7 ważnych obrazów barokowych, które powinieneś znać

Barok pozostaje jednym z najpopularniejszych i najbardziej rozpoznawalnych stylów wszechczasów. Ruch artystyczny pojawił się w XVII wieku, kiedy styl renesansowy i manieryzm wyszły z mody. Inspirowana starożytnością sztuka renesansu opierała się na równowadze, harmonii i ściśle symetrycznej kompozycji, podczas gdy barok reprezentował chaos i szybki ruch. W swoich barokowych obrazach artyści eksperymentowali z nietypowymi kątami i skomplikowanymi kompozycjami, chcąc przyciągnąć uwagę widza.

1. Szczyt malarstwa barokowego: Śmierć Marii Panny, Caravaggio

Mroczne i emocjonalne dzieło Caravaggia wywołało gorącą i intensywną debatę już w momencie jego powstania. Prawnik Laerzio Cherubini zlecił wykonanie tej pracy dla kościoła karmelitów w Rzymie, ale w ostatniej chwili zmienił zdanie. Choć obraz uznawany jest obecnie za niekwestionowany skarb, komisarz odmówił za niego zapłaty, uznając przedstawienie Matki Boskiej za skandaliczne i obsceniczne. Wielu uważało, że Caravaggio zapłacił prostytutce za usiąść przy obrazie, inni narzekali, że kostki Dziewicy wyglądają jak u topielca.

Odrzucenie naturalizmu Caravaggia miało także swoje uzasadnienie teologiczne. Kościół katolicki uważa, że ​​Wniebowzięcie św Dziewica Maryja Stało się to bez jej śmierci, co oznacza, że ​​wstąpiła do Nieba żywa. Caravaggio sprzeciwił się temu przekonaniu, malując Marię martwą w otoczeniu pogrążonych w żałobie apostołów. Co więcej, Caravaggio celowo ogołocił tę scenę ze wszelkich oznak świętości. Jedynym elementem wskazującym na status Marii była cienka aureola wokół jej głowy. Naturalizm, żal i smutek działały zgodnie z barokową ideą wywoływania u widza współczucia i reakcji emocjonalnej. Władze kościelne uznały jednak, że jest to przesadne.

2. Dziewczyna z perłą – Johannes Vermeer

Jedno z głównych arcydzieł holenderskiego baroku, dzieło Vermeera Dziewczyna z perłą był ignorowany przez prawie dwa stulecia. Został prawie zniszczony z powodu złych warunków przechowywania. Vermeer zmarł w biedzie w 1675 roku i został ponownie odkryty przez kolekcjonerów i koneserów sztuki dopiero w latach osiemdziesiątych XIX wieku. Choć fascynujące i hipnotyzujące, Dziewczyna z perłą budził wiele podejrzeń, gdyż kompozycyjnie tak bardzo różnił się od reszty twórczości Vermeera. Kilku fałszerzy dzieł sztuki stworzyło na podstawie tego obrazu podróbki Vermeera, które wkrótce zostały zidentyfikowane przez ekspertów w dziedzinie sztuki. Jednym z najbardziej znanych przykładów był obraz Uśmiechnięta Dziewczyna , namalowany przez przyjaciela legendarnego fałszerza dzieł sztuki Hana van Meegerena .

Zwykle Vermeer malował sceny domowe, podczas gdy Dziewczyna z perłą to przycięty portret z bliska, wykonany w półprofilu, z modelką zwróconą bezpośrednio na widza. Niektórzy eksperci Vermeera uważają, że modelką była córka Vermeera, Maria, inni idą jeszcze dalej, sugerując, że to ona stała za płótnem. Chociaż dowody na temat rodziny Vermeera są ograniczone, wiemy na pewno, że to on nauczył Marię malować. Jedna z wersji sugeruje, że najbardziej eksperymentalne obrazy Johannesa Vermeera zostały namalowane przez jego córkę.

3. Las Meninas Diego Velazqueza

Hiszpański artysta barokowy Diego Velazqueza stał się czołowym malarzem hiszpańskiego dworu królewskiego. Jego światowej sławy obraz Las Meninas powstało na zamówienie rodziny królewskiej i szybko zyskało sławę w całej Europie dzięki swojej złożonej i misternej kompozycji.

Hiszpański oddział Habsburg rodzina została tak zniszczona przez wieki chowu wsobnego, że wychowanie zdrowego dziecka, które byłoby w stanie żyć wystarczająco długo, aby odziedziczyć bogactwo i władzę rodziców, wydawało się prawie niemożliwe.

Blond dziewczyna namalowana przez Velazqueza to infantka Małgorzata Teresa, piąte i jedyne ocalałe dziecko hiszpańskiej królowej Mariany Austrii i jej wuja, króla Filipa IV. Mimo że miała zdeformowane rysy twarzy Habsburgów, Małgorzata Teresa cieszyła się w miarę dobrym zdrowiem i reprezentowała wszelkie nadzieje i marzenia swojej rodziny.

Na obrazie obecni są także rodzice infantki, choć nie są od razu widoczni. W lustrze w tle widać króla i królową stojących obok siebie. Widzowie znajdują się zatem w miejscu rodziny królewskiej, co było elementem próby demokratyzacji ich wizerunku przez Habsburgów. Velazquez również przedstawił się malując ich portret.

4. Judyta ścinająca Holofernesa – Artemisia Gentileschi

Artemisia Gentileschi była rzadkim przykładem uznanej artystki swoich czasów. Choć zamożne i uprzywilejowane kobiety odgrywały ważną rolę w zamawianiu dzieł sztuki od czasów renesansu, bardzo niewiele z nich miało okazję malować. Twórczość Gentileschi koncentruje się wokół kobiet i ich doświadczeń, często poruszając tematy przemocy, wściekłości i zemsty. Uprzejmy przeżyła gwałt i musiała przejść długi i odczłowieczający proces, a nawet tortury, aby skazać agresora. Gwałciciel, także artysta nazwiskiem Agostino Tassi, został uznany winnym, ale wkrótce zwolniony z aresztu bez żadnych wyjaśnień.

