Sztuka tekstylna: 6 najlepszych artystów, których powinieneś znać

Robótki ręczne istnieją od bardzo dawna, ale pomysł, że szycie i haft można uznać za sztukę, jest dość nowy. Na przestrzeni dziejów sztuka tekstylna była postrzegana jako mniejsza forma sztuki w porównaniu z malarstwem czy rzeźbą. To było odpowiednie hobby dla kobiet, ale nie coś, co należałoby do galerii. Choć przytłaczający, zapewniał też przestrzeń do twórczej eksploracji. To właśnie ta podwójna natura szycia i haftu zainspirowała artystki feministyczne w Stanach Zjednoczonych i Wielkiej Brytanii do wyrażania swoich poglądów politycznych poprzez sztukę tekstylną w latach 70. i 80. XX wieku. Obecnie prace wielkich artystów, takich jak Louise Bourgeois, można znaleźć w muzeach i galeriach na całym świecie.

1. Tkanina Louise Bourgeois (1911-2010)

Histeryczny przez Louise Bourgeois , 2001, za pośrednictwem Art Forum

Niewiele artystek kiedykolwiek osiągnęło ten sam poziom międzynarodowej celebrytki co Louise Bourgeois . Chociaż istnieje kilka powodów, dla których brak artystek w historii sztuki a nawet współczesne muzea i galerie, wpływ burżuazji na szerszy świat sztuki jest niezaprzeczalny. Z karierą trwającą siedem dekad i dwoma kontynentami urodzona we Francji artystka była jedną z najbardziej płodnych twórczych sił swoich czasów. Jej najsłynniejsze prace należą do czego Rosalind Krauss nazwała rozszerzoną dziedzinę rzeźby, ale była też znakomitą malarką, grafiką, a co najważniejsze dla nas tutaj, artystką tekstyliów. Burżuazja jest często kojarzona z Surrealizm i kilkakrotnie wystawiała z Ekspresjoniści abstrakcyjni, ale nigdy oficjalnie nie należała do żadnego ruchu, a jej styl artystyczny był bardzo wyjątkowy.

W swoich wielkoformatowych rzeźbach i instalacjach Bourgeois eksperymentowała z różnymi materiałami, które aż do drugiej połowy XX wieku nie były uważane za artystyczne. Guma, silikon, wełna i nici pojawiają się w całej twórczości Bourgeois, na którą duży wpływ miały doświadczenia z wczesnego dzieciństwa.

Artysta urodził się w 1911 roku w Paryżu we Francji. Jej rodzice byli właścicielami warsztatu renowacji antycznych gobelinów, więc Bourgeois miała doświadczenie z pierwszej ręki w pracy z tekstyliami, mimo że początkowo poszła studiować matematykę na Sorbonie. W 1938 ukończyła edukację artystyczną i otworzyła własną galerię w Paryżu. W tym samym roku poznała swojego wieloletniego partnera, historyka sztuki Robert Goldwater, i przeniosła się z nim do Nowego Jorku, gdzie jej kariera artystyczna będzie się dalej rozwijać.

Louise Bourgeois autorstwa Roberta Mapplethorpe , 1982 (druk 1991), Tate Museum, Londyn

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Jednak wspomnienia Louise Bourgeois z czasu spędzonego w warsztacie rodziców i ich złożonych relacji rodzinnych nigdy nie przestały inspirować jej prac. Pomysły, które powstały dzięki odkryciu psychoanaliza pojawiają się w większości jej prac – pojęcia podświadomości, dziecięcej seksualności, pożądania, czułości, bólu, macierzyństwa i śmierci są obecne w jej twórczości. The obraz pająka , najsłynniej przedstawiony w duża rzeźba publiczna Maman z 1999 r. sama Louise Bourgeois tłumaczyła, że ​​jest przedstawieniem swojej matki: mądrej, subtelnej, rozważnej i cierpliwej. Ta zależność między tkactwem a macierzyństwem jest również ważnym aspektem jej prac tekstylnych.

