Kubistyczna sztuka dla manekinów: przewodnik dla początkujących

Butelka Vieux Marc, szkło, gitara i gazeta, Pablo Picasso, 1913, via Tate, Londyn

Sztuka kubistyczna pojawiły się w pierwszej dekadzie XX wieku, zapoczątkowane przez Pablo Picasso i Georges Braque. Zaczęło się jako eksperymentalna forma sztuki, która kwestionowała sposób, w jaki postrzegamy przedmioty i jak je rozumiemy. Ruch kubistyczny, podobnie jak wiele innych ruchów tego okresu w historii, odwrócił się od tradycyjnych idei malarstwa, które zostały zaszczepione od renesansu.

Definicja sztuki kubistycznej

Butelka i Ryby autorstwa Georgesa Braque .a , 1910-12, przez Tate, Londyn

Sztuka kubizmu może być postrzegana jako żartobliwa rozmowa ze sztuką, zarówno w jej pozycji w społeczeństwie, jak i metodach przedstawiania rzeczywistości. W tej rozmowie kubizm prosi widza o myślenie, a nie tylko o reagowanie na zmysłowość koloru i linii, którą możemy znaleźć, powiedzmy, w obrazie impresjonistycznym. Istotnie, przy pierwszym obejrzeniu Braque'a czy Picassa w czasach ich kubizmu, zdziwionego widza uderzają ich monochromatyczne, nieuporządkowane kompozycje.

Chociaż ruch kubistyczny był stosunkowo krótkotrwały, odegrał integralną rolę w historii sztuka modernistyczna . Sztuka kubistyczna wpłynęła na wiele innych ruchów artystycznych, takich jak Styl oraz Ekspresjonizm , w poszukiwaniu reprezentacji poprzez abstrakcję. Aby zrozumieć sztukę kubistyczną i odpowiedzieć na pytanie „czym jest kubizm?”, musimy zagłębić się w historię sztuki i modernistyczną troskę o znalezienie formy sztuki, która dokładnie ukazywałaby nowoczesność.

Powstawanie ruchu kubistycznego

Wzgórze w Prowansji autor: Paul Cézanne , 1890-92, przez National Gallery, Londyn

Od renesansumalarstwo zachodnioeuropejskie zajęło się tworzeniem racjonalnego, trójwymiarowego obrazu na płaskiej, dwuwymiarowej powierzchni; w stronę naturalizm i z dala od abstrakcja . Sposobów na to, oczywiście, było wiele i debatowano o tym, jaki temat powinien być przedstawiany, ale faktem było, że artyści musieli stworzyć iluzję przestrzeni dla widza. Ta iluzja przestrzeni tworzyła punkt widzenia, z którego widz mógł zrozumieć obraz.

Czy podoba Ci się ten artykuł?

Zapisz się do naszego bezpłatnego cotygodniowego biuletynuDołączyć!Ładowanie...Dołączyć!Ładowanie...

Sprawdź swoją skrzynkę odbiorczą, aby aktywować subskrypcję

Dziękuję Ci!

Naturalizm utrzymał panowanie w malarstwie aż do końca XIX wieku, kiedy artyści zaczęli kwestionować sztuczność malarstwa. Malarze tacy jak Édouard Manet zaczął malować w stylu, który obecnie uważamy za wczesną formę malarstwa impresjonistycznego; Vincent van Gogh przekształcił to, co zobaczył, w to, jak wpłynęło to na niego emocjonalnie. Artyści ci eksperymentowali i próbowali zrozumieć, jak postrzegamy świat: czy to poprzez wrażenie sceny, czy to, jak się z nią czujemy? Kolejne pytanie zada Paul Cézanne : jak malujemy obiekt, który ciągle się zmienia, gdy się wokół niego poruszamy? Przedmioty nie przychodzą na nas z jednej perspektywy, ale z wielu.

Martwa natura z imbirowym słoikiem i bakłażanami Paula Cézanne'a, 1893-94, przez Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork

To Paul Cézanne rozpoczął ten projekt zrozumienia, jak renderować obiekty z wielu perspektyw. Naturalizm był więc sztuczny i fałszywy wobec życia; renderował obiekty z jednego punktu widzenia w jednym momencie. Ruch kubistyczny szukał nowego języka wizualnego, który dokładnie oddałby rzeczywistość.

