6 kultowych artystek, które powinieneś znać

Mama , rzeźba artystki Louise Bourgeois

Maman, rzeźba autorstwa Louise BourgeoisArt History Walk of Fame jest wyłożona nazwiskami artystów płci męskiej, ale zaczyna gromadzić więcej artystek. Na ogólne postrzeganie męskiego mistrza i arcydzieła duży wpływ ma fakt, że w naszych podręcznikach szkolnych i najważniejszych galeriach muzealnych niemal zupełnie nie ma ich kobiecych odpowiedników.

Artystki dzisiaj

W przemyśle filmowym niedostateczna reprezentacja kobiet w głównych rolach reżyserek i producentów wywołała w ostatnich latach wiele fal oburzenia. Hashtagi pojawiają się w mediach społecznościowych, takich jak #OscarsSoMale pokazują, że istnieje duże zapotrzebowanie na większą widoczność kobiet.

To samo dotyczy przemysłu artystycznego, choć krzyk nie jest tak głośny jak w Hollywood. Jednym z powodów może być to, że przynajmniej w sztuce nowoczesnej i współczesnej nastąpiła wolniejsza i stabilniejsza zmiana w kierunku reprezentowania większej liczby kobiet. Już w 1943 roku Peggy Guggenheim zorganizowała wystawę dla kobiet w swojej niesławnej galerii w Nowym Jorku Sztuka tego stulecia , w tym składki od Dorothea Opalanie oraz Frida Kahlo . To pionierskie przedsięwzięcie, zwane 31 kobiet , był pierwszym tego typu poza Europą. Od tego czasu wiele się zmieniło. Obecnie istnieje wiele galerii reprezentujących coraz więcej artystek. Coraz więcej kobiet bierze udział w prestiżowych festiwalach sztuki i zdobywają ważne nagrody.

Wielkie zmęczenie, Camille Henrot, 2013, via camillehenrot.fr

Jednak artystki wciąż są niedostatecznie reprezentowane w pejzażu muzealnym. Firma zajmująca się informacją o rynku sztuki Artnet ujawniła w analizie, że w latach 2008-2018 tylko 11% wszystkich prac nabytych przez czołowe amerykańskie muzea było dziełem kobiet. Tak więc, jeśli chodzi o historyczne rozumienie sztuki, wciąż pozostaje wiele do zrobienia, aby zwiększyć widoczność artystek i ich twórczości.

Oto przegląd moich ulubionych artystek z całej historii sztuki, aż do dzisiaj, które doceniam za opanowanie wielu mediów, za ich konceptualne myślenie, za traktowanie tematów skoncentrowanych na kobietach, a tym samym za stworzenie niezwykłego i wyjątkowego dzieła .

Camille Henrot

Urodzona we Francji, współczesna artystka Camille Henrot słynie z pracy z różnymi mediami, od filmu po asamblaż i rzeźbę. Zapuściła się nawet w Ikebanę, tradycyjną japońską technikę układania kwiatów. Jednak to, co czyni jej pracę naprawdę wyjątkową, to umiejętność łączenia pozornie sprzecznych pomysłów. W swoich skomplikowanych pracach przeciwstawia filozofię popkulturze, a mitologię nauce. Podstawowa, wszechogarniająca idea jej prac nigdy nie jest zbyt oczywista. Camille Henrot jest mistrzem eleganckiego owijania rzeczy, tworzenia subtelnej i mistycznej atmosfery. Dopiero po zanurzeniu się w nich będziesz mógł połączyć kropki.

Aby to najlepiej zilustrować, weźmy przykład: w latach 2017-2018 Camille Henrot wystawił Carte Blanche w Palais de Tokyo w Paryżu, zatytułowany Dni to psy . Zakwestionowała relacje władzy i fikcji, które determinują naszą egzystencję, i wzięła jedną z najbardziej fundamentalnych struktur w naszym życiu – tydzień – w celu zorganizowania własnej wystawy. Podczas gdy lata, miesiące i dni mają strukturę naturalną, tydzień przeciwnie, jest fikcją, ludzkim wymysłem. Jednak stojąca za nim narracja nie umniejsza jej emocjonalnego i psychologicznego wpływu na nas.

