Jak niemiecki ekspresjonizm zmienił historię kina?

Niemiecki ekspresjonizm w kinie znany jest z dramatycznych ujęć kamery, wyłaniających się cieni, złudzeń optycznych, nawiedzonych antybohaterów, klaustrofobicznych zdjęć i szokujących zwrotów akcji. Trudno sobie wyobrazić, jak wyglądałby dzisiejszy krajobraz kina bez przełomów tego gatunku filmowego lat 20. XX wieku. Dzięki ciężkiej symbolice i odważnym, mrocznym motywom niemieckie filmy ekspresjonistyczne szybko zapadły w pamięć kraju borykającego się z następstwami pierwszej wojny światowej.

Czym był niemiecki ekspresjonizm?

Niemiecki ekspresjonizm był ruchem artystycznym początku XX wieku, niezwykle wpływowym, a jednocześnie niezwykle trudnym do określenia. Jego kinowe wcielenie jest odgałęzieniem czegoś większego Ruch ekspresjonistyczny , który wywarł głęboki wpływ na sztuki wizualne, teatr, literaturę i architekturę na początku XX wieku. Ekspresjonizm pozostawał pod wpływem artystów postimpresjonistycznych i symbolistycznych, takich jak Paul Gauguin, Edvard Munch , I Vincent van Gogh , a także przez afrykanin I Sztuka polinezyjska . Starało się wyrazić indywidualnych emocji i podmiotowości, zamiast przedstawiać je wrażenia realistycznego świata.

Dzieła ekspresjonizmu często przedstawiał wyobcowanie, niepokój i seksualność współczesnego świata. Ekspresjoniści używali odważnych i nierealistycznych kolorów, postrzępionych linii oraz na wpół abstrakcyjnych i przesadzonych kształtów. W teatrze i literaturze ekspresjonizm starał się badać stany psychiczne bohaterów, często posługując się symboliką i przedstawiając wzmożone, przesadne emocje.

Niemieckie kino ekspresjonistyczne sytuuje się na styku tych form sztuki. Rozwinął się głównie w latach dwudziestych XX wieku, dekadę po początkach ekspresjonizmu w sztukach wizualnych i literaturze. Po zniszczeniach I wojny światowej ruch ten przeniósł na ekran kina niemego innowacyjne pomysły i niepokojące historie. Mise-en-scène tych filmów nie wykorzystywało realizmu. Zamiast tego wyrażał subiektywny punkt widzenia, starając się zanurzyć widzów w pokręconych narracjach i zapadających w pamięć opowieściach. W tym celu autorzy wykorzystali zniekształconą, nierealistyczną scenografię, odważny makijaż, eksperymentalną pracę kamery i światłocień.

Fabuła: I wojna światowa i Republika Weimarska

Niemiecki ekspresjonizm to głęboko psychologiczny ruch filmowy. Narracje o zbrodni i korupcji, które dominują w filmografii ekspresjonistycznej, są nierozerwalnie związane ze społecznym i historycznym tłem pierwszej wojny światowej i jej następstw. Zwany wojna, która zakończy wszystkie wojny , I wojna światowa zmieniła świat na zawsze. Konflikt o niespotykanej dotąd skali miał głęboki wpływ na każdy poziom społeczeństwa. W Europie powszechny był brak zasobów i głód, gospodarki popadły w gwałtowny upadek, wybuchły rewolucje, upadły imperia i królestwa i narodziły się nowe kraje. Technologia nastąpił szybki rozwój wojny, która rozpoczęła się od mułów, a zakończyła czołgami, trującym gazem, ogniem artyleryjskim i walką w okopach.

W ciągu czterech lat konfliktu zginęło prawie dziesięć milionów żołnierzy. W samych Niemczech w bitwie zginęło dwa miliony ludzi, a blisko dwanaście milionów wróciło do domu z poważnymi obrażeniami. Psychologiczny wpływ wojny na froncie i w kraju był nieobliczalny.

Niemcy przystąpiły do ​​wojny z niezrównanym entuzjazmem i zakończyły ją największą porażką. Pod koniec niemieccy żołnierze i ludzie na froncie byli wyczerpani, zdemoralizowani, niedożywieni i po traumie. 9 listopada 1918 r. rewolucja przyniesie upadek monarchii i zapoczątkuje nową demokratyczną republikę konstytucyjną, która poczyniła kilka ustępstw na rzecz najwyższego dowództwa wojskowego i klas wyższych.

Nazywano to okresem weimarskim lub Republiką Weimarską. Okres ten, trwający od 1919 do 1933 roku, był pełen konfliktów i sprzeczności. Weimar nękały żniwa wojny, hiperinflacja, bezrobocie, ekstremizm polityczny i niestabilność. Jednak w połowie lat dwudziestych powolna stabilizacja gospodarki i poprawa stosunków międzynarodowych sprawiły, że Niemcy Weimarskie złote lata dwudzieste .