Będąc w bliskim kontakcie z tekstyliami od samego początku, Louise Bourgeois odczuwała emocjonalny związek z różnymi rodzajami tkanin, a szycie było działaniem regenerującym i leczniczym. Przez całe życie kolekcjonowała różne skrawki tkanin, ostatecznie zamieniając je w głęboko intymne, a czasami autobiograficzny dzieła sztuki. Na jej rysunkach pojawiają się tekstylia, ręcznie szyte ilustracje książki z tkanin oraz rzeźby figuratywne. Podczas gdy jej dwuwymiarowe prace tekstylne były głównie abstrakcyjne, geometryczne i kontemplacyjne, jej miękkie rzeźby były bardzo organiczne, a często nawet wyraźne w ich stosunku do ciała, seksualności i reprodukcji.

Spędzając dziesięciolecia próbując zdekonstruować własne dzieciństwo, życie intymne i podświadomość, Louise Bourgeois wywarła głęboki wpływ na znacznie większą skalę – torując drogę dla pokoleń artystów, którzy dalej badali nie tylko różne rodzaje materiałów, ale także różne rodzaje tematyki w art. Chociaż nie była członkiem żadnej grupy ani ruchu, Louise Bourgeois była kluczową postacią w sztuce feministycznej, sztuce tekstylnej i współczesnej rzeźbie.

2. Lata Albersa (1899-1994)

Gobelin Anni Albers , 1948, via Musem of Modern Art, Nowy Jork

Urodzona Annelise Fleischmann Anni Albers był niemieckim amerykańskim artystą tekstylnym i grafiką, jednym z pierwszych, którzy zakłócili zwykłą binarność między sztuką a rzemiosłem. Jako młoda kobieta zainteresowana malarstwem Albers została zniechęcona do uprawiania sztuki przez Oskara Kokoshkę, mimo to zapisała się na Szkoła Bauhausu w Weimarze w 1922 roku. W tym czasie szkoła nie była zbyt liberalna, jeśli chodzi o edukacja artystyczna kobiet , a Albers nie mogła dołączyć do warsztatu, który chciała ze swoim mężem Józefa Albersa .

Początkowo niezainteresowana tym, co uważała za zbyt kobiecy i prosty warsztat tkacki, Albers szybko zrozumiała pełny potencjał tej dotykowej formy sztuki. Sztuka tkaniny stałaby się jej główną formą ekspresji na cztery dekady, a jej prace ostatecznie utorowały drogę innym artystom tekstylnym do zdobycia uznania i dalszego eksplorowania tego medium. Wystawa retrospektywna Albersa z 1949 roku w Museum of Modern Art w Nowym Jorku była pierwszą wystawą w tej instytucji poświęconą wyłącznie artyście tekstylnemu. Nawet jej późniejsza praktyka graficzna była pod silnym wpływem spostrzeżeń, które zdobyła podczas tkania, jej abstrakcyjne litografie z niesamowitym podobieństwem do geometrycznych wzorów gobelinów.

Zarówno prace gobelinowe, jak i druki Albers były inspirowane Bauhausem i jej bliskością do artystów takich jakPaul Kleeoraz Walter Gropius . Z delikatnym wyczuciem faktury i właściwości dotykowych materiałów, Anni Albers włączyła do swoich prac naturalne i syntetyczne nici, metal i plastik, tworząc zarówno w dużej, jak i małej skali gobeliny z geometrycznymi wzorami, wysokim kontrastem i często zrównoważoną symetrią. Jej projekty zostały dokładnie przestudiowane i naszkicowane w ramach przygotowań do pracy, a tę dbałość o szczegóły i poczucie równowagi można prześledzić od jej wczesnych prac tekstylnych po dojrzałe eksploracje litografii i sitodruku.