Blady lis, Camille Henrot, 2014, fot. Andy Keate via camillehenrot.fr

W jednym z pokoi Camille Henrot wystawiła swoją instalację Blady Lis , który wcześniej został zamówiony i wyprodukowany przez Galerię Chisenhale. Użyła go, aby przedstawić ostatni dzień tygodnia – niedzielę. To wciągające środowisko zbudowane na poprzednim projekcie Camille Henrot Grosse Fatigue (2013) – filmie nagrodzonym Srebrny Lew na 55. Biennale w Wenecji. Podczas gdy Grosse Fatigue opowiada historię wszechświata w trzynaście minut, The Pale Fox jest medytacją nad naszym wspólnym pragnieniem zrozumienia świata poprzez przedmioty, które nas otaczają. Gromadziła osobisty materiał i nakładała go według nadmiaru zasad (kierunków kardynalnych, etapów życia, zasad filozoficznych Leibniza), tworząc fizyczne doświadczenie bezsennej nocy, katalogującą psychozę. Na swojej stronie internetowej stwierdza, że ​​z The Pale Fox zamierzałam zakpić z aktu budowania spójnego środowiska. Mimo wszystkich naszych wysiłków i dobrej woli zawsze kończymy z kamykiem tkwiącym w jednym bucie.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Haris Epaminondas

Prace cypryjskiego artysty skupiają się na ekspansywnych kolażach i wielowarstwowych instalacjach. Na międzynarodową wystawę w 58. Biennale w Wenecji łączyła znalezione materiały, takie jak rzeźby, ceramika, książki czy fotografie, z których starannie skonstruowała jedną ze swoich charakterystycznych instalacji.

Tom. XXII, Haris Epaminonda, 2017, fot. Tony Prikryl

Podobnie jak Camille Henrot, jej kompozycje nie od razu ujawniają swoje ukryte znaczenia. Jednak tym, co odróżnia jej prace od prac Camille Henrot, jest to, że nie osadza swoich obiektów w skomplikowanych narracjach i konceptualnych teoriach. Zamiast tego jej instalacje są zorganizowane w znacznie prostszy sposób, wywołując poczucie minimalistycznego porządku. Dopiero po bliższym przyjrzeniu się poszczególnym przedmiotom zauważysz sprzeczności kryjące się za pozornie idealną estetyką. W swoich kompozycjach Haris Epaminonda wykorzystuje znalezione przedmioty, które w tradycyjnym rozumieniu byłyby sobie zupełnie obce. Na przykład można znaleźć drzewko Bonsai stojące obok greckiej kolumny w niemal naturalny sposób. Artystka wplątuje swoje obiekty w sieć historycznych i osobistych znaczeń, nieznanych publiczności i prawdopodobnie także sobie samej. Chociaż Haris Epaminonda nie ignoruje ukrytych historii swoich obiektów, woli pozwolić im wewnętrznie wywierać swoją moc.

TOM. 27th, Haris Epaminonda, 2019, via moussemagazine.it

Za swój trzydziestominutowy film Chimera Haris Epaminonda wygrała 58. Biennale w Wenecji Srebrny Lew jako obiecujący młody uczestnik i od tego czasu jest jedną z międzynarodowych gwiazd sztuki współczesnej.

Uścisk Akunyili Crosby

Njideka Akunyili Crosby urodził się w Nigerii, a obecnie mieszka i pracuje w Los Angeles. Jako nastolatka jej matka wygrała loterię zieloną kartą, dzięki czemu cała rodzina mogła przenieść się do Stanów Zjednoczonych. W swoich obrazach Akunyili Crosby odzwierciedla swoje doświadczenia jako członkini współczesnej diaspory nigeryjskiej. Na gigantycznych papierowych powierzchniach nakłada wiele warstw, aby ukazać portrety i domowe wnętrza, zestawiając ze sobą głębię i płaskość.

