Jak Mona Hatoum zamienia zwykłe przedmioty w dzieła sztuki?

Współczesna artystka Mona Hatoum w swoich pracach porusza takie tematy, jak konflikty polityczne, przesiedlenia i defamiliaryzacja. Przekształcając znane, zwyczajne przedmioty w dzieła, które wydają się obce lub groźne, jej sztuka odzwierciedla złożoną relację pomiędzy jednostkami, ich ciałami i otaczającym je światem. Oto wprowadzenie do tego, jak Mona Hatoum zamienia przedmioty codziennego użytku, takie jak przybory kuchenne, żarówki i ludzkie włosy, w dzieła sztuki, które wywołują poczucie niesamowitości i zagrożenia.

Kim jest Mona Hatoum?

Mona Hatum to znana współczesna artystka pochodzenia palestyńskiego, znana z prowokujących do myślenia instalacji i rzeźb. Urodzona w Bejrucie w Libanie w 1952 r. jako część rodziny palestyńskiej, Hatoum doświadczyła przesiedlenia we wczesnym okresie życia. Jej rodzina nigdy nie otrzymała libańskich dowodów osobistych, co zdaniem Hatouma miało miejsce w przypadku wielu Palestyńczyków, którzy wyjechali do Libanu na wygnanie po 1948 r. Jej ojciec pracował w ambasadzie brytyjskiej, więc od urodzenia ma brytyjski paszport.

Po studiach projektowania graficznego w Beirut College for Women i pracy w agencji reklamowej Hatoum wyjechała w 1975 roku do Londynu. Myślała, że ​​to tylko tymczasowa wizyta, ale kiedy w Libanie wybuchła wojna domowa, musiała zostać w Londynie. Tam studiowała w Byam Shaw School of Art i Slade School of Fine Art.

Jej doświadczenia jako Palestynki w Libanie i życia w Wielkiej Brytanii w czasie rozłąki z rodziną z powodu wojny wywarły ogromny wpływ na jej pracę. Poczucie przemieszczenia jest reprezentowane w wielu pracach Hatouma.

Znaczącym tego przykładem jest jej wideo Miary odległości który porusza tematykę wysiedleń i separacji spowodowanych wojną domową. Przedstawia obrazy matki Hatoum biorącej prysznic, na które nakładają się listy i rozmowy Mony z matką.

Na początku swojej kariery Hatoum pracowała głównie jako wydajność artystka skupiająca się na swoim ciele. Pod koniec lat 80. zaczęła tworzyć rzeźby I instalacje . W wielu swoich pracach Hatoum stosuje specyficzne strategie, aby zamienić to, co znane, w nieznane. Ludzkie ciało, które wydaje nam się, że tak dobrze znamy, nagle wydaje się w jej pracach obce, a przedmioty codziennego użytku stają się częścią surrealistycznego i niepokojącego otoczenia.

Niebezpieczne przybory kuchenne

Aby poznać strategie, których używa Mona Hatoum do tworzenia dzieł sztuki, które wydają się niesamowite, warto przyjrzeć się bliżej słowu niesamowity samo. W swoim eseju Niesamowite Zygmunt Freud zbadał znaczenie niemieckiego słowa „niesamowity”, czyli „niesamowity”. straszny . Słowo straszny można dosłownie przetłumaczyć na nie tajne . Słowo Dom do którego Heimlicha odnosi się oznacza dom . Freuda napisał, że niesamowite to ta klasa przerażającego, która prowadzi z powrotem do czegoś, co jest nam znane od dawna, czegoś bardzo znajomego.

Tytuł dzieła Mony Hatoum pt Dom zdaje się odnosić do rzeczy, które są przytulny . Kiedy jednak patrzymy na instalację, doświadczamy czegoś innego. Składa się z długiego drewnianego stołu, na którym umieszczonych jest 15 stalowych przyborów kuchennych. Przez scenę przebiega przewód elektryczny. Żarówki umieszcza się pod dwoma sitami i tarką. Za to, kiedy i z jaką intensywnością zapalają się żarówki, odpowiada program komputerowy. Dostęp do stołu uniemożliwiają stalowe druty. W pracach Hatouma zwykłe i niegdyś znane przedmioty wydają się być naelektryzowane. Stalowe druty sugerują, że instalacja jest czymś, przed czym należy chronić widza lub od którego należy go oddzielić.

Artysta powiedział że nazwała ten kawałek Dom ponieważ postrzegała to jako dzieło, które burzy wyobrażenia o zdrowym środowisku domowym, gospodarstwie domowym i domenie, w której zamieszkuje kobiecość. Powiedziała również, że postrzega przybory kuchenne jako nieznane przedmioty i zazwyczaj nie jest świadoma ich przeznaczenia. Dorastała w społeczeństwie, w którym kobiety uczą się gotowania w ramach przygotowań do małżeństwa, co ona odrzuciła.

To feministyczne podejście wydaje się jeszcze bardziej widoczne w jej twórczości Powrót do domu z 2000 roku, w którym znajduje się podobnie nakryty stół, krzesła, łóżeczko, klatka dla ptaków i zabawka. Scena domowa ponownie jest oddzielona od widza stalowym drutem. Druty wydają się sugerować poczucie uwięzienia, jakie odczuwa wiele kobiet w związku z rolą gospodyń domowych i opiekunek.