3. Judith Scott (1943-2005)

Nieuprawny przez Judith Scott , 2002, via Museum of Modern Art, Nowy Jork

The historia Judith i Joyce Scott to jedna z najbardziej wciągających historii w świecie sztuki. Urodzona z zespołem Downa, obecnie ciesząca się międzynarodowym uznaniem rzeźbiarka Judith Scott została oddzielona od bratniej bliźniaczki Joyce w wieku siedmiu lat. Ze względu na niezdiagnozowaną utratę słuchu we wczesnym dzieciństwie artystka została uznana za niewykształconą i odesłana z rodziny do prywatnej placówki opiekuńczej. Ponieważ w tamtym czasie nie było głębszego zrozumienia niepełnosprawności i zdrowia psychicznego, Judith Scott spędziła ponad trzy dekady w separacji ze swoją siostrą, pozbawiona jakiejkolwiek stymulacji edukacyjnej i estetycznej. Jednak w 1985 roku jej siostra Joyce została jej prawnym opiekunem i postanowiła zabrać ją do swojego domu w Kalifornii. Dwa lata później Judith została zapisana do Centrum Sztuki Twórczego Wzrostu w Oakland, gdzie w końcu odkryła swój talent do sztuki włókna.

Nici, wełna, tkaniny i znalezione przedmioty stały się nowo odkrytym językiem dla Judith Scott i wkrótce zaczęła tworzyć skomplikowane rzeźby z tkanin na dużą skalę. Centrum Sztuki od razu dostrzegło jej talent i zapewniło jej przestrzeń i swobodę korzystania ze wszystkich dostępnych materiałów do jej kolorowania totemy przypominające kokon i duże abstrakcje . Jakby mając wreszcie środki, by wyrazić swoje myśli i uczucia, Judith Scott pracowała nad swoimi rzeźbami przez pięć dni w tygodniu do końca swojego życia, wytwarzając w sumie około 200 prac. Jej prace można obecnie znaleźć w wielu muzeach i galeriach na całym świecie, związanych z ruchami takimi jak sztuka z zewnątrz lub Sztuka Brut . Spuścizna Judith Scott ma jednak głębsze implikacje dla świata sztuki w ogóle, stawiając kilka podstawowych pytań o to, kto ma dostęp do sztuki i tworzenia sztuki.

4. Chiharu Shiota (1972)

Niepewna podróż przez Chiharu Shiota , 2019 przez stronę Chiharu Shiota

Chiharu Shiota jest współczesny artysta japoński działa na polu performansu i sztuki instalacji. Jest najbardziej rozpoznawalna dzięki używaniu czerwonej i czarnej nici w instalacje immersyjne . Znaczące powiązania i relacje międzyludzkie, długie linie czerwonej nici splecione są w sieci i przeplatane różnymi przedmiotami, takimi jak drzwi, klucze, sukienki, książki czy łodzie, tworząc abstrakcyjne, ale sugestywne przestrzenie w salach galerii i muzeach.

Urodzona w Osace japońska artystka studiowała w Kioto, Canberze, a później w Berlinie, gdzie miała okazję pracować i uczyć się od niemieckiej artystki instalacji Rebeka Horn , a także pionierka sztuki performance Marina Abramović . Shiota zdobyła zarówno uznanie opinii publicznej, jak i uznanie krytyków za swoje prace już w 2000 roku, ale zyskała międzynarodową sławę po wystawieniu dla Pawilon japoński na 56. Biennale w Wenecji w 2015 roku.

Pełne symboliki i subtelnych poetyckich znaczeń tekstylne dzieła Chiharu Shioty poruszają tematy pamięci, emocji, intymności, kobiecości, przeszłości i dziedzictwa. Największy solowy pokaz Shioty w historii, Dusza drży , organizowany przez Mori Art Museum, obecnie podróżuje po świecie. Wystawa obejmuje niektóre z jej najbardziej dokonanych prac, takich jak Niepewna podróż , W ciszy , Odbicie przestrzeni i czasu , oraz Łączenie małych wspomnień . Podczas gdy jej charakterystyczne sieci wątków odgrywają rolę w każdej instalacji, każda praca dotyczy różnych jakości ludzkiego doświadczenia, od kobiecego ciała po upływ czasu.