Ta artystka pracuje techniką mieszaną, zawierającą między innymi transfery fotograficzne, farby, kolaż, rysunek ołówkiem, marmurowy pył i tkaninę. Artystka tworzy w ten sposób niezwykłe obrazy, ilustrujące raczej zwyczajne, domowe tematy, w których przedstawia siebie lub swoją rodzinę. Jej prace to tak naprawdę kontrasty, zarówno formalne, jak i merytoryczne. Przyglądając się bliżej detalom jej obrazów, można znaleźć takie obiekty, jak żeliwny kaloryfer wskazujący na mroźne nowojorskie zimy czy postawiona na stole lampa naftowa, zaczerpnięta ze wspomnień Akunyili Crosby z Nigerii.

Mama, Mummy and Mama (poprzednicy nr 2), Njikeda Akunyili Crosby, 2014, via njikedaakunyilicrosby

Jednak kontrasty nie ograniczają się tylko do powyższego: do 2016 r. nagły wysoki popyt na prace Akunyili Crosby, które powoli produkuje, przewyższył podaż. To spowodowało eksplozję cen jej dzieł na rynku. Zwieńczeniem było sprzedaż jednego z jej obrazów na aukcji sztuki współczesnej Sotheby's w Listopad 2016 za prawie 1 milion dolarów, ustanawiając nowy rekord artystów. Zaledwie sześć miesięcy później praca została sprzedana przez prywatnego kolekcjonera za około 3 miliony dolarów at Londyn Christie a w 2018 roku sprzedała kolejny obraz za około 3,5 miliona dolarów at Sotheby’s Nowy Jork .

Louise Bourgeois

Francusko-amerykańska artystka jest najbardziej znana ze swoich rzeźb na dużą skalę, z których najsłynniejszym jest gigantyczny pająk z brązu „Louise Bourgeois Spider” zatytułowany Maman, który nieustannie podróżuje po całym świecie. Przy wzroście dziewięciu metrów stworzyła przesadną, metaforyczną reprezentację własnej matki, choć dzieło wcale nie ma na celu ukazania tragicznej relacji matki z córką. Wręcz przeciwnie: rzeźba jest hołdem złożonym jej własnej matce, która pracowała jako konserwatorka gobelinów w Paryżu. Podobnie jak pająki, matka Bourgeois odnawiała tkankę – raz za razem. Artysta postrzegał pająki jako stworzenia opiekuńcze i pomocne. Życie składa się z doświadczeń i emocji. Obiekty, które stworzyłem, sprawiają, że stają się namacalne, powiedziała kiedyś Bourgeois, aby wyjaśnić swoją własną twórczość.

Mama, Louise Bourgeois, 1999, via guggenheim-bilbao.eus

Oprócz tworzenia rzeźb była także płodną malarką i grafiką. W 2017 i 2018 roku Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Nowym Jorku (MoMA) poświęciła retrospektywę mniej znanej twórczości artystki An Unfolding Portrait, skupiającą się głównie na jej obrazach, szkicach i grafikach.

Moje wewnętrzne życie, Louise Bourgeois, 2008, via moma.org

Bez względu na to, jakich mediów użył wszechstronnie utalentowany artysta, Bourgeois skupiał się głównie na eksploracji tematów obracających się wokół domu i rodziny, seksualności i ciała, a także śmierci i nieświadomości.

Gabriele Munter

Jeśli wiesz Wassily Kandinsky , Gabriele Münter powinna być dla ciebie nie mniejszym nazwiskiem. Na czele grupy znalazła się ekspresjonistyczna artystka Niebieski jeździec (Błękitny Jeździec) i współpracowała z Kandinskym, którego poznała na zajęciach w awangardowej instytucji Phalanx School w Monachium, założonej przez rosyjskiego artystę.

Portret Gabriele Münter, Wassily Kandinsky, 1905, via Wikimedia Commons

Kandinsky jako pierwszy zauważył zdolności malarskie Gabriele Münter na początku XX wieku. Ich relacja zawodowa – która ostatecznie przerodziła się również w osobistą – trwała prawie dekadę. W tym czasie Gabriele Münter nauczyła się pracować szpachelką i grubymi pociągnięciami pędzla, stosując techniki zaczerpnięte z francuskiego Duże koty .