Lata założycielskie

Wiadukt w L'Estaque autorstwa Georgesa Braque .a , 1908, za pośrednictwem Smarthistory; z Horta d'Ebre autorstwa Pabla Picassa , 1909, via MoMA, Nowy Jork

Picassa Panie z Awinionu (1906) to nie tylko jedno z najbardziej wpływowych dzieł sztuki XX wieku, ale początek ruchu kubistycznego. Jest nagły, wstrząsający, złożony z odłamków i nie ma miejsca, w które mógłby zajrzeć widz. Postacie są zdeformowane i wyabstrahowane, przypominając płaską powierzchnię, na której powstaje obraz. Jednak to Georges Braque i jego obrazy hołdujące Cézanne'owi sformułowałyby centralne idee wczesnej, zwanej też analityczną, kubistyczną sztuką.

Obrazy Braque'a z obszaru L'Estaque z 1908 roku przedstawiały domy i drzewa odarte do nagich form – kształtów, które składają się na obiekt – w sposób chaotyczny. Przestrzeń jest zagęszczona, a źródło światła wątpliwe. Braque chciał pozbyć się iluzjonizmu malarstwa i skonfrontować widza z tym, czym jest obraz; dwuwymiarowe płótno znaków. Spotykając Picassa, postanowili poeksperymentować z tym pomysłem poprzez gatunek martwej natury.

Panie z Awinionu autorstwa Pabla Picassa , 1906, via MoMA, Nowy Jork

Chcieli zakwestionować iluzjonizm malarstwa i sposób, w jaki artysta może przedstawić to, co widzi – bo to jest fundamentalne pytanie artysty – bez zatrzymywania się na chwilę. Martwa natura umożliwiła eksperymentowanie z dekonstrukcją obiektów, zawężaniem przestrzeni i pokazywaniem wielu punktów widzenia. Kubistyczna sztuka analityczna stałaby się raczej sztuką koncepcji niż percepcji. Był to intelektualny pomysł na to, jak zaczynamy rozumieć otaczające nas przedmioty.

W kubizmie analitycznym znajdujemy więc chaotyczne płótno form oznaczających przedmioty. Tytuł obrazu podpowie nam, czego powinniśmy szukać. Na przykład w Braque's Mandora , wyraźnie widzimy dziurę dźwiękową i struny mandory, ale struny ciągle się przesuwają, jakbyśmy się poruszali, gdy na nie patrzymy. Płótno składa się z wielu powierzchni, dowolnie zacienionych, aby widz nie miał wglądu w to, gdzie znajduje się źródło światła; formy na obrazie ulegają zatarciu, tworząc efekt przesuwającego się w czasie spojrzenia. Ten obraz bawi się iluzją malarstwa, jednocześnie podważając tę ​​iluzję.

Mandora Georgesa Braque'a, 1909, via Tate, Londyn; z butelkami i kieliszkami Pabla Picassa, 1912, przez Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku

Lata późniejsze

Butelka rumu i gazeta autorstwa Juana Graya , 1914, za pośrednictwem Muzeum Guggenheima w Nowym Jorku; z Miska Owoców, Skrzypce i Butelka autorstwa Pabla Picassa , 1914, przez Tate, Londyn

Ruch kubistyczny został przekształcony w 1912 roku, kiedy Georges Braque postanowił przykleić do swojego obrazu kawałek płótna olejnego. To był początek kubizmu syntetycznego. Syntetyczna sztuka kubizmu dała Picasso i Braque'owi kolejny wymiar w zabawie z pojęciem sztuki. Późny okres analitycznej sztuki kubistycznej zintegrował użycie szablonowych liter na płótnie, aby przypomnieć widzowi o jego płaskości, ale teraz użycie papier klejony spowodowało niestosowne napięcie na płótnie, które zakłóciło sferę sztuk pięknych.

Użycie ceraty przez Braque'a w jego kompozycji zasygnalizowało upadek „sztuki pięknej”. Tkanina olejna została wykonana mechanicznie i masowo produkowana, dlatego nie wymagała żadnych umiejętności artystycznych. W rzeczywistości Braque domyślnie mówił, że sztuka piękna to już przeszłość; prawdziwie nowoczesne zestawienie. Umiejętność malowania w sposób naturalny przestała istnieć teraz, gdy można było przykleić się do taniego kawałka materiału, który wyglądał na prawdziwy; w przypadku Braque'a była to cerata, która wyglądała jak słoje drewna.