W swojej pracy Tarka do podziału , Hatoum stosuje inną strategię, aby zniesławić zwykłe przybory kuchenne. Tarka w tej pracy ma prawie siedem stóp wysokości i dlatego wygląda na potencjalne zagrożenie dla ludzkiego ciała. Jego rozmiar sprawia, że ​​obiekt wygląda surrealistycznie i potencjalnie zagraża życiu. Z tytułem Tarka do podziału wydaje się, że praca porusza także takie tematy, jak podział i separacja, czyli doświadczenia, jakich Hatoum doświadczyła w swoim życiu.

Ciało i wstręt

W Ciało obce Mona Hatoum wykorzystuje materiał wideo przedstawiający własne narządy wewnętrzne, nagrany podczas badań lekarskich, aby stworzyć serię wielkoformatowych projekcji, które konfrontują widza z trzewną rzeczywistością ciała. Dla wideo , Hatoum użył kamery endoskopowej. Materiał filmowy został pokazany wewnątrz obudowy w kształcie cylindra. Tytuł utworu, Ciało obce , oznaczający ciało obce , sugeruje, że nasze ciała, choć znajome, mogą być również postrzegane jako byty obce.

Prace Hatoum podważają z góry przyjęte wyobrażenia o sobie i innym, kwestionując ideę wnętrza i zewnętrza. Chociaż wydaje nam się, że znamy swoje ciała i postrzegamy je jako coś znajomego, nagrania prac Hatoum zapewniają inne doświadczenia. Artystka wspomniała, że ​​nasze ciała wciąż często są dla nas obce. Aby zilustrować tę ideę, Hatoum wspomniał o chorobie niszczącej czyjeś ciało tak, że osoba ta tego nie zauważa.

Efekt Ciało obce można zinterpretować, przyglądając się koncepcji abjection Julii Kristevej. W jej książce Moce horroru: esej o wstręcie Kristeva bada uczucia wstrętu i przerażenia, których doświadczamy, gdy mamy do czynienia z rzeczami, które przekraczają granice tego, co wewnętrzne i zewnętrzne i nie należą ani do mnie, ani do kogoś innego.

To doświadczenie wstrętu może nastąpić w odpowiedzi na płyny ustrojowe, odpady, zwłoki, procesy cielesne, a nawet włosy oddzielone od ciała. Chociaż krew lub ślina znajdujące się w ciałach naszych i innych ludzi nie wydają nam się obrzydliwe ani przerażające, ta reakcja zmienia się, gdy tylko te płyny nie są już częścią ciała.

Powszechna reakcja wstrętu, gdy znajdziesz włosy w jedzeniu lub zlewie, również wiąże się z tą koncepcją. Mona Hatoum wykorzystuje w swojej sztuce włosy, które nie są już przymocowane do ciała. Jednym z przykładów jest jej twórczość Bez tytułu (siatka do włosów z węzłami 3) , który składa się z siatki wykonanej z ludzkich włosów na papierze. Do jej instalacji Krajobraz wewnętrzny/zewnętrzny , Hatoum wyhaftowała poduszkę z włosami. Innym przykładem jest praca Hatouma Keffieh od 1993 do 1999, na który składa się szalik wykonany z tkaniny bawełnianej i ludzkich włosów. Wszystkie te prace zajmują się koncepcją abjectu, integrując materiał odrzucony przez ciało, materiał, który w związku z tym również staje się nieznany.

Ponure światło Mony Hatoum działa

Światło może wywoływać przyjemne uczucia i wspomnienia, takie jak uczucie ciepła promieni słonecznych na skórze lub atmosfera w ciemnym pomieszczeniu oświetlonym świecami. Prace świetlne Hatouma potrafią jednak skonfrontować widza z innym nastrojem. Jej praca Lekkie zdanie składa się z szafek z siatki drucianej przypominających klatki oraz wolno poruszającej się żarówki z napędem silnikowym, która rzuca złowieszcze cienie na ściany przestrzeni wystawienniczej, ukazując siatki szafek.

Tytuł nawiązuje do wyroków dożywocia, natomiast integracja obiektów przypominających klatkę porusza takie tematy jak instalacja uwięzienie i uwięzienie. Hatoum powiedział, że ciągły ruch cieni powoduje niepokojące uczucie. Opisała to uczucie jako poczucie niestabilności i niepokoju, coś, czego sama doświadczyła. Hatoum stwierdziła także, że praca jest wypowiedzią na temat przemocy instytucjonalnej i inwigilacji w krajach zachodnich.

Jej praca Bieżące zakłócenia wiąże się z tematem więzienia. Składa się z podobnych klatek wykonanych z drewna i siatki drucianej, w których znajdują się żarówki. Żarówki migoczą w nieregularny sposób, czemu towarzyszy dźwięk elektryczny. Ponieważ Hatoum wykonała instalację w San Francisco, założyła, że ​​widzowie, którzy zobaczą je, pomyślą o więzieniu z powodu Alcatraz.

Praca Mony Hatoum Gorący punkt III wyświetla kulę ziemską z kontynentami zaznaczonymi za pomocą czerwonych neonów. Tytuł pracy i czerwone światła pokazują, jak cały świat jest obszarem konfliktu. Artystka twierdzi, że pierwszą wersję dzieła stworzyła w 2006 roku. Wydawało jej się wówczas, że trwający konflikt nie ogranicza się już do konkretnych regionów Bliskiego Wschodu, ale dotyka całego świata. Jasnoczerwony kolor świateł wydaje się symbolizować poczucie niebezpieczeństwa i pilności.