5. Sheila Hicks (1934)

Filar śledztwa/elastyczna kolumna autorstwa Sheili Hicks , 2013-2014, via Museum of Modern Art, Nowy Jork

Sheila Hicks jest amerykańskim artystą mieszkającym między Paryżem, Francją i Nowym Jorkiem. Jest najbardziej znana z dużych, jaskrawych, rzeźbiarskich tkanin, eksperymentalnych gobelinów i innowacyjnego podejścia do tkania i sztuki tkanin. Podobnie jak Chiharu Shiota i Louise Bourgeois, artystyczna kariera Hicksa została ukształtowana przez podróże do innych części świata. Urodzona w USA w następstwie krachu na Wall Street, większość dzieciństwa spędziła w trasie, z ojcem w poszukiwaniu pracy. Podczas lat spędzonych na Uniwersytecie Yale zainteresowała się tkactwem jako formą ekspresji kulturowej i ostatecznie otrzymała stypendium Fulbrighta, aby studiować starożytne techniki tkackie w Chile. Spędziła wiele lat w Chile i Meksyku, ucząc się od tradycyjnych rzemieślników tekstylnych i prowadząc własne warsztaty. Według Hicksa tkactwo i sztuka tekstylna reprezentują uniwersalny język, który wykracza poza granice geograficzne i granice.

Zbierając tradycyjną wiedzę z różnych części świata, Sheila Hicks opracowała swój własny, niepowtarzalny styl, obejmujący odważne kolory, surowce i innowacyjne podejście. Jej wczesne prace tekstylne, takie jak Blue Letter (1959), były głównie dwuwymiarowymi gobelinami o płaskich powierzchniach koloru i różnych technikach tkackich, podczas gdy jej późniejsze prace stawały się coraz bardziej rzeźbiarskie. Jej kolosalna instalacja Escalade Beyond Chromatic Lands wystawiona na Biennale w Wenecji w 2017 roku pokazała zarówno jej doświadczenie jako podróżniczka/antropolog tekstylny, jak i malarkę akademicką zainteresowaną teorią koloru. Filar śledztwa (2013-2014) również przesunęli granice między sztuka tekstylna, rzeźba i instalacja immersyjna , zestawiając miękkie, luźne nitki z elementami architektonicznymi budynku muzeum. Jej prace, inspirowane rdzennymi praktykami, znajdują się obecnie w kolekcjach największych muzeów od USA po Europę i Azję.

6. Sztuka tkaniny El Anatsui (1944)

Bez tytułu El Anatsu ja, 2017, za pośrednictwem strony internetowej El Anatsui

El Anatsui jest ghańskim rzeźbiarzem i grafiką mieszkającym w Nigerii, najczęściej kojarzonym z artystami Grupa Nsukka . Chociaż nie pracuje bezpośrednio z tymi samymi rodzajami materiałów, co inni artyści tekstylni, El Anatsui włącza szycie do swojej praktyki. Prace, które zwróciły uwagę międzynarodowej publiczności na tego afrykańskiego artystę, to jego wielkoformatowe projekty sztuki tekstylnej, takie jak gobeliny/draperie ścienne wykonane z aluminiowych kapsli i podobnych metalowych cząstek połączonych drutem miedzianym.

W swojej praktyce El Anatsui łączy zainteresowanie tradycyjną afrykańską wiedzą i rzemiosłem, takim jak tkactwo i rzeźbienie w drewnie, z zachodnimi tradycjami abstrakcyjnej rzeźby i grafiki. Jego instalacje z butelki były wystawiane na całym świecie zachodnim w instytucjach takich jak Metropolitan Museum of Art, Brooklyn Museum i Biennale w Wenecji, zmieniając niektóre błędne wyobrażenia o afrykańskiej sztuce i artystach. Materiały znalezione i poddane recyklingowi są obecne w jego pracach od lat 90., próbując podkreślić kulturowe, ekonomiczne i środowiskowe nierówności współczesnego społeczeństwa oraz jego konsumpcyjną trajektorię. Są również związane z historią Afryki, europejską ekspansją kolonialną i jej konsekwencjami, od handlu niewolnikami po pojawienie się rumu w Afryce. Pomimo solidnej natury materiałów, praktyka zszywania każdego elementu razem tworzy elastyczne, kolorowe i dynamiczne gobeliny, które można eksponować w różnych okolicznościach i iteracjach. Prace takie jak Bleeding Takari II i Ink Splash (2007) mają taki sam wizualny wygląd pomarszczonej tkaniny, jak gdyby były wykonane z nici lub wełny.