Judyta była popularną w czasach Gentileschiego bohaterką patriotyczną, reprezentującą bohaterstwo i chęć poświęcenia się dla bezpieczeństwa innych. Według historii Starego Testamentu była to żydowska wdowa, która uwiodła asyryjskiego generała Holofernesa i zamordowała go, aby ocalić Jerozolimę przed inwazją. Jednak wraz z upływem lat przedstawienie postaci uległo zmianie. Pod koniec XIX wieku wizerunek Judyty uległ nieoczekiwanemu zwrotowi: zamiast symbolu kobiecego patriotyzmu stała się kolejnym śmiertelna Kobieta , symbol przebiegłej kobiecej natury i żądzy krwi. Taka dramatyczna zmiana prawdopodobnie miała swoje korzenie w powierzchownym podobieństwie Judyty i Salome, innej postaci Starego Testamentu, która nakazała ścięcie Jana Chrzciciela.

5. Magdalena pokutująca przez Georgesa de La Tour

Francuski mistrz baroku Georges de La Tour był naśladowcą Carravagia, wykorzystując jego charakterystyczny kontrast światła i cienia. W przeciwieństwie do Caravaggia preferował proste formy i często powtarzał ten sam temat kilka razy, aż jego dzieło osiągnęło stan idealny, wręcz minimalistyczny.

Maria Magdalena była uczennicą Chrystusa, która wyrzekła się grzesznego trybu życia i poświęciła swoje życie wierze. Wbrew powszechnemu przekonaniu Biblia nigdy nie określiła jej jako prostytutki. Interpretacja ta pojawiła się dopiero w VI wieku, najprawdopodobniej w wyniku błędu popełnionego przez Papież Grzegorz I . W swojej pokucie Magdalena z La Tour nie okazuje nadmiernych i przesadnie dramatycznych emocji. Jej pokuta jest osobistym, wewnętrznym aktem kogoś, kto głęboko żałuje swoich czynów. W swojej wierze nie musi głośno potępiać swoich przeszłych grzechów. Otaczające ją przedmioty można interpretować jako odniesienia do próżność popularne wówczas obrazy. Czaszka na kolanach Marii symbolizuje śmiertelność, a lustro odbijające światło świec przypomina o ziemskiej próżności, którą po sobie pozostawia.

6. Martwy Chrystus opłakiwany przez Annibale Carracci

Sztuka barokowa nie była nagłym i rewolucyjnym wynalazkiem artystycznym, ale narzędziem propagandy, zatwierdzonym i zaprojektowanym przez Kościół katolicki. Podczas gdy protestancki ruch reformacyjny bezlitośnie walczył ze sztuką religijną, urzędnicy katoliccy postanowili zbliżyć się do swoich wyznawców. Sztuka musiała być łatwa do utożsamienia i przyciągać wzrok, wywołując reakcję emocjonalną. Według ówczesnej nauki katolickiej prawdziwa wiara nie miała nic wspólnego z rozumem i logiką i opierała się wyłącznie na emocjach i uczuciach. Tego emocjonalnego paliwa dostarczała sztuka barokowa.

Annibale Carracci był jednym z pionierów włoskiego baroku, który najpełniej zgłębiał jego emocjonalną skalę. Jego malarstwo Martwy Chrystus opłakiwał nie jest stoicki i cichy Pieta , ale głośną, bolesną i rozdzierającą serce sceną straty i żalu. Dziewica Maria upadła nieprzytomna, trzymając w ramionach ciało syna, podczas gdy Maria Magdalena, Maria Kleofas i Maria Salome lamentowały i płakały wokół nich. Według ewangelii Maria Kleofas i Maria Salome były uczennicami Jezusa obecnymi przy jego ukrzyżowaniu. Później odkryli jego pusty grób.

7. Świeckie malarstwo barokowe: Rembrandt Lekcja anatomii

Podczas gdy włoscy i hiszpańscy artyści baroku skupiali się na scenach religijnych i mitologicznych, sztuka niemiecka i holenderska skupiała się na sztuce świeckiej, portretach i scenach z życia codziennego. Przyczyną tego był przede wszystkim protestantyzm, który był religią dominującą na tych terenach. Ponieważ Kościół zakazał kultu malowanych obrazów, artyści musieli szukać nowych tematów, nowej ikonografii i nowych mecenasów.

Rembrandta van Rijna był jednym z najsłynniejszych artystów holenderskiego baroku, znanym ze swojego wyjątkowego traktowania światła i cienia. Jego komisarze często reprezentowali gildie lub organizacje składające się z wielu członków, którzy prosili o przedstawienie ich na zbiorowym obrazie. Niezwykłe wyczucie kompozycji Rembrandta pozwoliło mu ułożyć wiele postaci bez utraty czyjejś widoczności. Makabryczny obraz Lekcja anatomii doktora Nicolaesa Tulpa został zamówiony przez Amsterdamską Gildię Chirurgów. W archiwach zachowały się nazwiska wszystkich osób przedstawionych na obrazie, nawet zmarłego mężczyzny poddawanego sekcji przez doktora Tulpa. Niejaki Aris Kindt był przestępcą skazanym na śmierć za napad z bronią w ręku. Praktyka wręczania ciała rozpowszechnianie zmarłych przestępców studentom medycyny było popularne i odbywało się najczęściej jesienią i zimą, aby uniknąć szybkiego rozkładu.