobiece portrety Modiglianiego z wydłużonymi szyjami i zredukowanymi rysami twarzy są stylizowane na podobne do afrykańskich artefaktów, ale podobieństwa są najbardziej widoczne w jego mniej znanych rzeźbach.

Śpiąca muza przez Constantina Brancusi , 1910-1912, via Christie’s

Prostota i elegancja najsłynniejszych dzieł Brancusiego, takich jak Śpiąca muza (1910) świadczą także o kulcie artysty dla sztuki afrykańskiej. Sophie Tauber-Arp 's Głowa Dady (1920), choć luźniej oparty na oryginalnych maskach i rzeźbach afrykańskich, może być również traktowany jako przykład prymitywizmu stylistycznego.

Efekty artefaktów najdobitniej widać w rozwoju Kubizm . Afrykański okres Pabla Picassa, a także jego arcydzieło Panie z Awinionu (1907), w rzeczywistości pojawił się dopiero po wystawie afrykańskiej w 1906 roku. Sam Picasso posiadał różne przedmioty z Afryki Subsaharyjskiej, takie jak plemienna maska ​​Grebo, którą można powiązać z autorskim rozwiązaniem kubistycznej płaskorzeźby Gitara (1914).

Sztuka współczesna i zainteresowanie sztuką niezachodnią

Głowa przez Amedeo Modigliani , 1911-1912, via Tate Modern, Londyn

Podczas gdy wpływy sztuki afrykańskiej w pracach artystów paryskich są najłatwiejsze do wyśledzenia, w ciągu pierwszych dwóch dekad XX wieku w całej Europie rosło nieselektywne zainteresowanie obcymi kulturami i artefaktami. Paryż gościł wystawy sztuki islamu (1904), sztuki japońskiej (1905) i starożytnej sztuki iberyjskiej (1906), ale wybitne muzea i kolekcjonerzy na całym kontynencie europejskim posiadali wiele przykładów sztuki niezachodniej. Brytyjski rzeźbiarz Henry Moore był zafascynowany kamiennymi rzeźbami starożytnej Ameryki, które widział w Londynie w 1921 roku, co wpłynęło na jego eksplorację przestrzeni i formy w pracach figuratywnych. Niemiecki malarze ekspresjonistyczni z nowoczesnych grup artystycznych Blue Rider (Der Blaue Riter) i Bridge (die Brücke) Ernst Ludwig Kirchner a Franz Marc wiele zaczerpnął ze starożytnej sztuki azjatyckiej i iberyjskiej.

Teatr japoński Ernsta Ludwiga Kirchnera , przez National Galleries Scotland, Edynburg

Wystawy kolonialne typu Hagenbeck, które były znaczące w Niemczech, często obejmowały ludzkie ogrody zoologiczne i wystawy żywych społeczności tubylczych, które można było oglądać zwiedzającym. Jak wspomniano wcześniej, miały one służyć jako narzędzia edukacyjne, ale ogólnie rzecz biorąc, były to nieetyczne pokazy społeczności, które miały być uważane za ciekawe, szokująco prymitywne, niecywilizowane, a nawet dziwaczne. Te przykłady ostrego odmienności wpłynęły na inną formę prymitywizmu, która była ważna dla sztuki nowoczesnej, na wewnętrzny prymitywizm. Ideę prymitywizmu rozszerzono z kultur obcych na przykłady innych i pomniejszych w kulturze europejskiej: dzieci, kobiet, a zwłaszcza osób niepełnosprawnych i chorych psychicznie. Ekspresjonizm w sztuce współczesnej w szczególności czerpał z rysunków dzieci i idei odmiennych stanów psychicznych.

Cały wiek po pierwszych światowych wystawach świat wciąż podnosi się z kolonialnej przeszłości Zachodu i wszystkich jego nieetycznych i hegemonicznych praktyk. Chociaż ważne jest zrozumienie pełnego społeczno-gospodarczego wpływu przemysłowej i kolonialnej ekspansji Europy, spojrzenie na historię światowych wystaw pomaga nam również lepiej zrozumieć dynamiczny rozwój artystyczny XX wieku, który doprowadził nas do świata sztuka jaką znamy dzisiaj.