Sztuka, kultura oraz innowacje naukowe i filozoficzne rozkwitły w Weimarze, ośmielone wolnością polityczną. Berlin stał się tętniącym życiem centrum kulturalnym Europy. W ciągu tych lat kino przeżyło oszałamiający rozwój technologiczny i artystyczny. W miarę jak kultura weimarska rosła w kreatywności i entuzjazmie, skrajna prawica stawała się coraz bardziej zgorzkniała i urażona traktatem wersalskim i wyimaginowaną utratą Niemieckie wartości . Wielki Kryzys w 1929 r. spowodował zatrzymanie postępu w Niemczech Weimarskich i w ciągu zaledwie kilku lat przygotował grunt pod powstanie nazizmu.

Kino Republiki Weimarskiej

W przeciwieństwie do konkurencyjnych gałęzi przemysłu we Francji, Włoszech i Wielkiej Brytanii, do końca wojny niemiecki przemysł filmowy, w dużym stopniu finansowany przez państwo, pozostał w dużej mierze nienaruszony. Filmy zagraniczne zostały zakazane w 1916 r., co oznaczało, że w 1918 r. zapotrzebowanie na rozrywkę (i rozrywkę) w domu było wysokie. W okresie weimarskim wyprodukowano około 3500 filmów fabularnych. Kino nigdy nie było w Niemczech tak popularne jak w latach 1919–1926. W latach dwudziestych XX wieku Niemcy miały jedyny przemysł filmowy na świecie, który mógł rywalizować z Hollywoodem i według wielu przewyższać go nowoczesnością i wyrafinowaniem.

Kino weimarskie było dziedziną szeroką i różnorodną, ​​charakteryzującą się oszałamiającą kreatywnością i innowacyjnością. Niemiecki ekspresjonizm był tylko częścią tej całości, ale jego przełomy stylistyczne i tematyczne były tak uderzające, że do dziś można znaleźć jego echa w światowym kinie. W tym czasie powstało mnóstwo filmów kostiumowych, romansów, komedii, filmów przygodowych, melodramatów i niezliczonej ilości innych rodzajów filmów. Ale to była pokręcona narracja i przerażające efekty wizualne Roberta Wiene’a Gabinet doktora Caligari który po raz pierwszy przeniósłby na duży ekran niepokoje powojennej psychiki.

Przełomy dr. Caligari

Roberta Wiednia Gabinet doktora Caligari ukazał się na początku 1920 r . Opowiada historię karnawałowego lekarza, doktora Caligari (Werner Krauss), który hipnotyzuje lunatyka Cesare (Conrad Veidt) i zmusza go do popełniania brutalnych przestępstw. Od pokręconego scenariusza po koszmarny styl, Caligari był mroczny i efektowny wizualnie, niepodobny do niczego innego w ówczesnym kinie. Mise-en-scène jest celowo zniekształcone i odstraszające. Scenografia jest nierealistyczna, ulice tworzą zygzakowate labirynty, budynki są pochyłe. Namalowane cienie są postrzępione i ostre, makijaż inspirowany maskami pogrzebowymi jest ciężki i przerysowany, a gra aktorska celowo przerażająca.

Wygląd Caligari wykorzystuje techniki ekspresjonistyczne, aby wprowadzić widza w umysły swoich niespokojnych bohaterów, zwłaszcza narratora Franzisa (Friedrich Feher). Caligari to jeden z najwcześniejszych przykładów subiektywnej twórczości filmowej i nierzetelnej narracji. Zawiera także jedno z pierwszych zakrętów w kinie. Tematyka obejmuje antyautorytaryzm, bezsensowną przemoc, niepokoje powojennego społeczeństwa i psychologiczne skutki konfliktu. Scenariusz był przynajmniej częściowo inspirowany doświadczeniami wojennymi obu pisarzy, Hansa Janowitza i Carla Mayera.

Gabinet doktora Caligari to mały, ale przełomowy film, który rzuca bardzo długi cień. Zmieniło oblicze niemieckiego filmu i stworzyło gatunek horroru, jaki znamy. Uważany jest za pierwszy film studyjny w historii i zainaugurował także niemieckie kino ekspresjonistyczne.

Niemiecki ekspresjonizm w kinie

Inni filmowcy w Weimarze w Niemczech szybko zwrócili uwagę na innowacje Caligari. Podobnie jak w sztuce, toczy się dyskusja na temat tego, co stanowi film prawdziwy lub w pełni ekspresjonistyczny, ale mroczna nierzeczywistość niemieckiego ekspresjonizmu ukształtowała najwybitniejsze filmy okresu weimarskiego.

W obliczu zniszczeń pierwsza wojna światowa i niestabilność jego następstw, ekspresjonistyczni twórcy filmów, podobnie jak Dadaiści, zbuntowali się przeciwko konwencjom dotyczącym treści, stylu i kompozycji. W niemieckim ekspresjonizmie sfera psychologiczna definiuje środowisko. Wszystkie aspekty scenografii, oświetlenia, ruchu i kadrowania kamery, stylizacji aktorów i wyborów aktorskich rezygnują z realistycznego przedstawienia na rzecz bardziej emocjonalnego przedstawienia. Film ekspresjonistyczny odsunął się od rzeczywistości, ale zbliżył do niepokoju ludzkiej egzystencji.