Dzięki nowo nabytym umiejętnościom zaczęła malować pejzaże, autoportrety i domowe wnętrza w bogatej kolorystyce, uproszczonych formach i odważnych liniach. Po pewnym czasie Gabriele Münter zainteresowała się głębszym zainteresowaniem malowaniem ducha współczesnej cywilizacji, wspólnym tematem artystów ekspresjonistycznych. Tak jak samo życie jest kumulacją ulotnych chwil, tak zaczęła utrwalać chwilowe doznania wizualne, generalnie w szybki i spontaniczny sposób.

Żółty dom (Żółty dom), Gabriele Münter, 1908, via Wikiart

Aby wywołać uczucia, użyła żywych kolorów i stworzyła poetyckie pejzaże bogate w fantazję i wyobraźnię. Związek Gabriele Münter i Kandinsky'ego silnie wpłynął na twórczość rosyjskiego artysty. W swoich obrazach zaczął przenosić nasycone kolory i jej ekspresjonistyczny styl Gabriele Münter.

Ich związek zakończył się, gdy Kandinsky musiał opuścić Niemcy podczas I wojny światowej, a tym samym musiał wrócić do Rosji. Od tego momentu zarówno Gabriele Münter, jak i Kandinsky żyli w oddzielonym od siebie życiu, ale ich wzajemny wpływ na twórczość pozostał.

Sophie Taeuber-Arp

Sophie Taeuber-Arp jest prawdopodobnie jedną z najbardziej utalentowanych artystek w historii sztuki. Pracowała m.in. jako malarka, rzeźbiarka, scenografka tkanin i scenografii oraz jako tancerka.

Scenografia dla Königa Hirscha (Króla Jelenia), Sophie Taeuber-Arp, 1918, fot. E. Linck Szwajcarski artysta zaczynał jako instruktor haftu, tkactwa i projektowania tkanin na Uniwersytecie Artystycznym w Zurychu. W 1915 poznała swojego przyszłego męża Jean Hans Arp , który uciekł z armii niemieckiej podczas I wojny światowej i który wstąpił do ruch dadaistyczny . Wprowadził ją w ruch, a następnie brała udział w przedstawieniach organizowanych przez Dadaiści w kabarecie Voltaire. Współpracowała jako tancerka, choreograf i lalkarz. Ponadto projektowała lalki, kostiumy i scenografie do spektakli własnych i innych artystów na Kabaret Voltaire .

Oprócz występów na imprezach dadaistycznych, Sophie Taeuber-Arp stworzyła prace tekstylne i graficzne, które należą do najwcześniejszych prac konstruktywistycznych w historii sztuki, obok prac Pieta Mondriana i Kazimierza Malewicza.

Gleichgewicht (Balance), Sophie Taeuber-Arp, 1932-33, via Wikimedia Commons Ponadto była jedną z pierwszych artystek, które zastosowały w swoich pracach kropki. Sophie Taeuber-Arp miała wybitne zrozumienie dla wyrafinowanych form geometrycznych, abstrakcji i używania kolorów. Jej prace były często uważane za pionierskie, a jednocześnie radosne.

W 1943 Sophie Taeuber-Arp zmarła w wypadku w domu Maxa Billa. Ona i jej mąż postanowili zostać na noc, kiedy zrobiło się późno. Była mroźna zimowa noc i Sophie Taeuber-Arp włączyła stary piec w swoim małym pokoju gościnnym. Następnego dnia mąż znalazł ją martwą z powodu zatrucia tlenkiem węgla.

Sophie Taeuber-Arp i jej mąż Jean Arp bardzo blisko współpracowali podczas różnych wspólnych projektów. Byli jedną z niewielu par w historii sztuki, które nie pasowały do ​​tradycyjnych ról artysty i jego muzy. Zamiast tego spotkali się na poziomie oczu i byli równie szanowani i doceniani przez swoich przyjaciół artystów – Marcel Duchamp oraz Joanna Miro będąc dwojgiem z nich – i przez krytyków sztuki za ich prace