Użycie kolażu w syntetycznej sztuce kubistycznej było niezwykłe, ponieważ tworzyło napięcie na płótnie. Umieszczając na płótnie realny przedmiot obok naszkicowanych form, bawił się pojęciem iluzjonizmu i rzeczywistości. Ta niejednoznaczność zwracała uwagę na fałszywość tradycyjnego malarstwa i wskazywała na epistemologiczny różnica między sztuką a reprezentacją. Wykorzystując „niską” formę sztuki, kolaż, Braque i Picasso rzucili wyzwanie sztuce w jej mocy przedstawiania rzeczywistości.

Salon kubistyczny

Krajobraz autorstwa Alberta Gleizesa , 1912, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Chociaż Braque i Picasso są postrzegani jako pionierzy ruchu kubistycznego, byli poza zasięgiem opinii publicznej, tworząc dzieła dla prywatnego mecenatu. Jednak inni artyści, tacy jak Jean Metzinger, Fernand Leger i Robert Delaunay, kultywowali styl w stylu kubistycznym. Ci artyści byli członkami grupy o nazwie Sekcja D’Or i byli czołowymi malarzami w uświadamianiu publiczności sztuki kubistycznej.

Ci kubiści różnili się od Braque'a i Picassa na kilka sposobów. Malowali większe płótna z większymi motywami jako tematem; pejzaże miejskie, portrety i duchowe afekty były tematami dla kubistów salonowych. Widzimy w ich twórczości zajęcie się nowoczesnością i tworzenie nowej formy sztuki na swój czas. Byli też znacznie bardziej skłonni do filozofowania, czerpiąc idee od wpływowego i współczesnego filozofa Henri Bergson ze swoim pomysłem Duree; całe życie istnieje w jedności pamięci i wizji.

Czerwona Wieża Eiffla przez Roberta Delaunaya, 1911-12; z Miasto autor: Robert Delaunay , 1911, przez Muzeum Guggenheima, Nowy Jork

Grupa ta zaproponowała być może bardziej logiczne podejście do sztuki kubistycznej, podczas gdy Braque i Picasso skupili się na zabawie sztuką i jej tradycją przy jednoczesnym wprowadzaniu innowacji stylistycznych. Malarze z Sekcji D’or zajmowali się tym, jak jednostka postrzega rzeczywistość w doświadczeniu nowoczesności i zwracali uwagę publiczności na to doświadczenie.

Sztuka kubistyczna i XX wiek

Krytyk sztuki przez Raoula Hausmanna 1919-20; z Z 105 portali lub Domy Kurta Schwittersa , 1918, przez Tate, Londyn

Pokaz sztuki kubistycznej przez Braque'a i Picassa miałby trwały wpływ na sztukę modernistyczną. Ich eksploracja ekspresji formalnej doprowadziła ich do zakwestionowania kulturowych założeń dotyczących sztuki i rzeczywistości, techniki, która zostałaby podchwycona przez dadaizm oraz Surrealizm . Badali kulturową różnicę między sztuką „wysoką” i „niską”, tworząc syntezę, która otworzyłaby drzwi do nowych twórczych poszukiwań.

Po I wojnie światowej pojawił się postulat powrotu do porządku w malarstwie; chaos i zniszczenie tak wielu istnień doprowadziły do ​​rewizji sztuki; używanie jej do badania kultury, a nie do badania rzeczywistości – choć w sumie nie byłoby to skuteczne w powstrzymaniu nieszczęścia lat poprzedzających II wojnę światową.

Guernica autorstwa Pabla Picassa , 1937, via Muzeum Narodowe Centrum Sztuki im. Reina Sofia, Madryt

Nie oznaczało to utraty uznania dla kubistycznego eksperymentu. Pod koniec I wojny światowej sztuka kubistyczna stała się nowym wizualnym językiem nowoczesności, stając się sama sztuką piękną. Chaotyczne płótna stały się teraz odpowiednią metodą ekspresji. W 1937 roku, kiedy siły nazistowskie zbombardowały miasto Guernica, horror skłonił Picassa do namalowania własnej wersji wydarzeń, aby podnieść świadomość zniszczenia. On również, oczywiście, użył metody kubistycznej, aby wyrazić tę rzeczywistość; bo czymże było zniszczenie, jeśli nie rozdrabnianiem ludzi, budynków i krajobrazu na rozrzucone odłamki?