Filmy te poruszały ponure tematy, takie jak przestępczość, szaleństwo, niemoralność, egzystencjalizm, nierówność, niesprawiedliwość, przemoc oraz ciemne strony technologii i bezmyślnego progresywizmu. Cechami charakterystycznymi stylu ekspresjonistycznego są wyraźny kontrast światła i cienia, przesadny makijaż i kostiumy, ukośne kąty kamery i swobodniejszy ruch kamery. Intensywnie klimatyczny niemiecki ekspresjonizm odzwierciedlił na ekranie filmowym psychologię Niemiec dotkniętych wojną, ogarniętych przemocą i zmagających się z niepewnością gospodarczą i zawirowaniami społeczno-politycznymi. Oto niektóre z najważniejszych filmów należących do niemieckiego ekspresjonizmu.

1. Od rana do północy (1920)

Karlheinza Martina Od rana do północy wykorzystuje postrzępione linie i efekty przypominające szkic w scenografii, kostiumach i projektach makijażu, aby wyrazić spiralę upadku skorumpowanego kasjera bankowego Ernsta Deutscha. Opowieść o człowieku płacącym za swoje błędy i chciwość stała się wzorem dla amerykańskiego gatunku Mroczny film .

2. Nosferatu (1922)

Klasyczny horror Nosferatu była próbą reżysera F.W Murnaua adaptacji Brama Stokera Dracula . Wykorzystując prawdziwe lokalizacje zamiast malowanych planów, Murnau manipulował oświetleniem, makijażem, efektami wizualnymi i kątami kamery, aby stworzyć złowieszczy klimat filmu. Nosferatu nieśmiertelna opowieść o optymistycznym młodym człowieku udającym się na wschód, powracającym odmienionym i niosącym ze sobą śmierć, przypomina wojenne doświadczenia wielu żołnierzy. Ekspresjonistyczne użycie cienia w Nosferatu pozostaje jednym z najbardziej ikonicznych obrazów w historii kina.

3. Metropolia (1927)

Arcydzieło Fritza Langa Metropolia przedstawia głęboko rozwarstwione, dystopijne społeczeństwo. Bogaci mieszkają na przestronnym, pełnym słońca szczycie wieży przypominającej Babel, podczas gdy klasa robotnicza haruje w ciemnym dole. Futuryzm Metropolis jest monumentalny, ale przytłaczający, duszący i dezorientujący. Autorytaryzm społeczeństwa znajduje odzwierciedlenie w samym środowisku. Jego koncepcja i styl do dziś inspirują science fiction.

4. Doktor Mabuse, Hazardzista (1922) i Testament doktora Mabuse (1933)

Dwie pierwsze części Fritza Langa Doktor Mabuse trylogię kręcono na początku i na samym końcu okresu weimarskiego. Dołączając do hipnotyzera zwanego doktorem Caligari, dr Mabuse jest przestępcą kontrolującym umysły, który zmusza innych do popełniania okrucieństw. Niewykrywalny i niewidzialny Mabuse odzwierciedla terror autorytarnych rządów. Podkreślają to halucynacyjne efekty wizualne, ukośna praca kamery i zacienione zakątki filmów.

Druga rata, Testament doktora Mabuse, ukazuje przestępcę-hipnotyzera, który kontroluje swój gang nawet z więzienia, gdzie pisze książkę o swoich zmaganiach. Partia nazistowska nie umknęła analogiom do niedawno mianowanego kanclerza Adolfa Hitlera. To był ostatni film, jaki Lang nakręcił przed ucieczką z Niemiec, na kilka miesięcy przed oficjalnym końcem Republiki Weimarskiej.

Długi cień niemieckiego ekspresjonizmu

Nawet dzisiaj niemiecki ekspresjonizm pozostaje tematycznie i stylistycznie prowokacyjny i uderzający. Choć zakończył się ciosem reżimu nazistowskiego, pozostał jednym z najbardziej wpływowych ruchów filmowych w historii kina. Było to spowodowane sukcesem filmów tej wytwórni oraz licznymi niemieckimi lub niemieckimi filmowcami, którzy uciekli z kraju w latach trzydziestych XX wieku, zabierając swoją wiedzę do Londynu, Hollywood i nie tylko.

Najwyraźniejsze wpływy można dostrzec w gatunku horroru, zwłaszcza w horrorze potwornym z lat 30. XX wieku i cynicznym filmie noir z lat 40. XX wieku. Ten ruch na zawsze zmienił kinematografię. Jej wpływ można dostrzec w kinie, telewizji, fotografii, sztukach wizualnych, a nawet komiksie.

Wizualne napięcie Hitchcocka, śmiałe zdjęcia Orsona Wellesa w Obywatel Kane (1941), wcześniejsze prace Tima Burtona, kreskówki Batmana i Joela Coena Tragedia Makbeta (2021) , to tylko kilka z mnóstwa dzieł, które dotknęły długi cień niemieckiego ekspresjonizmu.